Depeche Mode Television Archives Forum

Author Topic: 2003-2004: Other News  (Read 21577 times)

Offline Angelinda

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2003-2004: Other News
« on: 23 March 2012 - 23:18:40 »
During the time that DM are not working on a solo project, there may be DM-related news that is not attached to any particular project. This thread contains news items for the years 2003 and 2004, when DM was only working on solo projects, and re-releasing old releases or compilations. For the re-releases there are separate threads for each, as well as for the solo projects of course. In the time that DM is working on a DM project, I included the "other news" items in that same thread, so only the gap years got threads of their own. So far I got "Other News" threads for 2007, 2011 and 2012.
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Offline Angelinda

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Re: 2003-2004: Other News
« Reply #1 on: 23 March 2012 - 23:19:21 »
2003-03-02 - The Edge 102 (Canada) - History of DM

[N.B. this special was also broadcast on the Edge 102 radio station at the time.]

The Ongoing History Of New Music with Alan Cross -- Celebrating 10 Years!
Sunday nights at 7 and Monday nights at 11.

And don't forget... Ongoing History Of New Music Archives Sunday mornings from 10 to Noon.

The History Of Depeche Mode

The story of Depeche Mode has been told many, many times, so rather than just go through their history yet again, I think we"ll dig deep for some things about the band that you may not know, some of the stuff from the last two decades That's been overlooked or ignored. And who knows? Maybe you"ll find that you"re long-standing Depeche Mode question will be answered.

For example, when talking about Depeche Mode, what is "Bong?" There are two answers. "Bong" is the name of the official Depeche Mode fan club. And up until early 2002, they published a fanzine under that name. "Bong", The Zine, no longer exists because of the Internet. Why subscribe to a magazine that comes out once every couple of months when you can now get all your Depeche Mode news instantly with a few clicks of a mouse?

"Bong" is also a special reference code used by the band"s label. Depeche Mode is the biggest act on Mute records, the ground breaking English electronic label. And like Trent Reznor"s "Halo" numbers for all Nine Inch Nails releases, Depeche Mode has "Bong" numbers for virtually all their English singles. "I Feel You" from 1993 was "Bong 21". "Dream On" from 2001 was "Bong 30" But what was "Bong 1?"

"Easy," you say, "Dreaming of Me," the first-ever Depeche Mode single on Mute from 1981. Incorrect. The "Bong" numbers didn't start right away. "Bong 1" was this English single from 1982 and their second album, a broken frame. It's called "Leave in Silence". The official headquarters of this organization is in London. Yes, there was a U.S. "Bong" based out of Denver, but it was a scam. They were happy to take your money, but without delivering any proper fan club services, and they did this without the knowledge or control of "Bong UK". The good news is that the fake "Bong" fan club no longer exists. The official American chapter is now based out of Los Angeles.

Speaking of LA, is it true that Depeche Mode once caused a riot? Yes it is, and it was very scary. On March 20, 1990, Depeche Mode was scheduled to appear for an autograph session at a record store called "The Wherehouse" on La Cienega Boulevard in Los Angeles. Outside, the crowd (which had started gathering 48 hours earlier) kept getting bigger and bigger. By 9:00 that night, the line was so big that traffic was stopped. There were kids up in the trees and light posts, trying to get a better look. Out music was playing from ghetto blasters everywhere. And with all these crazy fans hanging out of the trees, there were only 30 security guards on duty.

Depeche Mode arrived exactly on time, but the moment the crowd saw them through the window, everyone surged forward, pushing and screaming. There was so much pressure on the long row of plate glass windows at the front at the store that it looked like everything was going to cave in. Organizers did their best to keep everything under control, but by 10:00, it was obvious that the situation had become dangerous. There were anywhere from 20 to 25 thousand people in the parking lot. That's when the decision was made to shut everything down. When the crowd realized that the autograph session was cancelled, they went nuts. Bricks and rocks and bottles started flying. Two large neon signs were destroyed. Bits of trim and plaster were literally kicked off the building.

150 member of the LAPD were called in, all wearing full riot gear. People scattered everywhere, leaving debris and damaged cars in their wake. When the dust finally settled, seven people had been sent to hospital, and the record store was left with a bill for $25,000 for the clean up. It became known as the "Depeche Mode Wherehouse riot".

"Personal Jesus," is a song from the Violator album. By the way, you may see "Violator" spelled two different ways. It's supposed to end "or" but a printing error some covers printed with the word spelled "er". That version is a pretty cool collector's item, but It's not the most sought-after thing out there. There are a lot of Depeche Mode rarities out there. Singles, remixes, Japanese box sets, all of which have appeared in stores at least once. A lot of them trade for decent dollars amongst collectors, but none of them qualify as the greatest rarity of them all. For that, you need to go back to 1989 for a four-LP box set that Mute records manufactured for itself. This box set is so rare that it wasn't even given a catalogue number. It's so rare that even the more comprehensive discographies don't list it. It's four test pressings of the 101 live albums. Four 12" pieces of vinyl that came in paper sleeves in a plain box and was never released. To many hardcore fans, this is Depeche Mode's holy grail. Estimated value on the street? Close to $2500.

The song "Everything Counts" was from Depeche Mode's double live album called 101. It was given that title because it was the 101st show on that tour. If, however, you live in France, your copy is called total live. That's because it was promoted using TV commercials and Mute figure that it was best if they spelled out the fact that this was, in fact, a live album. Same recording, different title.

Here are a few miscellaneous facts about Depeche Mode of which even long-time fans may not be aware.

The group is led by Martin L. Gore. What does the "L" stand for? Lee.

If you run across the name "Gascogne," That's the name of the restaurant Andy Fletcher owns in the north end of London.

And although Depeche Mode has sold millions of records for Mute, it wasn't until their sixth album that they actually signed a contract with the label. Up until that point, all deals were sealed with a handshake. These days, Depeche Mode (with the army of lawyers required by all bands), sign deals one album at a time. The big concern is what would become of them if Mute boss Daniel Miller died. Daniel is known to have appeared on at least one Depeche Mode album, and it was Black Celebration from 1986. Listen for him to do his best Winston Churchill impression.

Andy Fletcher is the guy who handles most of business duties for the band. In other words, he looks after the money. However, things have not always gone smoothly. In 1998, he went to court against an accounting firm after Lloyds of London, the famous insurance people, had a bad year. Andy had become what's known as a "name" at Lloyds, someone to share the profits that come with the insurance biz. Unfortunately, becoming a "name" at Lloyds also has its risks and Andy lost a ton of money during that bad year. He sued the accountants he held responsible for millions. And he won. Andy's business dealing's is also the official reason why he did not accompany the band on their 1994 world tour. That's what everyone would have us believe. He suffered a nervous breakdown and had to be checked into the hospital for a month, missing the entire second leg of the tour. He was very, very sick. At first, he through it might be a brain tumour. But as it turned out, it was just a very, very severe case of depression.

This is a good time to segue into the infamous problems endured by singer Dave Gahan. One day, someone will write the definitive tell-all book about Depeche Mode. And when they do, it will put all those legendary stories about Led Zeppelin and The Who and Van Halen all to shame. Those familiar with how Depeche Mode has conducted itself on the road will tell you that these were some of the most debauched tours in the history of music. They are so incredible that some people will have to die before these stories can be told. The closest I can get to any of these tales without getting sued are the events of the songs of faith and devotion tour and its immediate aftermath.

Dave Gahan started using heroin in about 1991. Within two years was a full-blown addict. Living in L.A. was the worst thing for him. Drugs were always available especially after his second wife introduced him to the people that hung around with Jane's Addiction. He and Teresa were rock 'n' roll soul mates, living out the fantasy and not thinking of the consequences. One of their favourite wedding presents was a big lump of black tar heroin. It got so bad that he would spend days in his hotel room, banging heroin into his veins. There was even an occasion in New Orleans where Dave couldn't do the encore because between the last song and the time he was supposed to go onstage, he OD'd and the paramedics had to be called.

There's a story that Dave demanded that Primal Scream get the opening slot on the tour because he knew they liked to party like he did. But the story goes that Primal Scream was so shocked by what they saw, they gave up drugs entirely. The tour employed a hundred people, including a full time psychiatrist, and a guy whose job it was to buy drugs. After the tour, Dave stayed in L.A, and he continued to do lots of drugs. He grew paranoid and carried a gun; even just to check the mailbox. He'd do things like watch the weather channel for 24 hours straight. He painted the walls and the floor. He started talking to his collection of stuffed animals; and it got real weird when they started talking back.

There were a couple of trips to rehab, including a secret visit to a fancy clinic in the Arizona desert. But when he checked out on August 17, 1995, he returned to his house to find that it had been completely looted. That's when he loaded up on smack and checked into the Sunset Marquis; and while looking in the bathroom mirror, slashing his wrist seemed like a good idea. When he woke up in the psychiatric ward at the nearby Cedar-Sinai hospital, all he could think about was getting high again. And who cares if a suicide attempt was a felony in California? Later, he tried to hang himself in his bathroom; but that didn't work, either.Meanwhile, Martin Gore had sent Dave a tape of demos for the next Depeche Mode album. He flew to New York to work on a new songs, but he was basically too strung out to get much done. The story is that the song "Sister of Night" was recorded while Dave was high on heroin.

Dave Gahan will never forget May 27, 1996. After flying back to L.A. after the "Sister of Night" sessions, he went to a party and checked in at the Sunset Marquis again. But after injecting a mixture of heroin and cocaine, he suffered a massive overdose. At 1:15 am on the 28th, someone called 911. And when the paramedics arrived, they thought they had lost Dave. He was clinically dead for two minutes. Full cardiac arrest. When he was released from hospital; and released from jail on drug charges, he went right back to the smack. But this time, there was no buzz. Nothing. And That's when Dave checked himself into the Exodus Recovery Centre in Marina Del Ray, California; the same place that tried to straighten out Kurt Cobain the week before he died.

In Dave's case, though, it seemed to have worked. He still attends narcotics anonymous meetings. He has his urine tested a couple of times a week. He's exercising, doing yoga; and he's talking with his son Jack again. For a while, Joanne wouldn't even let Jack see Dave because he was always so strung out. But his problems weren't over. His second wife, Teresa, sued him for divorce, and she demanded a big settlement. But at least he's alive; which is more than he can say for some of his drug addicted friends.

Depeche Mode. It's been a long, strange and sometimes dangerous journey. But in a world where the average length of a career is one album, they're still together, still touring, still making records and still keeping their fans happy after more than 20 years. How many bands can make that claim these days?

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Re: 2003-2004: Other News
« Reply #2 on: 24 March 2012 - 00:10:31 »
2003-03-07 - Starfacts (Germany) - Issue 2 Depeche Mode Eine Chronik

    Als in Vince Clarke, Martin Gore, Andrew Fletcher und David Gahan der Gedanke reifte, mit elektronischen Klangerzeugern Popmusik zu produzieren, waren sie noch eine vieler junger Bands aus England, die im Zuge der New Romantic-Bewegung Aussicht auf schnellen Erfolg hatten. Die revolutionär klingende, dabei aber vergleichsweise simpel arrangierte Popmusik der frühen Achtziger Jahre verhalf schillernden Künstlern und bizarren Selbstdarstellern zu Geld und Ruhm. Den wenigsten ist es allerdings gelungen, sich rechtzeitig als ernstzunehmende Musiker zu beweisen und ein Profil, welches über die Grenzen einer vorübergehenden Modeerscheinung reichte, aufzubauen. Eine der Ikonen dieser Zeit, die auch den Spring in die Neunziger mit Erfolg zu meistern, ja ihren Erfolg zuweilen sogar noch weiter auszubauen vermochte, waren Depeche Mode. Mit “Violator” schufen sie 1990 einen zeitlosen Meilenstein und gleichzeitig ihr erfolgreichstes Album. Es ließ sich nur noch erahnen, daß ihnen bis kurz zuvor noch das Image einer Band von Jugendlichen für ihresgleichen anhaftete. Doch auf den Höhepunkt ihrer Karriere folgte der Absturz – in körperlicher und emotionaler Hinsicht. Der viele Jahre schwer drogenabhängige Sänger Dave Gahan überlebte mehrere Überdosen und Selbstmordversuche, Andy Fletcher wurde psychisch krank und Martin Gore stand kurz davor, die Band aufzulösen. Und trotz des Ausstiegs des einzigen ausgebildeten Musikers nach einem kräftezehrenden Tourmarathon kam die Band nach langer Pause 1997 als gestärkte Einheit zurück und hat bis heute nichts von ihrem Status eingebüßt. Nach weit mehr als 40 Millionen verkauften Alben und gut 1000 Konzerten in allen Teilen der Welt werden Depeche Mode zurecht als Kultband bezeichnet, die dazu zu einer der am häufigsten genannten Quellen der Inspiration vieler Musiker zählt und durch deren Schaffen viele aktuelle Formen elektronisch basierter Musik überhaupt erst ermöglicht wurden.
    Depeche Mode – eine Bandgeschichte, wie sie das Lehrbuch des Rock’n’Roll nicht besser hätte schreiben können. Ihren Verlauf, wie aus einer belächelten Teenie-Band unabhängige und künstlerisch relevante Superstars bis in die Gegenwart wurden, beleuchtet diese Chronik und versucht, eines der größten Phänomene in der Musikwelt transparenter zu machen: 22 Jahre Depeche Mode, ungeschönt in Wort und Bild.
Kapitel 1
An Ordinary Composition Of Sound
    Vince Clarke, geboren am 3. Juli 1960, war eine unauffällige Erscheinung. Der typische Einzelgänger, der nach der Schule im Kirchenchor sang, in seiner Freizeit mit Vorliebe den schnulzigen Songs von Simon und Garfunkel lauschte und irgendwann den Drang verspürte, selbst zu musizieren. No Romance In China nannten er und sein Schulfreund Andrew John Fletcher (geboren am 8. Juli 1961 in Nottingham) ihr Duo, welches sich vornehmlich eigenen Interpretationen ihrer Lieblingssongs wie “I Like It” von Gerry And The Pacemakers widmete, bis eine zu diesem Zeitpunkt gänzlich unbekannte Band namens The Cure mit ihrem melancholischen Sound den Nerv des jungen Clark traf. Mit Perry Bamonte, später Keyboarder bei The Cure, gründete er daraufhin ein weiteres Due namens The Plan, welches er allerdings aufgrund eingeschränkter kreativer Entfaltungsmöglichkeiten bald wieder verließ. Zusammen mit “Fletch” und dessen bestem Freund Martin Lee Gore orientierte er sich musikalisch neu. Clarke übernahm die Chefrolle, schrieb und sang die Songs und Moog-Synthesiser sollten auf seinen Verlaut hin Baß und Gitarre ersetzen. So entstand seine erste rein elektronische Formation: Composition Of Sound. Martin Gores Interesse für Musik hatte einen tieferen Ursprung. An seinem 13. Geburstag bekam der am 23. Juli 1961 in Dagenham, Essex, geborene Sohn eines Kraftfahrers und einer Altenpflegerin von seinen Eltern eine Gitarre geschenkt. Inspiriert vor – allem von Gary Glitter und den kultigen Sparks schrieb er mit 16 Jahren, noch während der Schulzeit, die Songs “See You” und “A Photograph Of You”, welche später beide auf dem Album “A Broken Frame” (1982) von Depeche Mode zu finden sein werden. Bei seiner früheren and Norman And The Worms lernte Martin Gore den Umgang mit elektronischen Klangerzeugern.
    Als Composition Of Sound lehnte man sich an die bereits etablierten Kraftwerk und Gary Numan an, der Ende der Siebziger mit seiner Tubeway Army die Hitparaden anführte. Martin spielte nebenbei in einer weiteren Band, The French Look, wo ein abgefahrener Typ den Livesound mixte: David Gahan. Vince Clarke, beeindruckt von den gesanglichen Fähigkeiten, die Gahan bei einer Jamsession an den Tag legte, lud ihn spontan ein, Sänger bei seiner Band zu werden, um selbst etwas aus dem von ihm eher ungeliebten Licht der Bühne treten zu können. Gahan sagte zu, mußte jedoch seine Scham beim ersten Auftritt im Vorprogramm von der lokal recht angesagten Band The French Look mit reichlich Alkohol betäuben, wie der Sänger später zugab. Dave war in der Szene seiner Heimatstadt Basildon keine Unbekannter und nicht zuletzt machten seine im Publikum zahlreich vertretenen Kollegen aus der Punk- und Glamour-Szene diesen Abend zu einem vollen Erfolg. Am 9. Mai 1962 kam er in Epping zur Welt. Sein Vater verließ kurz darauf seine Mutter, zwei Halbbrüder, Peter und Philip, und seine Schwester Sue. Sein Stiefvater starb, als Dave sieben Jahre alt war. Mit zehn Jahren lernte er seinen leiblichen Vater kennen, von dessen Existenz er bis dahin nichts wußte. Seine bis dato heile Welt zerbrach und sein Leben verließ für mehrere Jahre geregelte Bahnen. Er schwänzte die Schule, verkaufte frisierte Motorräder und mußte wegen Vandalismus, Autodiebstahls und als illegaler Graffitikünstler vor den Jugendrichter, der ihn zu geringen Strafen verurteilte. Als Vierzehnjähriger ließ Dave sich tätowieren und zog mit Drogensüchtigen und Schlägern durch die Nächte. Er probierte selbst Drogen aus, verlor sehr früh seine Unschuld (die Freundinnen seiner älteren Schwester sollen sich sehr für ihn interessiert haben) und führte ein Punk-Leben auf der Überholspur, wo für längere ernsthafte Arbeit oder eine Ausbildung vorerst kein Platz war. Wichtiger waren das allabendliche Abhängen in angesagten Londoner Clubs und Konzerte von The Clash und The Damned. Hier lernte er seine spätere Frau Joanne Fox kenne. Der stets modebewußte Dave entschloß sich später dennoch, drei Jahre an einer Kunsthochschule zu studieren und er war es auch, der nach kurzer Bandzugehörigkeit den Namenswechsel zu Depeche Mode (schnelle Mode) anregte: Ein klangvoller Name, der einer gleichnamigen französischen Zeitschrift entfliehen wurde, die er zu Studienzwecken regelmäßig lesen mußte. Anders als ihr Bandname suggeriert, werden sich Depeche Mode keinesfalls wie eine kurzlebige Modeerscheinung darstellen.
    Mit dem Lagerraum einer Kirche war nur kurz nach der Namensgebung auch ein geeigneter Proberaum gefunden, und wenig später folgten Auftritte bei Schulfesten und in kleinen Clubs. Zunächst wurden Coverversionen von “The Price Of Love” (Everly Brothers), oben genanntes “I Like It”, aber auch eigene Titel wie “Television Set” und “Photographic” gespielt. Depeche Mode hatten sich in der hiesigen Szene schnell einen Namen gemacht und erste Erfolge erzielten sie als Hausband beim samstäglichen “Glamour Club”, der Synthieparty im Londoner Club Croc’s, wo später das erste Konzert von Boy Georges Culture Club stattfand und Mitglieder von Duran Duran und Spandau Ballet verkehrten.
    Erste vielversprechende Angebote ließen nicht lange auf sich warten. Der bekannte Electro-DJ Steve “Stevo” Pearce bat die Band, einen Track zu dessen “Some Bizzare Compilation” – Some Bizzare war bereits Labelheimat von beispielsweise Soft Cell – beizusteuern. Nach reichlich Überlegung schlugen sie das Angebot ab und bewarben sich statt dessen mit einem Demotape bei diversen anderen Labels. Absagen oder gänzlich ausbleibende Antworten brachten jedoch kurz darauf herb Ernüchterung. So geschehen auch beim Independent-Label Rough Trade, bei welchem sich ungefähr zur selben Zeit ein großer Fan elektronischer Musik namens Daniel Miller um den Vertrieb von “Warm Leatherette”, der Single seines eigenen Projektes The Normal, bewarb. Daniel Miller hatte dafür das Label Mute gegründet und konnte kurz darauf einen doppelten Erfolg verbuchen. Zum einen übernahm Rough Trade den Vertrieb und außerdem war die Erstpressung von “Warm Leatherette” schnell ausverkauft. Millers Kontakte zu Rough Trade wurden enger und so wurde The Normal ein Auftritt mit Throbbing Gristle und Cabaret Voltaire sowie eine kleine Tour mit den Stiff Little Fingers ermöglicht.
    1979 unterschrieb Fad Gadget alias Frank Tovey als erstes Fremdsigning bei Mute Records. Seine frühen Singles “Back To Nature” und “Ricky’s Hand” wurden Hits, die ihrer Zeit vorauseilten und mit extrovertierten Bühnenshows, die man zuletzt während Depeche Modes “Exciter-Tour” (2001) zu sehen bekam, vermochte er sein Publikum gleichzeitig zu schockieren und zu begeistern. Frank Tovey starb sehr jung und unerwartet im Jahre 2002 an Herzversagen. Sein Tod ist ausgesprochen tragisch, zumal er mit seiner letzten Tour und einem zeitgleich erschienenen Best Of-Album nach langjähriger Pause erneut viel Aufmerksamkeit und Respekt erfuhr.
    Die Formation DAF (Deutsch Amerikanische Freundschaft) erhielt kurz nach Fad Gadget für ihr Album “Die Kleinen und die Bösen”, der ersten LP in der Geschichte von Mute, den Zuschlag. DAF gelten neben Kraftwerk als wichtigste Wegbereiter für die breite Akzeptanz elektronischer Musik und bewiesen Daniel Millers gutes Gespür für potentielle Newcomer.
    Um so verwunderlicher ist es deshalb, daß sein erster Kommentar zu Depeche Mode ein niederschmetterndes “Bullshit” war. Nur einen Monat nach dem ersten Zusammentreffen mit der Band im Buro von Rough Trade sah er jedoch die vier nach eigenen Angaben “vergammelt aussehenden New-Romantic-Typen” als Vorband seines eigenen Schützlings Fad Gadget im Londoner Bridgehouse und war begeistert: “Was da aus den Lautsprechern kam, das war einfach unfaßbar. Zuerst dachte ich, nun ja, der erste Song ist bei allen gut, aber Konzert bot er der Band die Veröffentlichung einer Single auf seinem Label an. Nach einigem Zögern, das Angebot Stevos noch im Hinterkopf, wurde man sich einig und lediglich ein Handschlag besiegelte ihre erste Zusammenarbeit. Diese eigenwillige Form des Vertragsabschlusses ist äußerst seltem im von Natur aus mißtrauischen Musikbusineß. Weitaus ungewöhnlicher ist jedoch, daß auch Jahr später, während Depeche Mode bereits Millionengewinne erzielten, kein unterzeichnetes Papier existierte, das die Verpflichtungen beider Parteien festlegte.
    Daniel Miller und Stevo pflegten stets die gute Zusammenarbeit ihrer jungen Labels. Ein gemeinsames Ziel vor Augen, war dies eine Beziehung mit beinahe freundschaftlichem Charakter. So stellte es kein Problem für beide Seiten dar, ihre Entdeckungen gegenseitig auszutauschen: Miller produzierte Soft Cells Single “Memorabilia” und Stevo bekam eine Frühversion von Depeche Modes “Photographic” für seine im Februar 1981 erschienene “Some Bizzare Compilation”. Heute beinahe unbezahlbar und eine der gesuchtesten Raritäten unter Fans, waren auf dieser LP auch Blancmange, The The, Soft Cell und Naked Lunch vertreten – junge Rebellen, die das New Romantic Zeitalter einläuteten und wenige Jahre später zu dessen Vorreitern zählten.

[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 2 auf 12]
Kapitel 2
Dreaming Of A New Life
    Unzählige Auftritte und der Beitrag zu Stevos “Some Bizzare Compilation” machten auch größere Plattenlabels auf die vier smarten Burschen aufmerksam. Die Bosse witterten schnelles Geld und mit Hilfe ihres großen Promotionapparates konnten sie einen Hit in den Top 10 beinahe garantieren. Daniel Miller kam mit seinem zu diesem Zeitpunkt noch winzigen Unternehmen etwas in Bedrängnis. Im Prinzip war die Produktion einer Single beschlossene Sache, aber da es keinen schriftlichen Vertrag gab, hätte die Band sich auch ohne weiteres anderen, verlockenderen Versprechungen hingeben können. Wenn man heute zurückblickt, kann man den Umstand, daß dies nicht geschah, als großes Glück bezeichnen denn dann hätte es Depeche Mode mit aller Wahrscheinlichkeit nicht lange gegeben, doch dazu mehr im dritten Kapitel.
    Miller konnte sich gut in die Gemüter seiner Schützlinge hineinversetzen. Sein Verhältnis zur Band verglich er selbst einmal treffend mit einer guten Beziehung zwischen Onkel und Neffe. Seine Meinung als Manager wurde immer respektiert, auf der anderen Seite wollte er die Band zu nichts drängen und ließ ihnen gern Freiheiten, die für ihre musikalische Entwicklung wichtig waren, wozu auch Fehler gehörten. Mit seinen knapp 20 Jahren war es vor allem Vince Clarke, der alles erreichen wollte und dies auch noch möglichst schnell, während seine Bandkollegen abwartender waren, wenn nicht sogar unentschlossen und manchmal desinteressiert. Der Labelchef prophezeite also ganz einfach den Erfolg einer ersten Single, jedoch nicht ohne auch selbst daran zu glauben, und er wird recht behalten. Der Song wurde in den Blackwing-Studios, eingerichtet in einer nicht mehr benutzten Kirche im Südosten Londons, eingespielt. Eric Radcliffe arbeitete dort als Toningenieur und erwies sich nach einiger Gewöhnungszeit an die merkwürdigen Instrumente der Band als kompetenter und kreativer Mitarbeiter. Auch die Veröffentlichungen bei Mute in den folgenden Jahren wurden bei ihm produziert; Vince Clarke bedankte sich sogar mit dem Albumtitel seiner späteren Band Yazoo: “Upstairs At Eric’s”. “Dreaming Of Me”, von Vince Clarke geschrieben, sollte die erste Single werden. Nach Ansicht der Band bewegte sie sich stilistisch zwischen ihrem poppigsten Material und dem rauheren Electrosound, den sie hauptsächlich live spielten, und deshalb schien ihnen dieser Song geradezu prädestiniert dafür, Depeche Mode einer größeren Öffentlichkeit vorzustellen. Am 20. Februar 1981 wurde die Single auf 7”-Vinyl an die Plattenläden ausgeliefert. Während “Dreaming Of Me” mit analog fiepender Leichtfüßigkeit und selbstverliebter textlicher Naivität daherkam, wurden auf der B-Seite mit dem Stück “Ice Machine” schon andere Töne angeschlagen. Durch seine schwere Melodie und härtere Instrumentierung paßte dieser Song auch noch Jahre später in leicht überarbeiteter Form in die Setlist bei Konzerten Depeche Modes und zählt zu den Lieblingssongs vieler Fans. “Dreaming Of Me” fand das gewünschte Airplay bei einigen Radiosendern, einen guten Monat später den Weg in die offiziellen englischen Charts bis auf Platz 57 und stellte wochenlang die Nummer eins der Indie-Charts. Aus aller Welt kamen daraufhin Anfragen nach Vertriebslizenzen und in Amerika liefen bald erste Verhandlungen mit Sire Records vom Warner-Konzern, da Miller schon vorher gut mit dem Sire-Manager Seymour Stein zusammengearbeitet hatte. Auch die Aufmerksamkeit europäischer Lizenzpartner regte sich umgehend. In Schweden fand sich das Independentlabel Sonet von Rod Buckle, mit dem Miller durch ganz Europa reiste und Verträge abschloß. Durch diese Unterstützung lernte Miller außerdem eine Menge über das internationale Geschäft.
    Es folgten zahlreiche Gigs, mittlerweile an die 50, in ganz England bis in den Sommer hinein, unter anderem auch wieder im Vorprogramm von Fad Gadget, dem sie beinahe die Show stahlen. An freien Tagen wurden im Blackwing-Studio neue Songs eingespielt. Martin Gore und Andy Fletcher arbeiteten nach wie vor in seriöser Bank- beziehungsweise Versicherungsumgebung und stießen nachmittags im Studio zum arbeitslosen Vince Clarke, der sich ganztägig der Band widmen konnte, und zu Dave Gahan, der als Student weitaus mehr Freizeit hatte als seine jobbenden Kollegen. Auch wenn Miller oft im Studio anwesend war, sprach Clarke das mächtigste Wort. Er schrieb die meisten Songs und hatte schon vor der Produktion genaue Vorstellungen, wie sie letztendlich zu klingen hatten. Während Gore zu Rate gezogen wurde, wenn es um Melodien ging, die er stets mit Leichtigkeit aus dem Ärmel schüttelte, wurden Gahans Einwürfe, die zumeist aus skeptischem Nachfragen bestanden, weitgehend ignoriert. Eine Handvoll Songs wurde zu dieser Zeit fertiggestellt und “New Life” am 13. Juni als zweite Single veröffentlicht. Mit seinem flottem Tempo wirkte “New Life” noch fröhlicher und harmloser als “Dreaming Of Me”. Martin Gore sagte damals: “Die Songs von Vince sind seltsam, denn sie haben eigentlich keinerlei Sinn. Er erfindet irgendeine Melodie und sucht sich dann die Wörter zusammen, die sich halt nur zu reimen brauchen.”
    Doch dann ging es Schlag auf Schlag: Beim englischen Radio 1 gab es eine Depeche Mode Sondersendung während “New Life” in die Charts knallte. Bis auf Platz 11 schaffte es die Single in England und ein Auftritt bei Top Of The Pops folgte. Heute verleitet der Mitschnitt des Auftritts bei Top Of The Pops eigentlich nur noch zum Kopfschütteln: Alberne Klamotten, blöde Frisuren und Herumgehampel hinter den Keyboards. Auch die Band teilte diesen Eindruck, wie die Bemerkungen Andy Fletchers zeigten: “Man drückt die Tasten auf dem Keyboard und tut so, als würde man spielen, gesungen wird in ein Mikrofon, das gar nicht angeschlossen ist. Nach einer Weile fragt man sich, was man da eigentlich treibt und ob man nicht vor Millionen von Zuschauern wie ein Vollidiot aussieht.” Nützlich war diese Schauspielerei anscheinend trotzdem, denn 500.000 Einheiten verkauften sich in 15 Wochen Chartpräsenz.
    Mit der Veröffentlichung von “New Life” wurde auch schon die nächste Single eingespielt. “Just Can’t Get Enough”, so der Titel, ist ein schwer abzuschüttelnder Ohrwurm, über den sich die Band, auch heute noch, unberechtigter Weise definieren lassen muß. “Just Can’t Get Enough” wurde am 7. September 1981 veröffentlicht und erreichte in England den achten Platz. Erstmals wurde zu einer Single von Depeche Mode auch ein Video gedreht. Der betriebene Aufwand war jedoch noch sehr limitiert und die Aussage des Clips, milde formuliert, unspektakulär. Aufgrund seiner großen Eingängigkeit und unbestrittenen Note des Klassikers wurde dieser Song immer wieder ins Liveset eingebunden und fand 1998 zum (bisher) letzten Male Einsatz als Schlußtitel und Partykracher mit Mitgröl-Garantie bei Konzerten im rahmen der “Singles-Tour”.
    Nach den Aufnahmen brach die Band erneut zu einer Kurztour euf, bei der die Stationen Brighton, Manchester, Leeds und Edinburgh auf dem Plan standen. Daniel Miller war dabei und bekam neben seinen sowieso schon vielfältigen Aufgaben in Bandbelangen noch einige neue dazu: Fahrer, Tourmanager und Toningenieur. Kurz darauf zierten Depeche Mode das Cover des Magazins New Musical Express (NME) in England. Der damals noch wenig bekannte, heute einer der gefragtesten Fotografen im Showgeschäft, Anton Corbijn, schoß das Foto und verwendete seine typische Perspektive mit fokussiertem Hintergrund und unscharfer Bildmitte. Gahan äußerste sich dazu: “Ich stand zwar ganz vorn, war aber nur unscharf zu sehen, das fand ich ziemlich fies. Ich war außer mir und dachte nur: Dieser Bastard hat mich absichtlich unscharf geknipst.” In Funk und Presse selbst wurden sie jedoch als vorübergehendes Phänomen im Zuge der New-Romantic-Bewegung abgetan, welches nicht weiter erst genommen werden müsse. Moglicherweise lag die Ursache für diese Einschätzung in ihrer ständigen Medien-Präsenz mit einseitigen Darstellungen, was konsequenter Weise auch bald einzuschränken versucht wurde. Die Betonung liegt auf “versucht”, denn von ihrem Image als Teeniepop-Band konnten sich Depeche Mode, vor allem in England, erst zwölf Jahre später komplett lossagen.
    Alles lief bis zu diesem Zeitpunkt mehr als zufriedenstellend, doch dann kam der Schock: Vince Clarke gab sein freiwilliges Ausschieden aus der Band bekannt. Angedeutet hatte sich seine Unzufriedenheit bereits während der vorangegangenen Konzerte, bei denen er kaum noch mit dem Rest der Band kommunizierte, mitgeteilt hat er seinen Entschluß dann jedem einzeln. Als Gründe nannte er seinen Mißmut gegenüber dem Rummel in der Öffentlichkeit, dem stressigen Promotionsalltag und die zunehmende kreative Einschränkung, die mit dem Erfolg einherging. Ans Aufgeben dachte jedoch keines der verbliebenen Mitglieder – nicht nachdem sie so viel erreicht hatten. Vielmehr wurden die Aufgaben in der Band neu verteilt. Martin hatte bereits einige Songs geschrieben und ein gutes Gespür für Melodien, er sollte deshalb die Rolle des Songwriters vollständig übernehmen. Fletch verfügte über Organisationstalent und widmete sich stärker den Bandbelangen, an Daves Rolle mußte nichts korrigiert werden.
    Clarkes Entschluß blieb dennoch vorerst geheim, zumal weitere Konzerte gebucht und ein Veröffentlichungstermin für das Debütalbum “Speak & Spell” in Sicht waren. Nichts konnte zu diesem Zeitpunkt schädlichere Auswirkungen haben als gehässige Presse, die das anscheinende Eintreten ihrer Prophezeiungen zum Thema Kurzlebigkeit bestätigt gesehen hatte. Des weiteren sollte in den nächsten Tagen der Vertrag mit Sire Records unterschrieben werden, der unter diesen Umständen vielleicht nicht zustande gekommen wäre. Also war Clarke noch bei der folgenden, ausverkauften Tournee, die sie als Vorband von Blancmange durch das gesamte Vereinigte Königreich führte, dabei. Auch die Freundinnen von Gahan und Gore reisten mit. Joanne Fox Leitete damals den Fanclub von Depeche Mode und Anne Swindell verkaufte Merchandising-Artikel. Im Londoner Lyceum stand Vince Clarke das letzte Mal für Depeche Mode auf der Bühne. Das war am 16. November des Jahres 1981.
    Knapp drei Wochen vorher, am 29. Oktober, wurde “Speak & Spell” veröffentlicht, erreichte in England den respektablen zehnten Platz der Albumcharts und konnte sich ganzee 32 Wochen lang in den Top 100 behaupten. Anders als es die meisten ihrer Konkurrenten handhabten wurde vermeiden, einfach die Gesichter der Band auf dem Cover abzubilden. Ein rot beleuchteter Schwan, eingehüllt in Plastikfolie, schützte statt dessen das Vinyl, welches neben den beiden Singles “New Life” und “Just Can’t Get Enough” neun weitere Songs enthielt, darunter auch ein runderneuertes “Photographic” und das grandiose “Tora! Tora! Tora!”, welches zusammen mit “Nodisco” und “Puppets” den anspruchsvolleren Gegenpol zu beinahe banal wirkenden Popnummern wie “What’s Your Name?” oder “Boys Say Go!” bildete. Auch Dave Gahan stellte wenige Jahr nach Erscheinen fest: “Bestimmte Tracks auf ‘Speak & Spell’ sind mir heute peinlich, obwohl ich die Platte damals großartig fand.” Trotz allem war dieses Album ein beachtliches Debüt und sein Erfolg bewegte Gore und Fletcher endgültig zur Aufgabe ihrer Jobs. Es war der Antrieb für die Fortführung und Weiterentwicklung ihrer musikalischen Arbeit, jedoch nicht ohne vorher wieder den Platz an den Keyboards zu besten, den Vince Clarke hinterlassen hatte.
    Im englischen Musikmagazin Melody Maker war in einer Kleinanzeige zu lesen: “Bekannte Band sucht Keyboarder unter 21 Jahren.” Unter den zahlreichen Bewerbern glänzte vor allem der am 1. Juni 1959 im Londoner Stadtteil Hammersmith geborene Alan Wilder. Er beherrschte aufgrund seiner musikalischen Erziehung verschiedene auch akustische Instrumente und konnte eine abgeschlossene musikalische Ausbildung vorweisen. Wilder war nach der Schule an verschiedenen Musikprojekten beteiligt und jobbte in Tonstudios. Zuletzt spielte er bei den Hitmen, deren Sänger Ben Watkins später die Ambient-Legende Juno Reactor gründete. Alan Wilder wurde von Daniel Miller und Depeche Mode zum Vorspielen eingeladen und hatte ihre Songs bis ins letzte Detail einstudiert, was für ihn gleich einer simplen Übung gewesen sein soll. Auch sonst schien er einen guten Eindruck zu hinterlassen, denn er war von Seiten der Band Wumschkandidat Nummer eins. Sein wahres Alter von 22 Jahre verschwieg Alan vorerst, vor allem weil er anscheinend nicht ganz den Geschmack von Daniel Miller traf, dessen Einfluß auf die Band nicht gering war. Miller meinte später: “Wahrscheinlich hätte ich dem zweiten Kandidaten aus der Endrunde den Vorzug gegeben, aber sie wollten Alan haben. Es ging ja auch nur darum, wieder einen Live-Musiker zu haben, nicht etwa ein ständiges neues Bandmitglied einzustellen.” In diesem Falle setzte sich das verbliebene Trio durch: Mit Alan Wilder war der passende vierte Mann für die kommende Tournee gefunden.

Kapitel 3
Larger Amounts
    Der durch das Ausschieden Vince Clarkes freigewordene Platz an den Tasten war also wieder besetzt, zumindest bei den bevorstehenden Konzerten. Im Studio bewegte man sich jedoch erstmalig zu dritt, um die neue Single “See You” einzuspielen. Miller sagte damals wörtlich zu Alan Wilder: “Eigentlich brauchen sie dich nicht im Studio für ihre nächste Single.” Ohne Clarkes konzeptionelles Vorgehen lief die Arbeit dort aber weitaus weniger organisiert ab. Den Text hatte Martin Gore bereits während der Schulzeit geschrieben und die Melodie stand fest, wie der Song jedoch letztendlich arrangiert werden sollte, wurde erst nach vielfältigen Tüfteleien klar. Fertig wurde er trotzdem und erschien am 29. Januar 1982 als vierte und bis dahin erfolgreichste Single. Da dies die. Erste Etappe eines Neuanfangs darstellte, war der Erfolg (Platz 6 der britischen Charts) ungemein wichtig für das Selbstbewußtsein der Band un gegenüber der Presse der Beweis dafür, daß sie auch nach dem Verlust des ehemals wichtigsten Bandmitglieds Hits zu schreiben im Stande waren.
    Ebenfalls im Januar stand Alan Wilder das erste Mal als Musiker mit auf der Bühne des Londoner Croc’s und anschließend ging es im Rahmen einer Blitztour zum Livedebüt nach Amerika. Als die Visa beantragt wurden, kam nicht nur Dave Gahans Strafregister ans Licht, auch die Weste des mittelständig-gut erzogenen Alan Wilder wies einen Fleck auf, wegen Ladendiebstahls. Größere Probleme gab es deshalb aber nicht und man konnte bald auf die ersten beiden Gigs im New Yorker Ritz zurückblicken.
    Um an Glaubwürdigkeit zu gewinnen, war es nötig, der Band ein stärkeres Image zu verleihen und Daniel Miller stellte den Pressesprecher Chris Carr ein. Carr äußerte sich über das Erscheinungsbild von Depeche Mode: “Als Band waren sie wirklich schlapp, echte Luschen. Sie waren sehr unsicher, wer sie wirklich waren und wie sie erscheinen sollten. Wir hatten mit dieser Gruppe etwas in der Hand, was in die richtige Richtung gelenkt werden mußte, wenn wir es nicht verlieren wollten. Also suchten wir die seriöse Bestätigung ihres Wertes einerseits durch den New Musical Express und auf der anderen Seite durch die Dauerwerbung auf Radio 1.” Fortan wurde auch nicht mehr jeder Interviewanfrage nachgegeben und die Korrespondenz mit reinen Teenie-Magazinen eingeschränkt, was diese jedoch nicht davon abhalten konnte, kurzerhand selbst erfundene Stories abzudrucken. Das deutsche Magazin BRAVO kurbelte einige Jahre später in Folge des vorübergehend totalen Kooperationsstops, auch mit der seriösen Tagespresse, eine Diskussion an und fragte: “Schnappen Depeche Mode über?”
    Zeit zum Ausruhen blieb kaum, denn die Vorbereitungen für die nächste Tour waren bereits in vollem Gange. Miller programmierte die Keyboards und die Band probte zusammen mit Alan Wilder, der dabei lediglich Anweisungen bekam, in den Blackwing-Studios. Die folgende Tour führte die Band 15 Tage lang einmal mehr durch ganz England, wo sie erstmalig mit hysterischen Fans in Berührung kam. “Die haben mich beinahe in Stücke gerissen, es war beängstigend”, erzählte Gahan. “Ich wurde sofort umringt und konnte kaum noch entkommen. Sie grabschten nach mir, rissen an meinen Klamotten und Haaren. Ich bekam echt Angst und rannte davon – diese Kids könnten einen umbringen.” Anschließend begab man sich im März auf das europäische Festland, wobei auch Konzerte in Hamburg, Berlin und Hannover gegeben wurden.
    Am 16. April 1982 kam die nächste Single “The Meaning Of Love” heraus und erreichte Platz 12. Zur selben Zeit belegten Vince Clarke und seine Schulfreundin Alison Moyet mit ihrem gerade erst gegründeten Projekt Yazoo Platz 2 der Charts mit “Only You”, einem Song, den Clark noch bei seinem Abschied zurücklassen wollte, der von Depeche Mode jedoch abgelehnt wurde – ein gefundenes Fressen für die schadenfrohe Presse. Das Verhältnis zu Vince Clarke gestaltete sich zwar entsprechend gespannt, aber niemand mißgönnte ihm seinen Erfolg.
    Nach einer kurzen Amerika-Tour ging es im Sommer auch bald wieder zurück zum Studioalltag, den die Zeit für ein notwendiges neues Album rücke näher. Auf die Unterstützung des engagierten Keyboarders verzichtete die Band erneut und Wilder blickte frustriert zurück: “Ich war unglücklich, schon wieder ausgeschlossen zu werden, schließlich war ich seit Anfang des Jahres mit auf Tournee und von mir wurde erwartet, nach der Produktion bei der Albumpromotion dabei zu sein.”
    Während der ersten Sessions entstand unter anderem “Leave In Silence”, welches als weiter Single dem Album vorausgeschickt wurde. Dieser schwermütige Popsong offenbarte Martin Gores Talent als Texter. Mit viel Feingefühl bekam das Stück dann im Studio auch das melancholische Gesicht, welches Depeche Mode mit den darin transportierten Stimmungen später unverwechselbar machen wird. “Leave In Silence” zählt ohne Frage zu ihren besten Songs der frühen Achtziger und die Band war bereits bei seinem Entstehungsprozeß von der Qualität des Titels überzeugt. Umso enttäuschter zeigte man sich dann nach dem verhältnismäßig schlechten Abschneiden in den Hitparaden mit einem 18. Platz. Gore meinte: “Wir hatten hohe Erwartungen in diesen Song gesetzt, vielleicht zu hohe.” Mit einer derart düsteren Stimmung, ausgehend von der von ihnen vorzugsweise herablassend behandelten Band, wußten auch viele Musikkritiker nichts anzufangen. Paul Weller vom Melody Maker trieb die negativen Kritiken auf die Spitze, als er schrieb: “Ich habe sogar schon aus Kenny Wheelers Arschloch bessere Melodien kommen hören.” Paul Weller, schon in den Siebzigern mit seiner Band The Jam erfolgreich, hatte für den in England lebenden Jazztrompeter und Komponisten Jahrgang 1930 offenbar ähnlich wenig übrig wie für Depeche Mode.
    Am 2. September 1982 folgte fas zweite Album mit dem treffenden Titel “A Broken Frame”. Etwas unglücklich wirke die Vermischung von oberflächlichen Popnummern und anspruchvollen Songs mit melancholischen Grundzügen. So hätten sich beispielsweise “A Photograph Of You” und “Meaning Of Love” stilistisch durchaus auch auf “Speak & Spell” befinden können, während “Leave In Silence”, “My Secret Garden” und “The Sun & The Rainfall” Zeugnis über die zunehmende Reife Depeche Modes ablegten. Der Hauptgrund für dieses qualitative Gefälle dürfte vor allem die Scheu davor gewesen sein, den Stil schlagartig zu ändern und somit vielleicht das bisherige Publikum zu verlieren. So verschieden die Songs auf “A Broken Frame” ausfielen, so different gestalteten sich auch die Kritiken der Fachpresse. NME zeigte sich erwartungsgemäß begeistert, während der Melody Maker einmal mehr aburteilte: “Die Platte klingt wie knabenhafte Begeisterung, mit der Anonymität verdeckt wird. Die Texte sind zwar von staunendem Vergnügen zu empörter Frustration gereift, aber die resignierenden Worte von “Leave In Silence” sind ebenso wie die glatten Phrasen von “Just Can’t Get Enough” eben doch nur Worte und nichts als Worte.”
    An den Erfolg von “Speak & Spell” konnte dieses Album nicht anknüpfen. Martin Gore blickt zurück und erkennt einen ganz entscheidenden Umstand: “Ich bin überzeugt, daß es uns heute nicht mehr gäbe, wären in das ‘Syndrom des zweiten Albums’ gefallen und nach dem dritten wären wir gefeuert worden.” Die Fans blieben dennoch treu und machten die folgende Tour zu einem soliden Erfolg, wenngleich sich dieser, trotz gefeierter Termine im fernen Osten, nach dem Abklingen einer ersten Euphorie in Europa lediglich bestätigte und kaum vermehrte. Nach der Albumveröffentlichung wurde Alan Wilder vollwertiges Bandmitglied. “Daniel rief mich an”, resümierte er später, “ich glaube, die Band tat sich ebenso schwer darin, Überbringer von guten wie von schlechten Nachrichten zu sein.”
    So wurde Alan bei der Arbeit an “Get The Balance Right” vollzeitig zu Rate gezogen und entfaltete sofort das kreative Potential, was seit seinem Eintreten in die Band auf einen Ausbruch gewartet zu haben schien. Für, “The Great Outdoors!” wirkte er als Co-Songwriter. Dieser Song wurde die experimentelle B-Seite der siebten Single, die am 31. Januar 1983 erschien. Mit einer ersten Notierung auf Rang 32 befriedigte “Get The Balance Right” zwar nicht die Hoffnungen nach dem mittleren Erfolg von “A Broken Frame”, aber Präsenz war nötig und eine Alternative gab es zu diesem Zeitpunkt nicht. Schließlich wurde mit dem 13. Platz doch noch ein respektabler Platz in den britischen Verkaufscharts erzielt und Martin Gores Bemerkung zur Single, die seinen Haß ihr gegenüber bekundete, relativierte sich, zumal bei ihrer Produktion auch noch unbeherrschtes neues Equipment zum Einsatz kam.
    Vor allem Martins Erlebnisse während der Konzerte in Asien und der Kontakt mit bemitleidenswerter Armut nahmen Einfluß auf die Texte seiner neuen Songs für das geplante dritte Album, welche Alans Angaben zufolge in nur zwei Wochen an finaler Form gewonnen haben soll. Neben neuer lyrischer Thematik nahm auch das stilistische Gewand reifere Züge an und dieses wurde mit Gareth Jones als kreativen Produzenten, der sich damals bereits seit mehr als einem Jahrzehnt mit Studiotechnik befasste, um weitere Vielfalt bereichert. Auch wenn er vorher nicht in kommerziell erfolgreiche Projekte involviert war, stellte er sein Studio und sich selbst dieser Herausforderung. Depeche Mode ließen sich von dem bei Jones bald sichtbaren Elan mitreißen und entdecken ihr Liebe zu der neuesten soundtechnischen Errungenschaft, der Sampletechnologie, die vom Musikcomputer Fairlight und Emulator 1-Synthesizer unterstützt wurde. Anders als Kraftwerk, die in ihrer Rolle als Sample-Pioniere bestehende Alltagsgeräusche in die Kompositionen integrierten, machte man sich die Vorgehensweise von heutigen Industrial-Veteranen wie Throbbing Gristle oder SPK zum Vorbild und samplete nicht einfach bestehende Klänge aus der Umwelt. Wie junge Forscher produzierten sie eigenhändig ungewöhnliche Geräusche, deren Herkunft nicht eindeutig war und welche sich anschließend am Computer beliebig verändern ließen. Jones’ Pläne für das sich im Entstehungsprozeß befindliche Album schlossen neben dem häufigen Verlassen hörbar kommerzieller Pop-Pfade auch die Verrohung des Gesamtbildes ein, der im musikalischen Untergrund erblühte Begriff einer Stilrichtung “Industrial” sollte auf das Album mit dem passenden Namen “Construction Time Again” anwendbar sein und jedes Bandmitglied begab sich mit nicht gekanntem Enthusiasmus auf die fieberhafte Suche nach verwendbarem Soundmaterial. Die Einrichtung der Garden Studios im Osten Londons wurde der Verwendung vornehmlich metallischer Klänge angepaßt und zum Teil gefliest. Die geschickte Positionierung der Mikros brachte unnatürliche Hall-Effekte dazu, die die weitere Verarbeitung der auf Rangierbahnhöfen oder Schrottplätzen eingesammelten Klänge unterstützen. Bestes Beispiel für die Einbindung dieser neuen Elemente ist das zu 90 Prozent aus metallischen Samples aufgebaute “Pipeline”. Viele dieser Klänge hatten bereits vor ihrer Verwendung für den Song eine passende Gestalt, weitere Effekte entstanden lediglich durch unterschiedliche Distanzen des Mikros zum Medium bei ihrer Aufnahme und deren anschließende Überlagerung. Martins Gesang wurde unter einer Eisenbahnbrücke aufgenommen, während sich im Hintergrund Stahl auf Stahl bewegte.
    Für den Mix des Albums mietete man die großzügig ausgestatteten und kostengünstigen Hansa-Studios direkt an der Berliner Mauer und begab sich in die Fußstapfen von David Bowie und Iggy Pop, die hier einige ihrer wichtigsten Werke einspielten. Das klaustrophobische und leicht anarchistische Flair der geteilten Stadt schlug sich auf die Gemüter der Engländer nieder, was sich vorerst rein äußerlich durch das häufige Tragen von schwarzer Kleidung bemerkbar machte. Doch auch der freizügige Lebensstil vieler Berliner und nicht bestehende Sperrstunden für Bars und Diskotheken nahmen Einfluß auf ihrer Persönlichkeiten und Arbeitsroutinen. Während für Fletcher, Gore und Wilder fernab ihrer Heimat das exzessive Feiern und Sammeln bisher vergönnter Erfahrungen an erster Stelle stand, gab sich Gahan, der als einziger diese Lebensphase bereits hinter sich hatte, zunehmend erwachsener und manchmal verständnislos gegenüber den nächtlichen Ausschweifungen seiner Kollegen. Wenn Gahan, zurückgelassen im Hotel, seine in England gebliebene Freundin Joanne vermisste, vergnügte sich der sonst eher schüchterne Gore mit seiner neuen Liebe, der Berlinerin Christina, und ließ auch sonst keine Erfahrung unangetastet. Die Reize dieser Stadt schienen eine so anziehende Wirkung auf ihn gehabt zu haben, daß er nur kurze Zeit später England verließ und sich hier sein neues Zuhause einrichtete.
    Am 11. Juli erschien die Vorabsingle “Everything Counts” und diese kann durchaus als Wendepunkt in Depeche Modes Karriere betrachtet werden. Ein aussagekräftiger Text, eine eingängige Melodie und viele neue Elemente mit Sampleursprung präsentierten weitere musikalische Reife und einen zukünftigen Evergreen der Bandgeschichte. Auch der erfolg in Zahlen kam zurück: Mit einem sechsten Platz in England und hervorragender Position in den deutschen Charts bekamen sie endlich wieder eindeutige Resonanzen auf eine Menge Arbeit und Kreativität, die sich in dem neuen Titel hörbar widerspiegelten. Einen guten Monat später erreichte “Construction Time Again” den Plattenhandel und kurz darauf wiederum den sechsten Platz. Die Presse meldete gleichzeitig Anerkennung und Erstaunen über den deutlichen qualitativen Fortschritt.
    Sieben der neun Titel stammen aus Gores Feder. “Two Minute Warning” und “The Landscape Is Changing” schrieb Alan Wilder, der den Chef-Songwriter zuvor auch beim Schreiben der B-Seite von “Everything Counts” unterstütze. So entwickelte sich “Work Hard” zu einem tanzbaren, samplereich arrangierten Song, dessen Text anscheinend auf die hämmernden und hupenden Hintergrundgeräusche zugeschnitten wurde oder anders herum. Wie ein roter Faden zieht sich die Thematik Arbeit / Alltag / Umwelt auch durch das Album und dessen vielen kritischen Textzeilen hatte die Band beinahe zu ‘verdanken’, in die linke Ecke gedrängt zu werden, obwohl sie sich nie in der Nähe irgendeiner politischen Idee sehen wollte. Martin Gore äußerte sich damals zu seinen Lyrics: “Ich verliere meine Illusionen über viele Dinge. Was ich einst großartig fand, ist für mich inzwischen, bedeutungslos. Möglicherweise bin ich aber einfach nur ein sehr pessimistischer Mensch”. Auch die Zufriedenheit über die musikalische Grundidee wurde später nicht mehr vollständig geteilt. Gahan: “Vielleicht haben wir zu viele Samples verwendet, in musikalischer Hinsicht klingt einiges zu aufgesetzt.” Trotzdem gelang es ihnen, ihr bislang facettenreichstes Album auf hohem produktionstechnischem Niveau vorzulegen. “Love In Itself”, die zweite Single, wird vor allem gegen Ende interessant und kompensiert durch viele Details den etwas einfallslosen Refrain, “More Than A Party” donnert gleich einem immer weiter beschleunigenden Schnellzug vorüber, “Pipeline” kommt dagegen mit ruhiger Experimentierfreude. “Two Minute Warning” und “The Lanscape Is Changing” sind schillernde Popsongs, “Told You So” ist ein eingängiges Uptempo-Stock, welches sich auch als Single angeboten hätte und mit der Pop-Ballade “And Then…”, die erstmalig den Einsatz einer Gitarre vernehmen läßt, klingt das Album aus.
    Ingesamt 41 Konzerte folgten, vor allem die Tour durch Deutschland entwickelt sich zum Triumphzug. Hier wurden Depeche Mode dank des Erfolges der beiden letzten Singles schnell zu Superstars und Lieblingen der Musikmagazine mit junger Leserschaft. Pop Rocky arrangierte einen ersten “Startreff” – Gewinn zwischen Band und Leser, nachdem es in einer Überschrift hieß: “Depeche Mode – Die glorreichen Vier”.

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Offline Angelinda

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Re: 2003-2004: Other News
« Reply #3 on: 24 March 2012 - 00:29:38 »
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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 4 auf 12]
Kapitel 4
The Glorious 4 
    Das Jahr 1984 wird sich zum bis dahin ereignisreichsten entwickeln und das Fundament festigen, auf dem sich der zukünftige Erfolg aufbaut. Das wohl wichtigste Element dabei war der Single-Glücksgriff “People Are People”. Kurz nach einer kleinen Tour durch Südeuropa am 12. März erschienen, übertraf der Erfolg des Titels die abenteuerlichsten Träume von Band und Label. Mehr also 500.000 Exemplare gingen allein in Deutschland über die Ladentische und sorgten drei Wochen lang für die Nummer 1 der Verkaufscharts. In England erreichte der Song Platz vier und er verfehlte nur knapp den Einstieg in die amerikanischen Top 10. Mit der Anonymität in Berlin, dessen Hansa-Studios erneut die zweite Heimat Depeche Modes darstellten, war es schlagartig vorbei. Hysterische Fans begleiteten fortan jeder ihrer Ausflüge und die gesamte Republik war imstande, den eingängigen Refrain mitzusingen, nachdem “People Are People” als offizielle Hintergrundmusik bei der Übertragung der Sommerspiele eingesetzt wurde. Die Thematik des Textes paßte, bei der Entstehung nicht einkalkuliert, exakt zur olympischen Grundidee: Die Verständigung und Bleichberechtigung aller Menschen, unabhängig von Rasse, Geschlecht oder Glauben und damit ein Song gegen den Krieg, formuliert von Martin Gore in einem einfachen lyrischen Fluß. Verbunden mit harter Instrumentierung, detailverliebten Sounds und Samplefragmenten im Stile der direkten Vorgänger war dieser Hit zugleich discotauglich und Stoff für nachdenkliche Stunden allein. Die Maxi-Single bot in verschiedenen Auflagen für damalige Verhältnisse irre Remixversionen (“Are People People?”) und mit “In Your Memory” eine von Depeche Modes besseren B-Seiten dieser Zeit. Allein dem dazugehörigen Videoclip könnte man charakterliche Schwäche unterstellen, weniger de Idee dahinter, aber ihrer peinlichen Umsetzung. Zu sehen sind vier milchgesichtige Kerle, die das englische Kriegsschiff HMS Belfast wie ein Instrument benutzen. Doch zwischen ihren Aktionen im Bild und den zu hörenden Geräuschen scheint eine gewisse Diskrepanz zu herrschen. Die Bedeutung von Musikvideos für den Erfolg einer Single war noch minimal und so wurden Depeche Mode der Inbegriff einer modernen Popband, die mit Bergen von Lob, Anerkennung und Fanpost überhäuft wurde.
    Als die Arbeiten am vierten Studioalbum “Some Great Reward” anliefen, gestaltete sich das bandinterne Miteinander rücksichtsvoller und produktiver als je zuvor. Schon im Vorfeld wurde weiter an Konzepten gefeilt, wie sich endlich das von der Press angedichtete Image einer Band für Teenies ablegen lassen könnte. Markantere Züge im Soundbild, das vermehrte Tragen schwarzer Lederkluft oder im Falle des Songschreibers eine provozierende Gratwanderung zwischen augenscheinlicher Tunte und exzentrischem Mädchenschwarm beziehungsweise das zur Schau Stellen unbekleideter Körperteile be vielen Backstage- oder Privatparties, boten sich an. Vorerst erzielte dieser visuelle Wandel nicht die gewünschte Wirkung, anstelle von Respekt folgte der Spott und Gore sexuelle Gesinnung war für viele zeitweilig interessanter als seine Songs. Es verdichteten sich Gerüchte um Homo- beziehungsweise Transsexualität und diese führten bis zu seinem erfundenen Ausstieg, um Mick Jagger bei den Rolling Stones zu ersetzen. Zum Glück wurde in die Aufklärung solcher Unterstellungen weitaus weniger Energie gesteckt als in die Produktion des Albums.
    “People Are People” blieb der einzige klar politisch interpretierbare Song, Gore verarbeitete ansonsten lediglich Erfahrungen aus seiner Berliner Zeit, emotionaler, gesellschaftlicher und sexueller Natur, nachdenklich, zweideutig und gereift: “Siebzig Prozent meiner Texte handeln von körperlicher Liebe. Sex ist für mich alles andere als zweitrangig.” Mit dem Prozeß der peniblen musikalischen Formgebung wollte er indes nur wenig zu tun haben. Wenn Daniel Miller, Gareth Jones, dessen Einfluß als Produzent sich weiter vergrößerte, und Alan Wilder stundenlang an winzigen Details der Songs feilten, langweilte er sich zu Tode. Wilder beschrieb einen Arbeitsabschnitt so: “Wir brauchten ganz sieben Tage für den Mix von ‘Master And Servant’. Wir waren so ins Detail verliebt und verbohrt, daß wir den Song nicht mehr richtig hörten und dann versehentlich die Drums vergessen hatten.” Nach einem Festivalgig mit Elton John, der in einem Gespräch mit Martin Gore bereits erkannt haben soll: “Jungs, ihr habt das Zeug, Pop-Geschichte zu schreiben”, kam “Master And Servant” schließlich Ende August als elfte Single auf den Markt. Ein weiterer Bandklassiker mit unerwarteter Härte und verschleierter S/M-Thematik. Von erneuten Gerüchten und breiter Aufmerksamkeit begleitet knüpfte er mit einem zweiten Platz in Deutschland beziehungsweise neunten Platz im Vereinigten Königreich beinahe nahtlos an den Erfolg des Vorgängers an. “Master And Servant” behandelt die Unterwürfigkeit und Machtlosigkeit vieler Menschen, sei es im Privatleben, am Arbeitsplatz oder unter politischem Zwang.
    Am 24. September, einen guten Monat später, erschien mit “Some Great Reward” ein Glanzstück der elektronischen Musikgeschichte. Neun Songs auf gleichbleibend hohem Niveau, im Rahmen der eigenen Grenzen facettenreich, aufrichtig, melodiös, gesanglich weit fortgeschritten und gänzlich eigenständig, ist es von zeitlosem Anspruch und steriler Schönheit. Neben den auffälligen, wuchtig arrangierten Electrowalzen “Something To Do”, “Stories Of Old”, “If You Want” oder eben “Master And Servant” begeistern die leichteren “Lie To Me” und vor allem “Blasphemous Rumours” mit ihrer Atmosphäre und ganz individuell abgestimmten Details, die sich aufgrund ihrer Dichte und entgegen konventioneller Hörgewohnheiten zum Teil erst nach vielfachem Hören vollständig erschließen ließen. Das von Martin Gore gesungene “Somebody” ist intonierter Liebeskummer, ließ bei vielen Jugendlichen der Achtziger die Tränen fließen und wird noch viele Jahre später die Stadien der Welt in warmes Licht hüllen, wenn Gore steif am Bühnenrand steht, nur den Arm kreisen läßt und Tausende Feuerzeuge und Kerzen im Publikum brennen, wobei jedes seiner Worte mitgesungen wird und die vielen Breaks mit tosendem Beifall gefüllt werden.
    Der Erfolg dieses Albums war vorhersehbar und bestätigte sich mit Top 10-Plazierungen in vielen europäischen Ländern sowie dem Lob der Musikpresse. Die mit 29 Konzerten bisher umfangreichste Tournee schloß sich direkt an und brachte neben grenzenloser Begeisterung auch eine Schocksituation: Während des Konzertes in der Böblinger Sporthalle zündete einer der 6.000 Besucher eine CS-Tränengasbombe, verursachte Panik und damit die Verletzung einiger Fans, deren Zahl in unterschiedlichen Quellen von 3 bis 26 reicht. Das für den nächsten Tag geplante Konzert in Frankfurt mußte daraufhin in die Offenbacher Stadthalle verlegt werden. Die Tagespresse berichtete: “Die Leitung der Alten Oper hatte am Vormittag beschlossen, das ausverkaufte Konzert nicht stattfinden zu lassen. Der Grund: Angst vor ähnlichen Zwischenfällen wie am Abend zuvor in der Sporthalle Böblingen. Dort hatte kurz vor Konzertschluss ein bislang noch Unbekannter eine Tränengasbombe ins Publikum geworfen. […] In der Darstellung der Frankfurter Alten Oper handelte es sich allerdings um ‘Polit-Chaoten’ und eine Giftgasbombe sowie 15 Verletzte.” Wie sich später herausstellte, war der Täter ein ehemaliger Bundeswehrsoldat mit offensichtlich krankem Sinn für Humor, denn er hielt alles für einen Spaß. Dieser Zwischenfall hatte verschärfte Einlaßkontrollen zur Folge, bei denen auch hin und wieder Waffen auftauchten, blieb jedoch einmalig in Depeche Modes Karriere. Die übrigen Konzerte dieser Tour waren, trotz wiederholter Pöbeleien mit einigen mittelschweren körperlichen Übergriffen rechtsextremer Depeche Mode-Hasser, die in den Einlass begehrenden Fans anscheinend politische Feinde sahen oder denen ganz einfach deren auffällige Outfits zuwider waren, sehr erfolgreich.
    Der aufwendig gestaltete Bühnenbau mit vielen optischen Effekten bot ausreichend Platz für den extrovertierten Frontmann Dave Gahan, dessen körperbetonte Performance mit seltsamen Tanzeinlagen später zur Legend avancieren wird und unter der Bezeichnung ‘Dave-Dancing’ als Highlight vieler Fanparties seine zum Teil perfekten Imitatoren auf den Plan ruft. Was unter Fans als äußerst erotische oder zumindest nachahmenswerte Darbietung des Sängers gilt, sah der New Musical Express als einen “kurzhaarigen, frisch aussehenden Wichtelmann, der auf der Bühne herumhopst und die Fans fröhlich zum Mitsingen anregt, während der Rest der Band mit Pokergesichtern auf ihren Synthies herumhackt.” Spätestens 1984 war auch der NME in den allgemeinen Tenor der britischen Presse eingestimmt, was die Band aber kaum noch negativ berührte. Die besten Resonanzen erhielten Depeche Mode inzwischen sowieso aus dem Ausland, vor allem aus Deutschland.
    Nachdem im Herbst mit dem kontroversem, zu Spekulationen und Empörung über einen mißverstandenen, gotteslästernden Gore führenden “Blasphemous Rumours” und mit “Somebody” zwei der überragenden Albumsongs als Doppel-Single ausgekoppelt wurden, bricht die Band erneut zu einer Tour auf, die mit ihren 25 Konzerten auch kleinere europäische Länder berücksichtigt und in Deutschland unter anderem die Berliner Deutschlandhalle oder Essener Gruga-Halle Kopf stehen läßt. Beendet wird das Tour-Jahr in Frankreich, ein Konzert kurz vor Weihnachten im Pariser Omnisport de Bercy, einer Location, die in Depeche Modes späterer Laufbahn noch zu großem Ruhm kommen wird, eingeschlossen.
    Ein Zeitdokument der Tour zu “Some Great Reward” ist das offizielle Kaufvideo “The World We Live In And Live In Hamburg” [Mute 1985], welches trotz blasser Farben und leichter Audio-Nachbereitung die zwei gefeierten Hamburger Konzerte von 1984 annähernd authentisch festhält und ähnlich einer Best-Of Kopplung die Live-Highlights aus vier Jahren gemeinsamen Schaffens vereint. Damit nicht auffiel, daß es sich hierbei um einen Zusammenschnitt handelte, trug die Bands am 9. und 14. Dezember jeweils die selbe Kleidung.
    Auch wenn das folgende Jahr nicht mit einer neuen Albumveröffentlichung aufwarten konnte – 1985 bot sich Depeche Mode die Möglichkeit verstärkter Präsenz außerhalb Europas und festigte vor allem in Japan und den USA ihren jüngst durch “People Are People” gewonnenen Erfolg. Innerhalb einer Stunde war ihre angekündigte Show im Palladium Hollywood ausverkauft und Rochard Blades vom Radiosender K-ROQ aus Los Angeles erinnert sich: “Ihr Durchbruch kam, als sie im Palladium spielten und eine großartige Show gaben. Danach gab es so viel Mundpropaganda, daß sie bei ihrer Rückkehr im Forum zwei, ausverkaufte Konzerte mit jeweils 17.000 Zuhörern hatten, was Duran Duran nicht einmal be einem Konzert schafften.” Radio K-ROQ spielte und spielt in den USA eine große Rolle für Depeche Mode. Seit ihren Anfangstagen genießen sie den Support des Senders und zählen zu den Lieblingsbands der Millionen von Stammhörer. K-ROQ präsentierte als einer der wenigen Sender exklusive Shows, die zur Übertragung freigegeben wurden.
    Im Anschluß an die Konzerte in Nordamerika erschien via Sire Records für die USA die Hit-Compilation “People Are People”, während Depeche Mode als Superstars in Europa mit der nächsten Single “Shake The Disease”, einer schwermütigen Ballade mit ergreifendem Refrain, ein weiteres Mal die Charts (Deutschland: Platz 4) enterten. Es folgten weitere Auftritte, darunter auch ein Festivalgig mit Culture Club, The Cure, Talk Talk und The Clash in Athen vor 80.000 Zuschauern, hauptsächlich von der Regierung gesponsert. Vor den Toren des Stadions gab es Krawalle, weil rund 200 Gäste, wahrscheinlich Fans von The Clash, nicht gewillt waren, den minimalen Eintrittspreis von umgerechnet etwas unter einem Euro zu zahlen, und Gerüchten zufolge soll Dave Gahan auf offener Straße einen Faustschlag ins Gesicht bekommen haben. Trotz dieser unschönen Erfahrung beehrten Depeche Mode noch in diesem Jahr erstmalig ehemalige Ostblock-Staaten, wo sie aufgrund des mehr oder weniger einseitigen kulturellen Angebotes auf extreme Fans stießen und die größten Hallen von Budapest und Warschau füllten. Der totalen Erschöpfung nahe, benötigte die Band nach mehr als 80 Konzerten in acht Monaten dringend eine Pause mit Zeit für Freunde, Familie und Privatleben. Pläne für eine weitere Albumproduktion wurden auf frühestens Spätherbst verschoben.
    Den Gedanken, die Band komplett zu verlassen, mitsichtragend, heiratete Gahan am 4. August 1985 in kleinem Rahmen (Vince Clarke und Alison Moyet sollen sich unter den Gästen befunden haben) und unter komplettem Ausschluß der Öffentlichkeit seine Jugendliebe Joanne Fox, und er hinterließ nicht nur enttäuschte Moskauer, die die Band an diesem Tag live erleben sollten, sondern bricht vielen weiblichen Fans das Herz, nachdem BRAVO als erstes deutsches Magazin diese Nachricht verbreitet: “Ich kenne Jo schon seit mehr als sieben Jahren”, erklärte der Sänger in einem Interview, “seit zweieinhalb Jahren leben wir zusammen und eines morgens wachte ich auf und fragte sie, ob wir nicht heiraten sollten und sie sagte einfach ja.” Er lachte und fuhr fort: “Jo ist die einzige Frau, mit der ich zusammenleben kann. Bei ihr muß ich mich nicht verstellen, nicht dauernd den Star raushängen lassen und kann auch mal ausflippen.”
    Fletcher und seine Freundin Grainne bezogen gemeinsam eine Wohnung in London, welche recht spießig eingerichtet gewesen sein soll, Gore führte indes seinen ausgeprägten neuen Lebensstil ohne geistige Schranken und Rücksicht auf Benimmregeln und besuchte Fletch, seinen nach eigenen Angaben “besten Kumpel zum Ausgehen” regelmäßig, um mit ihm durch die Kneipen zu ziehen. Der unauffällige Wilder verbrachte die Zeit mit seiner Freundin Jeri, mit der er zu diesem Zeitpunkt seit fünf Jahren eine Wohnung in London teilte.
    An ausgiebige Erholung war dennoch kaum zu denken, denn nur wenige Wochen später traf man sich in den Genetic Studios von Martin Rushent zu London, der hier sonst hauptsächlich die Alben von Human League produzierte, und begann die Aufnahmen für die nächste Single “It’s Called A Heart”. Objektiv betrachtet war dies ein recht schwacher Song, aber sehr modern, tanzbar und mit Stilmitteln gefüttert, die noch in den ausklingenden Neunzigern von vielen Synthpop-Combos kopiert wurden. Vor allem die Maxi-Version kam jedoch bei den Fans an und mit “Fly On The Windscreen befand sich ein weiterer Titel auf der Single, der die bedrückende Atmosphäre, mit der das kommende Studioalbum aufwarten wird, ankündigt und zum besten gezählt werden muß, was Depeche Mode in den Achtziger Jahren produzierten. Der Videoclip zu “It’s Called A Heart” zeigt die perfekte gestylte Band und einen Martin Gore in Frauenkleidern und mit Tonnen von Schminke versehen in einem düsteren Maisfeld, verfehlt jedoch die mystische Stimmung einer damals populären Stephen King-Verfilmung ähnlicher Kulisse.
    Auskopplungen der Jahre zuvor vereint Depeche Modes erste Compilation “The Singles 81-85”. 15 Titel an der Zahl, machte dieses Album deutlich, was die Band trotz heftiger Rückschläge, Clarkes Ausstieg und das schwache Abschneiden von “A Broken Frame”, in so kurzer Zeit erreicht hatte. Jede Single wurde erfolgreich, zwar in unterschiedlichen Dimensionen, aber von einer gewissen Kontinuität geprägt, und selbst wenn man anschließend getrennter Wege gegangen wäre, wonach es längere Zeit aussah, hätte man von Depeche Mode bereits mit Sicherheit eines nicht behaupten können: Sie seien eine Eintagsfliege gewesen. “Construction Time Again” und “Some Great Reward” hatten längst die Verkaufszahlen für den LP-Goldstatus von je 250.000 Stück überschritten und auch die Single-Kopplung erreichte Spitzenplätze. Doch Dave Gahan erklärt: “Wenn es je so aussah, als würde die Band sich trennen, dann war das Ende 1985. Ständig gab es Krach zwischen uns und wir konnten uns nicht darüber einigen, wie es nach, “Some Great Reward” weitergehen sollte. Wie wir diese Periode mit heilem Verstand und einer intakten Band überstehen konnten, ist mir noch heute unerklärlich.” Das Hauptproblem bestand darin, musikalisch wieder auf einen gemeinsamen Nenner zu kommen. Dave und Martin wollten eine riskante Neufindung, härtere und düsterere Depeche Mode, hatten aber kaum konkrete Vorstellungen und so tauchte der verstörte Martin Gore für mehrere Tage im norddeutschen Erfde bei der Familie Frenzen, die ihn als Austauschschüler einst beherbergt hatte, ab. Unter deutschen Fans verbreitete sich die Information seiner Anwesenheit schnell und aus der erhofften Erholung wurde bald die Flucht zurück nach England.
    Die Spannungen pflanzten sich fort, nachdem auf Daniel Millers Geheiß die Arbeiten für das nächste Album in einer viermonatigen Dauersession ohne Unterbrechung ablaufen sollten. Ein zeitweiliges Unheil war nicht abzuwenden, doch was Druck und Depression an kreativer Energie freisetzten können, zeigt das kommende Jahr mit einem emotionalen Album in bahnbrechender, elektronischer Perfektion: “Black Celebration”.

[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 5 auf 12]
Kapitel 5
A Question Of Style
    Wie beim letzten Studioalbum “Some Great Reward” begann die Arbeit an “Black Celebration” in London und wurde schließlich in Berlin fortgeführt. Gareth Jones wirkte nun bereits zum dritten Mal als Co-Produzent mit. “Eigentlich wollten wir für die Aufnahmen in ein anderes Studio, doch als Elektronik-Band bauen wir für eine Produktion fast alle Instrumente im Kontrollraum auf und das Hansa-Studio hat einen sehr großen”, berichtet Martin Gore nachdem das Album fertiggestellt war einer Berliner Stadtzeitung. “Wir haben uns zum Beispiel in Paris umgesehen, aber nichts entsprach unseren Vorstellungen und Bedürfnissen. Eines ist aber sicher: Die nächste Produktion findet nicht wieder in Berlin statt. Wir brauchen eine räumliche Veränderung, ich kann kein einziges Mal mehr diesen Fahrstuhl betreten.” Zu ihrem Equipment zählten mittlerweile die besten und teuersten Geräte, die der Markt zu bieten hatte. Neben Synclavier und Fairlight-Computer brachten sie jeden erdenklichen Synthesizer und jedes Effektgerät mit zum Feinschliff nach Berlin. Alan Wilder beschrieb den eingespielten Ablauf bei der Produktion so: “Wie ein Maler, der mit ein paar Pinselstrichen auf der Leinwand beginnt, erstellen wir anfangs eine Soundcollage. Aus diesem akustischen Puzzle wird dann durch Ausdünnen und Verfremden der endgültige Klangteppich herausgearbeitet, auf dem Martin anschließend seine Melodien und Texte entwirft. Daves Stimme kommt dann meistens erst in der letzten Phase eines Songs hinzu.” Diese Methode ist natürlich stark vereinfacht dargestellt und entspricht eher dem für Musiker wie Wilder optimalen Weg. Tatsächlich existieren die Texte häufig schon vorher und Martin Gore hat zumindest eine Vorstellung von der Songmelodie, wie auf Bootlegs aufgetauchte Aufnahmen von Demotapes, die im Studio als Vorlage dienten, beweisen. Pressesprecher Chris Carr hatte auch einen anderen Eindruck vom Studioalltag: “Im Kontrollraum bei Hansa wurde eine Unmenge Haschisch verqualmt, aber ich glaube nicht, daß dies großen Einfluß auf die Aufnahmen hatte. Natürlich herrschte eine besondere Atmosphäre im Studio und vielleicht ist davon auch etwas in die Musik eingeflossen.” Millers Vorschlag einer mehrmonatigen Dauersession schien sich anfangs als besonders produktiv darzustellen. “Vielleicht hat die Band gegen Ende an Klaustrophobie gelitten”, erklärte Carr, “ aber dennoch wollten die Leute das Studio gar nicht mehr verlassen, weil sie so daran gewöhnt waren, zusammen zu plaudern und zu rauchen.”
    Die Aufgaben waren längst nicht mehr so klar verteilt wie bei früheren Produktionen. Dave und Fletch bestanden auf verstärkte Umsetzung ihrer eigenen Ideen und vor allem Alan hat sich in den letzten Jahren mehr als nur Basiswissen eines Produzenten angeeignet und es kam häufiger zu Unstimmigkeiten unter den Bandmitgliedern oder zwischen Band und Produzent Jones. Als weiter verkomplizierend kam hinzu, daß sich der Songschreiber selbst im Unklaren über die weitere Formgebung seiner Songs war. “Nichts klang mehr nach einer typischen Pop-Platte und wir fragten uns, ob wir tatsächlich die richtige Richtung einschlugen, ob das überhaupt etwas war, was Depeche Mode machen sollten. Jeden Tag waren wir zusammen und kamen uns immer häufiger gegenseitig in die Quere”, erinnert sich später Daniel Miller, der bei den Vorgängeralben häufig das Ruder übernahm, inzwischen jedoch der an Erfahrung gereiften Band die wichtigen Entscheidungen überließ. Einem schnellen Fortschreiten den Produktion war dies zunächst alles andere als dienlich, stärkte jedoch das Selbstwertgefühl der Band und mit der Zeit floß viel von der geladenen Atmosphäre des Studios und der tristen Außenwelt vor den Fenstern, an die sich die Berliner Mauer mit ihren Wachtürmen beinahe anlehnte, ein. So manchen grandiosen Einfall bei der Soundfindung hätte es unter normalen Umständen nie gegeben, wie zum Beispiel die Distanzaufnahme von im darunter liegenden Studio fabrizierter Sounds in immenser Lautstärkste. “All das muß den Inhaber des Cafés im Erdgeschoß unglaublich genervt haben”, meint Wilder. “Drei Tage lang hatte er die donnernden Geräusche über seinem Kopf ertragen müssen, etwa so, als fände direkt vor seinem Ohr eine Marschausbildung von Rekruten statt. Gott allein weiß, was er aus Rache in unser Essen getan hat.”
    Neben Kombinationssounds von Stimmen und metallischen Klängen fanden vermehrt Gitarrenklänge Verwendung, die jedoch nicht nur direkt von konventionellen Instrumenten abgesamplet wurden. So brachte das Anschlagen einer Sprungfeder mit entsprechender Nachbereitung scheppernde, gitarrenähnliche Sounds, und Gitarrenverstärker dienten der Modulierung von Klopfgeräuschen, die auf einem Staubsaugerschlauch erzeugt wurden.
    Trotz aller Innovation kam man bald überein, daß ein derartig schleppendes Vorankommen unhaltbar geworden war, wobei Fertigstellungstermine längst überschritten wurden. Der Druck, der längst zum klaustrophobischen Dauerzustand geworden war und zweifelsohne weite Teile des Albums mit beklemmenden Passagen prägte, wurde nochmals verstärkt und mit reichlich Verspätung konnte der Vorbote “Stripped” am 10. Februar 1986 auf die wartende Fangemeinde losgelassen werden. Mit diesem melodiebetonten Song bewegten sich Depeche Mode im musikalischen Niemandsland zwischen schwermütiger, organischer Pop-Ballade und mechanischer Härte mit eindringlichem, kehligem Gesang. Diesen stilistischen Grenzgang entdeckt man auch in vielen ihrer späteren Titel, die Komponenten aus zwei Welten verbinden und nicht selten Depeche Modes packendste, vielleicht sogar beste Momente beschert. Während Bands mit ähnlichen Ursprung entweder nach wie vor federleichten Discosound produzierten oder sich als Rocker zu profilieren versuchten, haben Depeche Mode den schweren Schritt heraus aus dem kommerziellen Einerlei gewagt. Alle ihrer negativen Befürchtungen zerstreuten sich, als die Single drei Wochen später den vierten Rang der deutschen Charts erreichte. Auch der Text kurbelte einmal mehr die Spekulationen über seine Bedeutung an, und da im zugehörigen Video ein Auto mit Vorschlaghämmern bearbeitet wird, kam der Vorwurf der Gewaltverherrlichung dazu. “But Not Tonight”, der zweite Song auf dem verschiedenfarbigen Vinyl (die deutsche Erstauflage war zum Beispiel rot), lehnt sich noch eher an den Stil der Singles aus dem Vorjahr an und wird in den USA, weitgehend unbeachtet, als A-Seite veröffentlicht. Und so war auch der Videoclip zur US-exklusiven Single selbst vielen extremen Fans mit ausgeprägter Sammelleidenschaft fremd und seine weltweite Veröffentlichung auf der DVD-Neuauflage von der Clipkopplung “The Videos 86-98” fast 17 Jahre nach dem Dreh ein verspätetes Großereignis.
    Am 17. März wurde “Black Celebration” an die Plattenläden ausgeliefert und nimmt, am Beispiel der Single, direkten Kurs auf die Spitzenplätze der Hitparaden bis auf Rang zwei. Konträr zu seinem Titel und den davon ausgehenden Stimmungen handelt es nach Angaben des Songwriters nicht von schwarzer Magie, wie zunächst von Musikpresse und Fans gemutmaßt wird: “Es geht eigentlich darum, daß den meisten Menschen die Gründe zur Freude fehlen. Jeden Tag nach der Arbeit gehen sie in die Kneipe und ertränken ihr Sorgen. Sie feiern das Ende eines weiteren schwarzen Tages. Ich finde es tragisch, daß man den Ausgleich oft nur durch trinken finden kann, obwohl das nicht unnatürlich ist. Wir alle machen das schließlich Tag für Tag. Ich bin ein ziemlich pessimistischer Mensch und meine eigene Langeweile wollte ich mit der Musik zum Ausdruck bringen. Wenn man das mit absurden Extremen ausdrücken will, entspricht dies nicht dem wirklichen Leben. Weder das Leben ist extrem, noch wir oder unsere Musik. Also betrachte ich unsere Musik einfach als Liebe, Sex und Trinken gegen die Langeweile des Lebens”. Ob die mehrdeutigen Texte und Titel nun immer richtig beim Publikum angekommen sind oder nicht, Martin Gore schrieb für die Gefühlswelt einer ganzen Jugendgeneration. Man fand sich zusammen und fühlte sich verstanden. Die Musik von Depeche Mode und der Austausch mit Gleichgesinnten brachte und bringt das Gefühl von Geborgenheit, welches der Alltag häufig vermissen läßt. Langsam entstand unter Fans ein dichtes Netzwerk, man entwickelte seine eigene Szene, wenn nicht sogar Randgruppe, und die anhaltende Treue wurde zur unbedingten Selbstverständlichkeit. Es wurde bereits mehrfach versucht, diesem einzigartigen Phänomen, einem Fankult in seiner extremsten Form, auf den Grund zu gehen. Eine umfassende, logische Erklärung dafür gibt es dennoch bis heute nicht und soll auch nur Teilgegenstand dieser Biographie sein.
    Martin Gores Worte über “Black Celebration” beschreiben zum Teil, was die meisten Fans allgemein auch auf sich oder ihre Empfindungen beim Hören von Depeche Modes Musik anwenden könnten: “Ich weiß, daß die Leute in England uns für pessimistisch oder manisch-depressiv halten, so sehen wir uns aber selbst nicht. Wir versuchen nur, Gefühle mit unserer Musik zu vermitteln, Wärme und Realismus. Wir sind der analysiert wird als in typischer Chart-Musik, wo oberflächlich alles besser und schöner dargestellt wird. Wir versuchen, den Massen eine ganz andere Form der Popmusik anzubieten.” Intensiver denn je und abgesehen von einigen Passagen auf den späteren Werken “Songs Of Faith And Devotion” (1993) und “Ultra” (1997) spürt man diese Melancholie oder Traurigkeit nie wieder in diesem Ausmaß. Schon der überdurchschnittlich große Anteil an Balladen, vorrangig von Martin Gore gesungen, ist auffällig. Eine davon ist die nächste Singleauskopplung “A Question Of Lust”. Wenn man einmal “Somebody” als beinahe gleichberechtigten Singletrack auf “Blasphemous Rumours” unberücksichtigt läßt, ist dies die erste Single, die Gore am Mikrofon präsentierte, deren Erfolg an den Vorgängern gemessen indes relativ bescheiden ausfiel. Mit seinem verbittert-romantischen Text, wunderschöner Melodie und kontrastbildender Begleitung durch bizarre Hintergrundgeräusche aus Kreischen und unnatürlichen Percussions bleibt dieser Song ein Ohrwurm, dessen man niemals überdrüssig wird.
    “Sometimes”, “It Doesn’t Matter Two”, “World Full Of Nothing” und “Dressed In Black” sind weitere balladeske  Songs des Albums, häufig mit schwerpunktbildender Pianobegleitung und bis auf “Dressed In Black” von Gore intoniert Gahans Stimme hört man, rauher als früher, beim Titelsong und dem rhythmusorientierten “Fly On The Windscreen”, in seiner perfekten Final Version, dem politikverdrossenen “New Dress” oder der dritten und letzten Single “A Question Of Time”. Diese erschien zum Tourende am 11. August, stieß wieder auf offenere Ohren und brachte ein Novum mit sich: Anton Corbijn als Video-Regisseur.
    Die ausgedehnte Worldtour begann bereits im zweiten Quartal des Jahres mit 13 Konzerten auf den Britischen Inseln und führte mit aufblasbarem Bühnenbild, wirkungsvoll durch fluoreszierende Farben und zusätzliche Monitor-Installationen, erstmals durch die größten Hallen des Königreiches wie der Londoner Wembley-Arena an zwei Abenden hintereinander. Merklich war der zunehmende Anteil an Durchschnittspublikum: Zu gestylten und geschminkten Fans im bandnahen Düsterlook kamen hauptsächlich junge Männer jenseits der erlangten Volljährigkeit, aber vor allem auf dem europäischen Festland auch Fans aus der Metal- und Gothic-Szene, die sich weder der musikalischen Wirkung Depeche Modes noch dem Charisma des Frontmanns entziehen konnten. Mit nicht wenig Erschrecken wurde schon damals die anziehende Wirkung Dave Gahans und seine macht über das Publikum bei Konzerten bemerkt. Jeder Ton, jede Geste fand ein Echo, eine Aufforderung zum Mitsingen oder –klatschen war unnötig, was im Laufe der Jahre in einer Art Massenhypnose gipfeln wird. Chris Carr beschrieb dies so: “Dave hatte das Publikum voll im Griff und wenn er die Leute angestachelt hätte, die Arena mal so richtig auseinanderzunehmen, hätten die das glatt gemacht. Wo ich doch gerade aus Berlin zurückgekommen war, erinnerte mich das an eine Kundgebung in Deutschland… diese Art von Kontrolle über die Menschen.” Selbst Robert Smith von The Cure outete sich bald als Fan: “Ihr innovativer Gebrauch ungewöhnlicher Sounds, ihre oft merkwürdige Mischung von emotionalen Texten mit musikalischer Präzision und ihr unverwechselbares visuelles Image haben sie zu einer ganz speziellen Gruppe gemacht. Eine einzigartige Band.”
    Seit 1986 existiert ein von Band und Label unterschriebenes Paper, welches wenigstens die finanziellen Belange schriftlich festhält und im Todesfall von Daniel Miller die weitere Existenz des mittlerweile riesigen Unternehmens Depeche Modes absichert. Die Konditionen und Verpflichtungen entsprechen weiter der unkomplizierten Abmachung, die einst per Handschlag getroffen wurden: Fifty-fifty bei allen Einnahmen und Ausgaben in England, 70% zugunsten oder zulasten Depeche Modes im Ausland.
    Spätestens jetzt werden auch ihre Tourneen von der wilden Rock’n’Roll-Attitüde begleitet, die schon viele Bands zu Fall brachte und den Sänger in den Neunzigern beinahe zerstören wird. Dave Gahan offenbarte dem Pressesprecher Carr schon lange vorher: “Es gibt gar keine wirklichen Rock’n’Roll-Leute mehr; Typen, die ihren Job tun, weil sie wirklich daran glauben.”
    Für Carr schien er wie besessen von der Idee, das Rockerleben in seiner ursprünglichen Form zu erhalten und das, obwohl er schon bald Gewissensbisse wegen seiner ständigen Seitensprünge bekam. Allabendliche Alkoholexzesse gehörten zum Tourleben wie die routinierten Shows – in den Stunden zuvor, dabei und danach. Eine einzige Riesenparty rollte um die Welt und sieht nur äußerst selten einen nüchternen Martin Gore auf der Bühne. Jeder Roadie wünschte sich, bei einer Tour der Briten zu arbeiten, weil sich längst herumgesprochen hatte, daß da immer die Post abging und die Crew bei Parties nie außen vor bleiben mußte. Und nicht zuletzt für die Fans wurden die Konzerte zu unvergeßlichen Erlebnissen. Auch wenn man annehmen könnte, daß Tiefgründigkeit und Ausgelassenheit einander ausschließen würden, mit Depeche Mode wird dieser Grat zu einem schmalen, sehr schmalen. Vielleicht trifft das Wort “Hingabe” am ehesten dieses Verhältnis, welches durchaus in beide Richtungen wirkt. Diese Liebe ging so weit, daß die Band manche ihrer treuesten Fans für Konzerte in den entlegensten Orten einfliegen ließ, eine beinahe unvorstellbare Tatsache.
    Regelrecht absehbar war hingegen das, was die nächsten Jahre bringen werden: Depeche Mode nähren sich der “Musik für die Massen”.
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Offline Angelinda

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« Reply #4 on: 24 March 2012 - 00:30:46 »
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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 6 auf 12]
Kapitel 6
Mode For The Masses
    Der Titel der folgenden LP sollte “Music For The Masses” – lauten. Martin Gore hatte diesen Einfall, nachdem er in der Auslage eines Plattenladens billige Heimatmusik mit dem Sticker “Music For The Millions” entdeckte und dies gleichzeitig übel und großartig fand. Zum Namen des siebten Depeche Mode-Albums sagte er 1987: “Dieser Titel ist übrigens ironisch gemeint. Wir empfinden unsere Musik absolut nicht als massentauglich, auch wenn sie in manchen Ländern wie zum Beispiel Deutschland tatsächlich viele Menschen anzusprechen scheint. Wir standen auf ihn, weil neben Ironie auch noch Arroganz drinsteckt. Es ist ein echter Witz, denn tatsächlich kaufen nur unsere Fans die Platten.” Zu diesem Zeitpunkt wußte der Songwriter noch dicht, daß er mit diesem Titel auch gleich noch die Zukunft voraussagte und sich seine Band ein Jahr später in der ersten Liga neben den Stones und Springsteen wiederfinden würde. Die Fanschar vervielfachte sich, doch Mainstream wurde Depeche Mode nie. Bis in die Gegenwart zeigen ihr Veröffentlichungen, mit wenigen Ausnahmen, ein ganz eigenes Verhalten in den Verkaufscharts: Sofort nach Verkaufsbeginn wandern ihre Singles oder Alben in mehreren Formaten in die Regale der Fans, was eine erste, hohe Platzierung zur Folge hat. In den Wochen danach stürzen sie rasant ab und spätestens nach fünf Wochen sind sie komplett verschwunden, meistens noch bevor chartorienterte Radiostationen darauf aufmerksam wurden. Daraus erklärt sich auch der Fakt, daß die Spitzenpositionen ihrer Singles in den Verkaufscharts häufig 20 und mehr Plätze höher lagen als in den Airplaycharts.
    Für die Produktion des neuen Albums wurden vorerst gänzlich neue Voraussetzungen geschaffen. Ziel war es, den Sound organischer zu gestalten, und dafür mußten ein neuer Produzent und eine neue Umgebung her. Weder Gareth Jones noch Daniel Miller nahmen an den Aufnahmen teil, statt dessen schlüpfte Alan Wilder vollständig in die Produzentenrolle und Dave Bascombe, vorher als Produzent und Mixer für Tears For Fears und Peter Gabriel tätig, stand an seiner – Seite. “Ich glaube, wir hatten zu diesem Zeitpunkt unser Kontingent an metallischen Sounds aufgebraucht. Es gibt nur eine begrenzte Anzahl von Möglichkeiten, mit einem Hammer auf Metallrohre zu hauen”, übertrieb Wilder damals, nachdem die Vorproduktion des neuen Materials in seinem Homestudio in London abgeschlossen war. Anschließend begab man sich vorerst wieder in das angestammte Londoner Studio, später in das Pariser Guillaume-Tell-Studio und verfiel wieder in eine Routine: Tagelang war die Band unterwegs in der Stadt, um neue Sounds einzusammeln. Neben dem Zischen eines Feuerlöschers, verschiedenen Trommelsounds und dem Geräusch, welches eine hydraulische Bustür beim Schließen verursacht, wurde auch der bloße Luftzug in einem alten Akkordeon gesamplet und im letzten Fall für “I Want You Now” verwendet. “Für jede Melodie mußten wir den richtigen Sound finden, das war ein ziemlich aufwendiger Vorgang”, erklärte Bascombe. “Jeden Sound überlagerten wir mit fünf oder sechs anderen und schufen dadurch diese jenseitigen Klänge, die dem Hörer das Gefühl gaben, etwas ganz Besonderes im Ohr zu – haben. Auch die Rhythmen mußten haargenau sitzen und vor der Erfindung der Drum-Loops war dies eine sehr mühselige, langwierige Arbeit.”
    “Strangelove” war einer der ersten fertigen Songs und kam am 13. April 1987, ein halbes Jahr vor Albumveröffentlichung, heraus. Vor allem in Deutschland entwickelte er sich zum Superhit (Rang 2), wurde von der Band dann aber doch für unzureichend gut befunden und für das Album noch einmal neu gemixt. Als Videoregisseur wählte man erneut den Holländer Anton Corbijn, der nach seiner glänzenden Regiearbeit für “A Question Of Time” das zweite Mal für Depeche Mode drehte und einen auffällig erotischen, leicht humorigen Film in Schwarzweiß drehte. Auffällig war auch die B-Seite der Single: “Pimpf”. Gänzlich untypisch im Vergleich zu allen Songs, die jemals unter ihren Fittichen entstanden, war “Pimpf” ein klassisch arrangiertes Instrumentalstück, das sich von leisen Pianoklängen über schwere Orgeltöne und tiefen Chorgesang zu einem vielschichtigen, orchestralen Höhepunkt schaukelt. Als Intro der kommenden Tour jagte es, bedrohlich und ohrenbetäubend in der Dunkelheit, eisige Schauer über die Rücken der Fans. Die Inspiration zu “Pimpf” soll Martin Gore bekommen haben, nachdem er Hitlers “Mein Kampf”, in dem die Rede von 10- bis 14jährigen HJ-Jungen im Dritten Reich, den “Pimpfen” ist, las und in eine Art depressiven Zustand fiel.
    Auch andere Songs auf “Music For The Masses” verfügen über Orchestersounds, was sich sofort auf die Dynamik des Albums niederschlug, jedem Song eine individuelle Note gab und die Anfluge von Monotonie der letzten Alben, die nicht auffällig negativ, aber präsent war, ausschloß. An oberster Stelle stand dabei das hymnische “Never Let Me Down Again”, - vielleicht der beste Song ihrer ersten Dekade und die zweite Single aus dem Album. Ein prägnanter Drumsound, Gitarre, Streicher und Blechbasinstrumente, jeweils mehrmals überlagert und mit variierender Intensität, dazu grandioser Text und Gesang sowie ein Refrain, der Gänsehaut erzeugt. “Never Let Me Down Again” war zumindest das damalige Albumhighlight, wie auch der Chefmixer meinte: “Das war der Track, der mir am besten gefiel, ich liebte ihn einfach. Als Rhythmusgrundlage nahmen wir einen Song von Led Zeppelin mit fantastischen Drumsound. Martin fügte noch Gitarre zum Backing-Track hinzu, um dem Song eine reichere Klangfülle zu geben. Danach haben wir den Gitarrensound mit einer Menge anderer Effekte noch stark verfremdet und weitere Klänge hinzugefügt, zuletzt alles umstrukturiert, um den Refrain herauszuheben und den Track dadurch wunderbar geöffnet.” Martin Gore gestand in einem späteren Interview, daß sich das Thema dieses Songs weder um Macht in schwulen Beziehungen noch um eine augenscheinliche Reiseberichterstattung dreht sondern die Flucht vor der Realität mittels Drogen, ein zeitweiliges Hochgefühl und das böse Erwachen danach beschreibt. In Deutschland verfehlte “Never Let Me Down Again” nur knapp den Spitzenplatz der Singlecharts. Im bedrückenden Videoclip gelang Corbijn die stimmungsnahe Umsetzung des Songs, und die Bewegungen, die ungebrochen und unaufgefordert bei Konzerten von den Fans mit ihren Armen imitiert. Ein imposantes Schauspiel und zuletzt Höhepunkt der Konzerte zur “Exciter-Tour” 2001.
    Für das Final Mixing wählte die Band die Puk-Studios in abgelegener ländlicher Gegend Dänemarks. Im nahem Dörfchen Gjerlev gab es nur einen Supermarkt und eine Kneipe und bis zur nächsten größeren Stadt waren es rund 45 Kilometer. Optimale Voraussetzungen für die sonst übertrieben ausgehfreudige Band, denn vieles, was irgendwie von der Arbeit ablenken konnte, war nur schwer zu erreichen- mit Ausnahme von netten Mädchen, die man gern einlud. Zur Ausstattung des Studios zählten unter anderem ein über sechs Meter breites Mischpult mit unverzichtbaren 56 Kanälen, das wichtigste Sampling-Utensil Synclavier und ein Freizeitraum mit Tischtennisplatte, die vor allem von Andy Fletcher mit Begeisterung genutzt wurde. Fletch hatte sowieso nur noch wenig Einfluß auf die reine Albumproduktion. Zu Unrecht wird ihm jedoch immer wieder gern die Rolle von Martin Gores Unterhalter oder Sprachrohr angedichtet, denn tatsächlich sind seine Kritiken zu fast vollendeten Songs stets von großem Wert gewesen. Er betrachtete das Material weniger als Musiker, sondern als Konsument und deshalb galt, daß, was ihm nicht gefällt, wahrscheinlich auch bei Fans keinen Anklang finden würde. So läuft es bis heute und er scheint sich nur selten getäuscht zu haben.
    Im Sommer ist “Music For The Masses” pressfertig, doch im Nachhinein befriedigte es nicht vollständig die Ansprüche der Band, mit Ausnahme des Sängers. Eines ist auf dem Album gelungen: Der Sound ist vielschichtiger, dynamischer und wärmer geworden. Der klassische Aufbau eines Rocksongs mit Strophen und Refrains sowie eine langsame Steigerung der Songenergie (bestes Beispiel “Behind The Wheel”) ziehen sich durch jeden Song, aber das Experiment blieb oft auf der Strecke. Der Hauptgrund dafür ist in der Anlehnung an Gores Demos zu suchen, die sich gerade für dieses Album in einem fortgeschrittenen Stadium befanden und nur wenige Angriffsflächen für riskante Arrangements boten. Dies hat zwar die Arbeit insgesamt erleichtert, zukünftig sollten die Vorlagen jedoch wieder einfacher gehalten werden, darin war man sich einig. Einen weiteren Grund suchte Alan Wilder in seinem Toningenieur: “Dave Bascombe war für uns vielleicht doch nicht so unternehmungsfreudig, wie wir ihn brauchten. Er ist ein prima Kerl und hat gut und professionell gearbeitet, aber er ist eben nicht impulsiv genug, um den Album seinen urpersönlichen Stempel aufzudrücken.” Für vollständig zufriedenstellend erachtete die Band jedoch Coverartwork und LP-Booklet. Diesen lag eine simple Idee mit großer Wirkung zugrunde: Orangefarbene Lautsprecher, abgelichtet in verschiedenen natürlichen Landschaften, waren nicht nur farblich ein scharfer Kontrast zwischen Technik und Natur, sondern auch passend zum Albumtitel und ansatzweise auch repräsentativ für den Stil der LP. Sowohl im nächsten Stagedesign wie in den drei ersten Videoclips zum Album tauchten die Lautsprecher als Symbol immer wieder auf. Zehn Titel umfaßt “Music For The Masses2, welches am 28. September 1987 erschien, die Top 10 in Großbritannien – erreichte und in Deutschland, mit der inzwischen weltweit höchsten Dichte an Fans, bis auf Platz 2 kletterte. Neben dem bekannten “Pimpf” und den zwei Vorabsingles ragten vor allem die eiskalten, scheinbar emotionslosen Songs “Behind The Wheel” und “To Have And To Hold” heraus, während “The Things You Said”, “I Want You Now” und “Little 15” samtweiche Kontraste schafften. Mit “Sacred” und “Nothing” fanden sich zwei Uptempo-Nummern, die nicht unbedingt zu den brillantesten der bisherigen Bandgeschichte zählen, aber live sehr gut funktionierten, und zumindest der Text zu “Sacred” wird herrlich schwarz-humorig, wenn man ihr richtig interpretiert. “Eine Menge Themen kommen wiederholt in meinen Songs vor”, erklärte ihr Schreiber. “Eines davon ist die Desillusion oder der Mangel an Befriedigung. Viele Texte handeln von der Such nach Unschuld. Meine Theorie ist, daß man den Höhepunkt des Glücklichseins nur in jungen Jahren erreichen kann. Je älter und erfahrener man wird, desto abgeschliffener werden die Kanten des Liebens.”
    Kurz nach der Geburt von David Gahans Sohn Jack ließ er diesen und seine Mutter Joanne auch schon wieder allein zurück, als die bislang ausgedehnteste Tour am 22. Oktober in Madrid begann. Nach Europa mit acht Konzerten in Deutschland folgte der erste Teil einer US-Tour, wo bereits mehr als eine halbe Million Einheiten der aktuellen LP abgesetzt wurden. Auf eine kurze Erholungspause um Weihnachten und die Single “Behind The Wheel” mit der ähnlich gestalteten Bobby Troup-Coverversion von “Route 66” auf der Rückseite folgten weitere Shows in England, wo Depeche Mode trotz allen Ruhmes auf der ganzen Welt noch immer nicht ernstgenommen, ja regelrecht abgeurteilt wurden: “Dave Gahan liefert uns diesen Essex-Sex-Akt”, schrieb der New Musical Express. “Wir können nur staunen über, seine restlos überzeugenden Beckenstöße mit dem dazugehörigen, permanent erigierten Mikrofonständer. Wir bewundern seine Beherrschung der Posen Freddy Mercurys und sind entsetzt über seine Tanzerei – eine Mischung aus den Zuckungen einer arthritischen Legebatteriehenne, einer Stripperin aus drittklassigen Filmen und Mick Jaggers Großmutter – die wohl die zweitschlechteste Tanzroutine auf Erden ist.” Dafür müssen Außenstehende kein Verständnis haben, denn Fakt ist, daß der Frontmann mit seiner Show nicht ausschließlich weibliche Fans an den Rand des Wahnsinns treibt. Warum also sollte er sich einschränken? Der Melody Maker urteilte kritisch, aber konstruktiv: “Selbst bei fröhlichen Songs wie ‘Just Can’t Get Enough’ klingt Gahans Stimme, als sei sie in eine nasse, graue Wolldecke eingewickelt und dann mit Kissen verprügelt worden. Gore erscheint wie der arische Playboy der Gruppe und irgend etwas nervt einen bei Depeche Modes Version von Sexualität. Gore und Gahan sehen unnatürlich jugendlich aus, als wären sie nach dem Katalog eines Fetischisten erschaffen”. Die deutsche Presse erkannte Unterschiede, blieb aber wohlgesonnen. In der BRAVO hieß es: “Die Tage der freundlich harmlosen Synthipop-Gruppe sind vorbei. Die Jungs machen jetzt Ernst, der stellenweise einen bitteren Nachgeschmack hinterläßt. ‘Pimpf’ besteht aus dumpf und überlaut dröhnenden Paukenschlägen und brüllendem Orgelsound, der so traurig durch den stockfinsteren Saal weht wie eine Totenmesse. […] Dave allein ist ganz der Alte geblieben. In hautengem schwarzen Leder bringt er die Fans innerhalb weniger Sekunden zum ersten Mal zum Kreischen. Der Frontmann wackelt mit Hintern und Hüften, malt die Fans immer wieder zum Mitklatschen.”
    Doch spätestens nachdem Depeche Mode im Hochsommer 1988 nach dem zweiten Teil der Amerika-Tour auf die Insel zurückgekehrt waren, muß sich auch die britische Presse korrigieren. Ihr Landsmänner hatten einen triumphalen Zug über die andere Seite des Atlantiks absolviert, der seinen Höhepunkt im Rose Bowl Stadion von Pasadena / Kalifornien fand und einen Eintrag ins Guinness Buch der Rekorde mit sich brachte. Keine Band zuvor hatte alleine dieses Stadion restlos zu füllen vermocht. Rund 70.000 Gäste waren anwesend und das ohne große Ankündigungen. Dazu später mehr.
    Vorher, am 7. März, gaben Depeche Mode ihr erstes Konzert in Ostdeutschland. Gleich einer Flutwelle verbreitete sich die Nachricht über dieses Ereignis in der Werner-Sellenbinder-Halle im Osten der geteilten Hauptstadt. Man muß bedenken, daß die Fangemeinde von Depeche Mode nach der staatlichen FDJ die zweitgrößte organisierte Gruppe von Jugendlichen darstellte. Was heute in Form von großen Veranstaltungen als “Depeche Mode Party” regelmäßig in beinahe jeder Stadt stattfindet, gab es hier bereits Mitte der Achtziger in kleinerem Rahmen. Offiziell konnten keine Tonträger der Engländer gekauft werden, mit Ausnahme einer DDR-exklusiven Best Of-Kopplung, die für kurze Zeit nur durch Beziehungen und unter dem Ladentisch zu erwerben war. Also wurde zu selbst zusammengeschnittener Musik auf Kassetten in schauderlicher Qualität getanzt, einen ganzen Abend lang und ausschließlich zu Depeche Mode. Das Entsetzten war groß, als von der Regierung bekanntgegeben wurde, daß nur ausgewählte Gäste Karten für dieses Konzert bekommen würden. Ausgewählt war zum Beispiel der Vorsitzende des “Freundschaftsrates” einer jeden Oberschule, egal ob Fan oder nicht. Diese Ungerechtigkeit mobilisierte Tausende Fans, zum großen Teil mit blonder Lockenpracht oder schwarzem Bürstenhaarschnitt und in selbst genähte Kleidung gehüllt, die sich auf den Weg nach Berlin machten, um wenigstens in der Nähe ihrer Idole zu sein. Diese beispiellose Vergötterung von Depeche Mode, ein Ausrichten des gesamten Lebensstils an dieser Band, war jenseits des eisernen Vorhangs kein Einzelfall, wie Dave zu dieser Zeit feststellte: “In Ungarn gibt es tatsächlich Fangruppen, die sich ‘Depeches’ nennen! Unser Hotel war buchstäblich von Hunderten Depeches  umlagert und jeder von ihnen sah so aus wie einer von uns. In den Ostblockstaaten sind wir wirklich ganz groß. Sogar in der Sowjetunion wurde eine Umfrage auf den Straßen gemacht, welchen Film von einer Rockband die Leute am liebsten sehen würden. An erster Stelle kamen die Beatles, dann The Police und Depeche Mode.”
    Nicht annähernd so extrem aber dafür zahlreich tauchten die Fans bei der an Asien anschließenden Tourfortsetzung in Amerika auf. In diesem Jahr spielte die Band vor 450.000 zahlenden Amerikanern, wie der 1987 eingestellte, erste externe Tour-Buchhalter Jonathan Kessler ausrechnete, da kann man sich schon mal etwas Größenwahnsinn leisten und für das 101. und gleichzeitig letzte “Concert For The Masses” die gigantische Rose Bowl Arena buchen. Man wollte sich selbst und den Kritiken beweisen, daß man nun zur musikalischen Elite gehörte. Die Bestätigung kam umgehend nach Vorverkaufsbeginn: “Sold out”.
    OMD begleiteten diese US-Tour, die europäischen Anheizer waren Front 242 aus Belgien und Nitzer Ebb aus England. Jede dieser Bands profitierte davon. Front 242 und Nitzer Ebb aus dem elektronischen Untergrund etablierten sich daraufhin neben den  Kanadiern Skinny Puppy und The Klinik aus Belgien als die ersten festen Größen in der harten EBM-Szene und darüber hinaus. OMD gewannen viele neue Fans, die über ihr Verlustgeschäft als Vorband hinwegtrösten konnten. Der Sänger Andy McCluskey berichtete: “Wir verdienten pro Abend 5000 Dollar und verloren ein Vermögen wegen unserer viel höheren Kosten. Ich glaube, zum Tourende schuldeten wir der Plattenfirma mehr als eine Million Pfund und die verdiente an jedem Abend genug, um sich zur Ruhe zu setzen.” Ihren Spaß hatten OMD allemal, sei es beim Cricket gegen Depeche Mode oder bei den Aftershowparties: “Die Parties auf der Tour wollten nicht abreißen”, bestätigte McCluskey. “Es war direkt komisch, denn wir waren ja zwei Bands, die damals den Ruf hatten, absolut sauber zu sein, und dann benahmen wir uns alle wie die Tiere.”
    Diese Seite des Tourlebens, mit Alkohol und Kokain, sparte D. A. Pennebaker in seinem Konzertfilm “101” aus, wie so manch Negatives, was mit einer langen Tour einhergeht, etwa Spannungen im Bandgefüge, die in einer Schlägerei zwischen Fletcher und Wilder mündeten. Pennebaker und sein Kamerateam begleiteten Depeche Mode und eine Gruppe von Fans, die vorher aus einem Tanzwettbewerb als Sieger hervorgingen und eine Busreise zu verschiedenen Konzerten ihrer Stars gewannen, durch die USA. Anders als üblich, sollte “101” keine Dokumentation werden, die mit gestellten Szenen die Künstler weiter zu profilieren versucht, sondern das reale Leben der Musiker aus seiner Sicht darstellen. Auflagen hatte er keine und so filmte Pennebaker 150 Stunden Rohmaterial ohne Drehbuch und ohne die Band vorher gekannt zu haben. Der Vorteil dabei war, daß er die Band nur aus dem Auge der Kamera kennenlernte und sie deshalb nur so zeigen konnte, wie sie sich gab, und häufig witzige Situationen festhielt, die sich spontan ergaben. Nachteilig war, daß er zu wenig über die Band und ihre Anhänger wußte und deshalb viele Schwerpunkte ungünstig setzte. Kaum ein Fan von Depeche Mode wird großes Interesse für das minutenlange Treiben anderer Fans im Bus aufbringen, schließlich kennt man dies zur Genüge aus eigenen Erfahrungen, und daß das Bier mal knapp wird und der Nachschub dann leicht übermütig in der Tankstelle aus dem Kühlschrank gerissen wird, wobei auch Flaschen zu Bruch gehen können, ist wirklich kaum aufregend. “Ich hätte gern auf diese Fans im Bus verzichten können, aber vielleicht hat mir das etwas über unsere Anhänger gezeigt”, erklärt Alan Wilder, dessen größte Sprechrolle im Film darin besteht, die Funktion seines Synthesizers anzudeuten. Nicht selten sind die Szenen zu langatmig, um selbst den interessierten Zuschauer tatsächlich fesseln zu können.
    “101” sollte vorerst in ausgewählten Kinos laufen. Der vorangegangene Mißerfolg von “Rattle And Hum”, ein weitaus aufwendiger gemachter Musikfilm von U2, verhieß jedoch kaum Gutes für das Unternehmen der elektronischen Konkurrenz und letztendlich wurde der Film nur bei einigen Pressevorführungen öffentlich gezeigt. Als Kaufvideo war “101” schließlich für jedermann erhältlich und in den Augen der Massen eher schlecht als recht geraten. Daniel Miller, beim Konzert in Pasadena anwesend, erwies sich beinahe als besserer Beobachter als er erklärt: “Ich hatte sehr gemischte Gefühle beim Konzert, es war beängstigend, wenn man dort rund 70.000 Leute sieht, die alle dasselbe tun. Dann war es – wiederum erleichternd, zu erleben, wie die Jungs die Situation meisterten, eigentlich entgegen allen Erwartungen. Damit haben sie vielen Leuten bewiesen, wie sehr diese sich geirrt hatten. Aus dem Nichts kommend, in sieben Jahren so etwas zu erreichen, das war schon erstaunlich.”
    Im Tourtrubel ging die vierte und letzte Single “Little 15” gänzlich unter. Depeche Modes Balladen haben als Auskopplung sowieso schlechtere Karten und deshalb war die bescheidenste Chartnotierung seit Jahren kein Rückstoß für die erfolgsberauschte Band. Auch Martin Gores ruhige Solo-Platte “Counterfeit E.P.” mit Coverversionen von vielen seiner Lieblingssongs, unter anderem von den Sparks oder Tuxedomoon, fand ein Jahr später nur wenig Beachtung, wenngleich sie viele tolle Moment bietet und sich Gores glasklare Falsettstimme auch über sechs Titel am Stück herrlich genießen läßt.
    Alles andere als unbeachtet blieb dagegen der fast komplette Livemitschnitt des Konzertes in der Rose Bowl, der als reiner Tonträger ebenfalls unter dem Titel “101” am 13. März 1989 erschien, begleitet von der Single “Everything Counts”, die sechs Jahre nach Erstveröffentlichung ihre Reinkarnation erlebte. Der Videoclip zur Single wirkt wie eine Zusammenfassung des Konzertfilms und darin wird auch der finanzielle Aspekt einer Tour angeschnitten. Tatsächlich finanzieren Merchandising-Produkte wie T-Shirts eine Tournee dieser Größenordnung und dabei wechseln an einem Abend wie diesen schon mal Millionenbeträge die Besitzer. Allein der Verkauf der Tickets für dieses eine Konzert brachte einen Bruttoumsatz von 1.360.192 Dollar und 50 Cent, hört man den Buchhalter Kessler sinngemäß sagen. Das Live-Album “101” erreichte in England mit Platz 7 eine höher Notierung als sein vorangegangenes Studioalbum, eine ähnliche Kuriosität wird man in der Musikwelt kaum finden. Die Rechnung ging auf und als Weltstars kehren die Mitglieder von Depeche Mode in ihre Heimat zurück. Martin Gore sinnierte: “Sicher ist, daß dieses Doppelalbum das Ende einer Ära, das Ende eines Jahrzehnts, markierte. Wir hatten 1980 angefangen, ‘101’ kam 1989 heraus und unser nächstes Material wird es nicht vor 1990 geben – sollten wir ins nächste Jahrzehnt kommen.”
    Doch da täuschte er sich gewaltig. Schon im August folgte die 23. Single “Personal Jesus” mit einem Paukenschlag und kündigte die – weitere Präsenz von Depeche Mode im nächsten Jahrzehnt an – und so viel sei bereits vorweggenommen: Ihren Zenit hatten sie noch nicht erreicht.

[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 7 auf 12]
Kapitel 7
World Violation
    Alle Befürchtungen, Depeche Mode würden sich nach all dem Tourstreß für länger Zeit zur Erholung zurückziehen oder wären gar dem Erfolgsdruck nicht mehr gewachsen und trennten sich, zerschlugen sich also bereits im Spätsommer 1989. Groß angekündigt wurde “Personal Jesus” im Vorfeld kaum, aber trotzdem scheint es merkwürdig, daß die Amerikaner mehrere Monate brauchten, diesen Titel in die Billboard-Charts zu kaufen, während in England schon das vor der Single veröffentlichte 12”-Vinyl ungeplante, wie die Band erklärte, einschlug – ein deutliches Zeichen für andere Strukturen in der Fanbasis. Der Erfolg Übersee kam spät aber gewaltig: Bis heute bleibt dies ihre Single, die in den Staaten mit weit mehr als einer Million Kopien den größten Absatz fand und die die meisterverkaufte in der Geschichte des Warner-Konzerns darstellt. Dabei hätte niemand so früh mit einer neuen Veröffentlichung gerechnet und schon gar nicht in dieser Form. Ob nun eine großes Stück amerikanischer Musiktradition oder einfach nur das Wirken des neuen Produzenten Flood auf seine Gestalt Einfluß genommen hat oder nicht, sei einmal dahingestellt, sicher ist jedoch, daß “Personal Jesus” den ersten DM-Song mit unüberhörbaren Zitaten aus konventioneller Rockmusik und Rhythm & Blues darstellte. So hatte er mit seinem energischen Gitarrenriff und rhythmisch hämmernden, schallenden Drums nur noch wenig mit den jüngsten Hits aus Martin Gores Feder gemein, blieb dank Dave Gahans markanten Gesangstils aber trotzdem so typisch für Depeche Mode, daß Fans und Kritiker gleichermaßen in begeistertes Staunen versetzt wurden. Und beinahe vorhersehbar, erregten sich vielerorts die Gemüter erneut, sobald ein genauerer Blick auf Gores Lyrics gerichtet wurde. Wieder mehrten sich die Vorwürfe, der Songschreiber würde in seinem Text gotteslästernd argumentieren, und als ihn die Promotionplakate mit einer nackten Frau im Arm zeigten und der bereits entschärfte Clip die Band im Western-Stil bei einem Bordellbesuch in der Wüste darstellte, war der nächste kleine Skandal perfekt. Über die wahren Hintergründe des Textes hat Gore später zwar gern Auskunft gegeben, doch reichten seine Erklärungen von der Aufforderung, das Schicksal nicht dem Zufall zu überlassen und eigene Gedanken über Glaube und Leben in den Mittelpunkt zu stellen über die Kritik an amerikanischen Fernsehpredigern bis hin zur Inspiration durch ein Buch von Priscilla Presley, die ihren verstorbenen Mann beinahe als gottgleichen Mentor darstellte. “Personal Jesus” wurde weltweit zu einem ihrer größten Hits. Auch die zahlreichen Remixversionen auf den verschiedenen Maxi-Formaten gehören zu den anspruchvollsten und vielseitigsten, die je von einem ihrer Songs veröffentlicht wurden. Darüber hinaus beweist die B-Seite “Dangerous”, wie so manch andere des kommenden Jahres auch, selbst absolute Singlequalitäten. Fast möchte man der Band ein inflationäres Umgehen mit der Wahl ihrer weitern B-Seitentitel auf den Auskopplungen zu dieser Zeit vorwerfen, denn ohne Ausnahme hätte fast jeder von diesen insgesamt sechs zumindest den Platz auf dem folgenden Album verdient anstelle der zwangsläufigen Eigenschaft eines Artikels zweiter Wahl. Vielleicht haben Depeche Mode dies auch erkannt, denn Tatsache ist, daß ein ähnlicher ‘Fehler’ nie wieder begangen wurde.
    Trotz Alan Wilders Bedenken sollte Dave Bascombe anfangs wieder bei der Produktion von “Violator”, dem kommenden Album, hinter den Reglern arbeiten. Bascombe war jedoch Mitte 1989 vollständig ausgelastet mit der Produktion des Albums “Sowing The Seeds Of Love” von Tears For Fears. Also schlug Daniel Miller den Produzenten Mark Ellis, besser bekannt als “Flood” für seine Arbeiten mit beispielsweise U2, Nick Cave oder Cabaret Voltaire, vor. Auf eine Vorproduktion von Gores jetzt sehr simpel gehaltenen Demos wurde verzichtet und man quartierte sich drei Wochen im World Wide Programming Room von Mute ein, bevor es für die weitere Arbeit in das Logic-Studio nach Mailand ging. “Ich glaube, wir verbrachten sechs Wochen dort”, erinnerte sich Flood. “Der Plan war: Harte Arbeit und wilde Parties. Das war für alle eine tolle Zeit. Zwar brachten wir nicht viel zustande, außer was den Song ‘Personal Jesus’ betrifft, doch die Hauptsache war, daß wir den Stil des Albums gefunden hatten.” Und dies lief mittels regelrechter Jam-Sessions. Es wurde gar nicht erst versucht, möglichst vielen Titeln eine finale Gestalt zu geben sondern vielmehr aus dem Experiment ein neuer Gesamtsound kristallisiert. Dies Möglichkeit bot sich bei den Aufnahmen von “Music For The Masses” kaum, doch wie geplant waren die Demotracks so spärlich arrangiert, daß ein Song noch in jede erdenkliche Richtung hätte entwickelt werden können oder seine Gestalt sich bis zur Albumversion mehrmals veränderte. “Enjoy The Silence” beispielsweise war vorerst eine zarte Ballade und erst auf Wilders Drängen hin wurde sie die flotte Tanznummer, wie man die Single heute kennt. Dave Gahan berichtete in einem Interview 1990: “’Violator’ ist wahrscheinlich das erste Album, für das wir uns alle gemeinsam mehr als je zuvor im Studio bemüht haben. Es war ein gemeinsames Projekt der Band und ich denke, es ist unser erstes Album, auf dem jeder Song sehr gut ist. Jedes Stück hat eine andere Atmosphäre. Ich fühlte mich engagierter als je zuvor – sowohl mit meinem Gesang wie mit meinem Willen, alles so gut wie möglich hinzukriegen. Die Arbeit am Album war sicher nicht einfach, aber eine schöne persönliche Erfahrung. Auch war die Produktion ein sehr langwieriger Prozeß, mit beinahe einem Jahr die längste bisher. Es kam mehrmals vor, daß die Songs in einem bestimmten Stadium wieder komplett verworfen wurden, wenn wir feststellten, daß das so nichts brachte. Alles lief viel spontaner ab als früher.”
    Während Gahan im Studio mit vollem Elan bei der Sache war und manchmal kreative Höhenflüge erlebte, plagten ihn nach der Arbeit, wenn die Band mal nicht chemisch aufgeputscht durch die Mailänder Clubs zog, häufig Sorgen und die Gewissheit, daß seine Ehe kaum noch zu retten war. Trost holte er sich bei der Amerikanerin Theresa Conway, die für die Band Presseangelegenheiten regelte, wenn er mit ihr, oft betrunken, stundenlang am Telefon seine Probleme wälzte. Anfang 1990 zog er dann den endgültigen Schlußstrich unter seine Ehe. Martin Gore hatte nach seiner gescheiterten Beziehung mit der Berlinerin Christina in Paris eine neue Liebe in der texanischen Schönheit Suzanne Boisvert gefunden, mit der er seit den mittleren Neunzigern verheiratet ist und drei gemeinsame Kinder, Viva-Lee, Ava-Lee und Calo-Leon hat.
    Mit der Gewissheit, Mailands Partyszene hindere sie an einem schnellen Vorankommen bei der abgeschiedenen Tiefebene Dänemarks. Die Band wohnte in nahegelegenen Landhäusern. Wilder, Gahan und sein Freund Daryl Bamonte, gleichzeitig zusätzlicher Soundingenieur, zusammen in einem, Fletcher, Gore und Flood in einem anderen. Es hieß, daß Fletcher mit persönlichen Problemen zu kämpfen hatte und eine schwere Depression entwickelte, die wahrscheinlich auf den Tod seiner Schwester Karen zurückzuführen war, die 1986 an Magenkrebs starb. Sein Zustand verschlechterte sich in Dänemark so sehr, daß er sich selbst Krankheiten einbildete, an den Sessions kaum teilnehmen konnte und schließlich abreisen mußte. Zuhause in London suchte er verschiedene Ärzte auf, die ihm kaum weiterhelfen konnten. Starke Antidepressiva halfen ihm zeitweilig aus seinen emotionalen Tiefs heraus, wirkten aber auch persönlichkeitsverändernd. An diesem Zustand sollte sich in den folgenden Jahren nichts ändern.
    Fletchers Mitwirkung bei Albumproduktionen war bekanntlich gering und sein weiteres Fehlen hatte keine negativen Auswirkungen. Wie bereits zuvor auf “Music For The Masses” umgesetzt, sollten im Sound wieder organische Klänge über die mechanischen dominieren. Floods Input war dabei von großer Bedeutung. Er ging weitaus dynamischer als sein Vorgänger Bascombe ans Werk wenn es galt, natürliche Instrumentaltracks mit kühler Mechanik zu kombinieren oder die Übergänge von einer Stilprägung zur anderen deutlich zu machen, was durchaus so gewollt war. Die Puk-Sessions gelten als die produktivsten für “Violator”. Songs wie beispielsweise “Policy Of Truth” oder “Clean” fanden nach viel Tüftelei in diesen Studios ihr Endstadium. Trotzdem wechselte man im August 1989 erneut die Location und zog zur Fertigstellung des Materials zurück nach London in das berühmte The Church-Studio. Steve Lyon wurde als weiterer Toningenieur angeheuert, François Kevorkian half beim Abmischen. Kevorkian galt als ausgesprochener Perfektionist, doch seine Arbeit traf nicht immer den Geschmack der Band. “Das Problem war, daß er alles auf elektronisch trimmte”, meinte Flood, “und dann noch einen Discostil dazumixte, der bei einem Song harmonierte, aber nicht bei den anderen. Von da an bat mich die Band, jeden Tag ein oder zwei Stunden im Studio zu verbringen, nach dem Rechten zu sehen und Vorschläge zu machen. Grundsätzlich versuchte ich nur, den ausgefeilten elektronischen Kunstwerken einen schmuddeligeren, kantigeren Ansatz zu verpassen.” Nichtsdestotrotz lieferte Kevorkian großartige Ergebnisse. Mit Ausnahme von “Enjoy The Silence” geht der komplette Mix des Albums auf sein Konto. “Enjoy The Silence” wurde von Miller und Flood fertiggestellt, nachdem der Mutes-Boss sein Veto gegen Kevorkians Version der Titels einlegte.
    Am 5. Februar 1990 erschien schließlich dieser Song als weiterer Vorbote für “Violator” und wurde, was Verkaufszahlen anbelangt, der größte Hit der Bandgeschichte. Top Ten-Platzierungen auf der ganzen Welt, Amerika und England eingeschlossen, folgten. In Deutschland lauerte “Enjoy The Silence” wochenlang vergeblich hinter Sinead O’Connors “Nothing Compares 2 U” auf den Spitzenplatz der Singlecharts. Bei den Brit Awards wurde es zur besten britischen Single des Jahres gewählt. Es gibt wahrscheinlich keinen Song von Depeche Mode, der einen derartigen Ohrwurmcharakter vorweisen kann. Mit seinem modernen Dancerhythmus, Gitarrenriffs im Stile vieler Titel von New Order, synthetischen Flächensounds und unverwechselbarem Refrain trifft er weitaus mehr musikalische Geschmäcker als nur die der eingeschworenen Fans. Viele heutige Anhänger bezeichnen “Enjoy The Silence” als den ausschlaggebenden Song für ihre Leidenschaft.
    Und dann ist da noch der Videoclip, den es in dieser Form beinahe nicht gegeben hätte, da Corbijns Idee, den Sänger als König Arthur verkleidet mit einem Liegestuhl durch stille Landschaften zu schicken, anfangs als “zu albern” abgelehnt wurde. Der Regisseur erläutert: “Die Idee war eigentlich ganz einfach: Man kann überall seine Ruhe haben, auch ohne Geld. Wir drehten in Schottland, Portgual und den Schweizer Alpen. Ich wollte Schnee, aber es war ein milder Winter, so daß wir einen Hubschrauber charterten und auf einen 3000 Meter hohen Berggipfel fliegen mußten.” Der Hauptdarsteller Gahan empfand seine Rolle jedoch als alle andere als angenehm: “Es war verdammt kalt da oben. Ich dachte mir, ich zieh’ diesen Fummel hier nicht an, da sehe ich ja aus wie ein Verrückter. Einen Shot verweigerte ich. Der Umhang wog eine Tonne, ich versank mit meinem bescheuerten Liegestuhl im Schnee und meine Krone begann einzufrieren. Ich hasste das alles Produzent Richard Bell doubelte mich be einer besonders langen Szene.” Gahan wußte be den Dreharbeiten nicht, wie grandios Corbijn die Bilder umsetzen wird und daß diese den erfolgreichsten Clip der Bandgeschichte gestalten würden.
    Am 19. März wurde das Album “Violator” veröffentlicht und dieses Datum war mit einer Meldung verknüpft, die durch die Nachrichten der Welt ging: Ausnahmezustand bei einer Autogrammstunde. Diese fand im Wherehouse Record Store von Hollywood statt und lockte 17.000 hysterische Fans an. Bereits Tage zuvor versammelten sich mehrere Tausend vor dem riesigen Plattenmarkt. Als die Band schließlich auftauchte, mußten Hundertschaften der Polizei dafür sorgen, daß die Situation nicht eskaliert. Nach 90 Minuten wurde der Spuk schließlich beendet – Bilanz: Sieben Verletzte und der größte Polizeieinsatz seit dem Besuch des Präsidenten.
    Der Erfolg von Depeche Mode war nicht mehr in normalen Dimensionen zu beschreiben. “Violator” erreichte überall auf der Welt Spitzenplätze, wird mit über sieben Millionen Exemplaren das meistverkaufte Album Depeche Modes aller Zeiten und eines der erfolgreichsten des Jahres, die Presse überschlägt sich vor Lob und das zu recht, denn perfekter läßt sich elektronische Popmusik mit Anspruch kaum umsetzen, auch nicht heute. Angefangen beim steril pulsierenden “World In My Eyes” über das experimentelle “Sweetest Perfection” und die Single-Erfolge “Personal Jesus”, “Enjoy The Silence” sowie “Policy Of Truth” bis zu den brillanten “Halo”, “Clean” und stillen Momenten “Waiting For The Night” und “Blue Dress” – Depeche Mode ziehen alle Register einer modern Popband und kreierten ihr zeitlosestes Album ohne den Bruchteil einer Schwachstelle, immer und immer wieder ein Genuß. Obwohl “Violator” weitaus minimaler und klinischer gehalten war als seine Vorgänger und in seiner uneingeschränkten Eingängigkeit eher an die Anfangstage anknüpfte, wurde dies das erste Album, welches niemanden mehr an der Existenzberechtigung und Glaubwürdigkeit Depeche Modes zweifeln ließ. Der Erfolg durch Alben und Tourneen in den ausklingenden Achtzigern wurde nicht zur bestätigt, sonder weiter ausgebaut, Depeche Mode zählten fortan endgültig zu den besten und wichtigsten Bands der Musikweit.
    Ruhm und Glamour sich auf der Bühne fort. Die “World Violation-Tour” startete am 28. Mai 1990 mit einem Konzert im Pensacola Civic Center in Amerika, dem ersten von 31 auf diesem Kontinent. In wenigen Stunden wurden 42.000 Tickets für das Konzert im New Yorker Giants Stadium verkauft, 48.000 für das Konzert im Dodgers Stadium von L.A. Zusatzkonzerte wurden angesetzt und ausverkauft. Zuvor hatten Alan Wilder und Steve Lyon wochenlang an den Backing-Tapes gefeilt und vielen Songs ein neues Gesicht gegeben, und Anton Corbijn gestaltete erstmalig das Bühnenbild. Die Leinwände prangten im Hintergrund, die eigens dafür gedrehtes Videomaterial zeigten, und die Hightech-Lightshow übertraf alles, was die Band je zuvor aufgefahren hatte. Das Tourintro “Kaleid” ging im Jubel Tausender vollständig abgedrehter Fans unter, während auf weiteren Leinwänden überdimensionale Rosen aus dem neuen Cover-Artwork erschienen und nervöse Laser durch Stadien und Hallen zuckten. Dave Gahan präsentierte such auf der Bühne in weißer Jeans und schwarzer Lederjacke anfangs äußerst lässig, wurde von der tosenden Kulisse aber immer wieder zum Ausrasten animiert und fegte von Bühnenrand zu Bühnenrand, drehte Pirouetten oder schleuderte seinen Mikrofonständer durch die Gegend. Martin Gore wurde in der Mitte des Sets die Bühne überlassen und er trug zwei bis drei seiner Balladen in Akustikform durch eigenhändige Begleitung auf der Gitarre vor. Kenner bezeichnen die Konzerte im Rahmen dieser Tour, deren materielle Komponenten Sattelschleppern und einer 100 Mann starken Crew durch die Welt bewegt wurden, als die besten aller Zeiten. In ihrer Größe wird diese Tournee nur noch von der drei Jahre später folgenden “Devotional-Tour” übertroffen, die die Band psychisch und physisch zerstören wird. Daryl Bamonte spekuliert: “Dave brachte es später auf den Punkt, als er feststellte, daß sich 1990 das Leben von uns allen änderte. Der Unterschied zwischen “Violation” und “Devotional” bestand in der Länge – “Violation” war zu Ende, bevor die Leute richtig schlappmachen konnten. Es war das Ende einer Ära der Zusammengehörigkeit und der Anfang einer zerbrechlicheren Phase. Der Hedonismus setzte bereits in den Achtzigern ein, doch während “Violation” gewann er an Schwung, was wiederum den Weg für “Devotional” ebnete.”
    Ecstasy spielte bei dieser Tour eine große Rolle, Band und Crew befanden sich im Zustand einer andauernden Megaparty und Dave Gahan gab zu, damals zum letzten Male richtig Spaß an Drogen gefunden zu haben. Chris Carr sagte über Gore: “Wenn es da draußen etwas gibt und er will wissen, wie es ist, dann probiert er es eben. Martin ist kein Dilettant, er ist wie eine Leber – und seine Leber muß viel aushalten! Er ist nicht süchtig wie Dave, der loszieht, das Zeug nimmt und weiß, daß er dafür bestraft wird, Martin ist anders. Er hat diese naïve Einstellung, daß man Sachen zu Erfahrungszwecken ausprobiert.” Alan Wilder ergänzte: “Martin wird sehr anlehnungsbedürftig, wenn er einen in der Krone hat. Er versammelt Wildfremde um sich und erzählt ihnen seine Lebensgeschichte, aber anders als Dave hat er in seinen Exzessen nie ein Trümmerfeld hinterlassen. Vielleicht muß Dave Ärger machen, um sich selbst zu erniedrigen. Martin bleibt cool und vieles kommt nie ans Tageslicht. Um ehrlich zu sein, war der Alkohol schlimmer als alles andere, aber während der “Violator”-Zeit spielten Drogen eine große Rolle: Ecstasty, Kokain – alles außer Heroin. Dann fing Dave mit Heroin an, während der Tour. Ich glaube, es muß an seiner Persönlichkeit liegen. Er braucht einfach das ultimativ Extreme.” Der Sänger selbst erklärte nach seinem Entzug: “Jahrelang soff ich und nahm Drogen, ungefähr seit meinem zwölften Lebensjahr. Ich schluckte ab und zu das ein oder andere Phenorbital meiner Mutter; Hasch, Amphetamine und Koks folgten. Dann entdeckte ich plötzlich Heroin. Ich würde lügen, wenn ich behaupten würde, ich hätte mich nicht… na ja… gefühlt wie nie zuvor. Ich fühlte mich einfach vollkommen. Nichts konnte mir etwas anhaben, ich war einfach unerschütterlich. Es war Euphorie. Doch die Euphorie hielt nicht lange an.”
    Mit 75 Shows war die “World Violation-Tour” kürzer als die vorangegangene und ersparte der Band noch das viele Leid, welches die nächste bringen wird. Erstmalig wurde auch ein Konzert aus gesundheitlichen Gründen abgesagt, da Gahan seine Stimmbänder überstrapazierte und absolutes Sprechverbot hatte. Dates in Osteuropa und Teilen von Asien wurden zudem aus Kostengründen ersatzlos gestrichen.
    Bevor Depeche Mode sich für längere Zeit zurückzogen, kam mit “World In My Eyes” am 27. November 1990 die letzte Single aus “Violator” heraus und räumte noch einmal gewaltig ab. Wie bereits “Personal Jesus” enthielt sie hervorragende Songs auf der B-Seite. Die Uptempo-Nummern “Happiest Girl” and “Sea Of Sin” sollten ursprünglich auch Platz auf dem Album finden, überbrückten in dieser Form jedoch noch ein wenig die lange Wartezeit auf neues Material und gingen als die beste B-Seite in die Bandgeschichte ein. Der Programmierer Lorenz Macke aus Hannover, später bekannt als Labelchef und Bandmanager von beispielsweise De/Vision, brachte die Mode-lose Zeit indes anders über die Runden: Er war ein halbes Jahr mit der Organisation des bis dahin größten Fantreffens der Welt beschäftigt, zu dem am 3. Oktober 1991 mehr als 3000 Besucher nach Dortmund reisten. Die Band selbst war an diesem Abend lediglich in den Köpfen der Fans anwesend, die zum Großteil ihren Kult auch nach außen zelebrierten und mit verblüffenden Resultaten die Musiker in Kleidung und Hairstyling imitierten. Gefeiert wurde bei diesem Event und bei allen kommenden diesem Vorbild folgenden Massenveranstaltungen ausschließlich zu Musik von Plattenteller. Die heute bekannteste Veranstaltung dieser Art lockt seit Juni 1992 zwei- bis dreimal pro Jahr rund 2000 Freaks in die Hamburger Markthalle zu den “Parties For The Masses”, die mittlerweile und weitere Programmpunkte wie Liveauftritte artverwandter Acts, Plattenbörse oder Tattoostudio bereichert wurden.
    Depeche Modes Anhängerschaft wuchs also kontinuierlich und wurde immer lauter, während es für viele Monate komplett still um die Band war. Auf die ersten Meldungen seit Ewigkeiten hätten dann wohl viele gern verzichtet.
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Offline Angelinda

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« Reply #5 on: 24 March 2012 - 00:31:42 »
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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 8 auf 12]
Kapitel 8
Walking In Jesus’ Shoes
    Die Zeit ohne Depeche Mode war lang, für viele Fans unerträglich und endlos, ehe es Ende 1992 plötzlich News im Magazin des englischen Fanclubs “Bong” gab. Das erste gedruckte Foto von Dave Gahan seit fast zwei Jahren verursachte Weinkrämpfe und Beinahe-Herzstillstände. Es zeigte ihn abgemagert bis auf die Knochen mit langen strähnigen Haaren und Bart. Die Ähnlichkeit zu den vertrauten Bildern vom jugendlich wirkenden, nie lächelnden Mädchenschwarm, welche hunderttausendfach die Jugendzimmer der Welt zierten, war verschwunden. Ungläubig verfolgte man die Spekulationen über eventuelle Krankheiten oder eine Drogensucht. Was war also in der Zwischenzeit passiert?
    Musikalisch jedenfalls so gut wie nichts. Die von Martin Gore gesungene Ballade “Death’s Door” für den Soundtrack zum Wim Wenders Film “Bis ans Ende der Welt” erschien als einziger neuer Song, ansonsten hörte man nicht das kleinste Gerücht über die Musiker. Auch daß Gore und Fletcher etwa zeitgleich zum ersten Mal Vater geworden waren, ging weitgehend unter. Am 6. Juni 1991 kam Martins Tochter Viva-Lee zur Welt, nur knapp zwei Monate später am 25. August Megan Fletcher, die gemeinsame Tochter von Grainne und Andrew. Die beiden jungen Väter waren auch die einzigen, die den engen Kontakt untereinander aufrecht hielten, verband sie doch von jeher mehr als nur die selbe Arbeit in der gleichen Band. Ihre Freundschaft ist seit den mittleren Schuljahren von bis date andauernden Bestand. Lediglich der musikbesessene Alan Wilder widmete sich nach der Trauung im selben Jahr mit seiner langjährigen Lebensgefährtin Jeri auch in der Zeit ohne Material der Hauptband seiner großen Leidenschaft, der Musik. Nach den experimentellen Soloalben “Recoil 1 + 2” (1986) und “Hydrology” (1988) arbeitete er 1991 an seinem dritten Werk “Bloodline”. Für dieses Unternehmen holte Wilder Douglas McCarthy von der nun weltweit geschätzten britischen EBM-Kapelle Nitzer Ebb ins Boot, die zuvor erneut als Supportact für Depeche Mode während ihrer “World-Violation”-Gigs in Amerika in dieser Rolle (Vorbands für Depeche Mode fallen bei Fans in allgemeinen gnadenlos durch) regelrecht abgefeiert wurden. McCarthys charakteristische Stimme hört man auf der Alex Harvey Band Coverversion und gleichzeitigen Recoil-Single “Faith Healer”, einem der besten Stücke auf “Bloodline”, auch wenn die rein musikalischen Unterschiede zu Depeche Mode eher gering ausfielen. Weitere Sänger für dieses Album wurden beispielsweise Moby und Tony Halliday von Curve. Wilder und McCarthy sind seit 1987 befreundet und dies blieb nicht das einzige ihrer gemeinsamen Projekte: Die nächste Nitzer-LP “Ebbhead” produzierten Wilder und Flood. Auch wenn dieses Album mit seinen gewagten, oftmals untypischen Klängen die Fans des brutalen, sequenzerbasierten Stakkato-Gehämmers anfangs vor den Kopf stieß, wurde es nach kurzer Gewöhnungszeit das erfolgreichste Album Nitzer Ebbs und verkaufte allein in den USA mehr als 250.000 Einheiten. Bereits im Jahre 1991 fanden dafür Elemente Verwendung, die konzentriert unter dem Begriff “Big Beat” erst viele Jahre später von anderen Acts wie The Prodigy entdeckt werden und diese zu Weltruhm führen. Gleiches gilt für Nine Inch Nails, welche – die innovative Leistung Trent Reznors in allen Ehren – keinesfalls die ersten waren, die brachialen Rock mit technologischer Perfektion koppelten. Des Weiteren textet und singt Wilders Freund zuletzt auf dem 1997er Recoil-Album “Unsound Methods”. Dave Gahan hatte nach der “World Violation”-Tour seinen Wohnsitz in Los Angeles aufgeschlagen, wo er sich ein Apartment mit seiner neuen Liebe Theresa Conway teilte. Mental ging es dem Sänger ausgesprochen schlecht. Die noch frische Trennung von seiner Frau Joanne und natürlich auch von seinem inzwischen vier Jahre alten Sohn Jack setzte dem labilen Gahan stark zu. In bestimmter Weise machte er Depeche Mode für sein Dilemma verantwortlich: Sein Leben in der Isolation, der Ruhm und die Erwartungen, die auf ihm lagen. Allein der Gedanke an ein neues Album und alles, was damit verbunden ist, bereitete ihm Grauen. Um finanzielle Aspekte brauchte er sich schließlich schon längst keine Gedanken mehr zu machen. Aber auch der Tod seines leiblichen Vaters, zu dem er seit seiner Kindheit keinen Kontakt mehr hatte, ging keineswegs spurlos an ihm vorbei: “Innerhalb von sechs Monaten stürzte alles auf mich ein”, erzählte Gahan später. “Ich denke noch immer hin und wieder an meinen Vater, daß ich durch ihn vielleicht auch viel über mich selbst hätte lernen können.” Schmerzhaft mußte er erkennen, daß sich das Verhältnis zu seinem eigenen Sohn ähnlich gestalten würde, wenn er dem nicht entgegenwirkte. Aber so einfach ließ sich das nicht umsetzen. Drei- bis viermal im Jahr flog er nach England, um seine Mutter und seinen Sohn zu sehen – unter Voraussetzungen, die ein normales Verhältnis kaum zuließen. Der immense Drogenkonsum des abgewrackten Sängers und einhergehende Paranoia machten es ihm fast unmöglich, seinen ehemaligen Wohnort Basildon zu betreten. Er entwickelte eine regelrechte Phobie gegen die schäbige Kleinstadt, aus der er früher bereits “flüchtete”, wie er in einem Interview erzählte. Also lud Gahan seine Mutter immer nach London ein und wohnte dann selbst in einer Wohnung in Wapping zusammen mit seinem alten Freund Daryl Bamonte. Sein Zustand nahm unterdessen fast schizophrene Gestalt an. Das Heroin hatte seine subjektive positive Wirkung beinahe vollständig verloren und eine ausgeglichene Gefühlswelt war manischen beziehungsweise zunehmend depressiven Extremzuständen gewichen. Noch fühlt er sich wohl in seiner Rolle als sebstzerstörerischer Rockstar oder realisiert ganz einfach nicht den gefährlichen Strudel, in dem er längst treibt: “Für mich ist ‘Durchschnitt’ momentan nicht gut genug. ‘Okay’ oder ‘Es wird schon passen’ reichen mir nicht. Ich brauche Brillanz im Leben und will nur das Beste: Hingabe, Sex und Liebe. Ich will einfach, daß mich Dinge bewegen.” Wirklichen Halt fand er zu keinem Zeitpunkt in seiner neuen Lebensgefährtin, die eher ein Objekt der Begierde des Sängers gewesen sein soll, die alles akzeptierte und bereit war, mitzumachen – sexuell und in Bezug auf Drogen. Angeblich hatte er sich auch die Haare für die Frau wachsen lasse, die er im April 1992 unter strengster Geheimhaltung jedoch überstürzt, wie bandnahe Informanten meinen, heiratete. Bamonte wurde sehr bald der einzige Freund aus vergangenen Tagen, zu dem er Kontakt hielt. Auch wenn der extreme Sänger im Vollrausch oftmals komplett unzugänglich war, sponserte er in lichteren Phasen ausschweifende Parties für sich, seine Frau und neue “Freunde”. Er war auf dem besten Weg, sein schon länger gestecktes Ziel, den Rock’n’Roll-Mythos vollständig auszuleben, ja gar der Inbegriff dessen zu werden. Niemand seiner Bandkollegen bekam den Frontman zu Gesicht, einzig Daniel Miller traf ihn einige Male und zeigte sich entsetzt: “Er sah aus wie ein klassischer Junkie. Er war abgemagert und sah krank aus, ich wußte genau, was mit ihm passierte. Früher hat er spaßeshalber immer gern den kaputten Rockstar imitiert, mittlerweile war er zu seiner eigenen Parodie mutiert. Es war sehr schlimm. Er versuchte sogar, sein Problem vor mir zu verbergen.” Gahan selbst realisierte weder seinen eigenen Zustand, noch die Reaktionen seines Umfeldes. Sein grenzenloser Egotrip rechtfertigte jeden Exzess, zögerliche Kritiken kamen nicht bei ihm an und er holte aus jeder winzigen Bemerkung nur noch weiteren Antrieb für seinen Weg in den Dreck.
    Durch die Erzählungen Millers konnten sich die übrigen Musiker von Depeche Mode zumindest in Ansätzen auf das erste gemeinsame Treffen in Madrid seit mehr als einem Jahr einstellen. Man wollte mit den Planungen für das nächste Album beginnen. Eine Villa am äußersten Stadtrand sollte auf Anraten Floods gleichzeitig als Studio und Herberge fungieren, genau wie er es zuvor von der Produktion des U2-Albums “Achtung Baby” kannte und sie damit hervorragende Ergebnisse erzielen konnten. Ein geeignetes Studio, welches dazu auch noch eine komfortable Wohnstätte bot, gab es in Madrid nicht, also richtete man sich kurzerhand so ein, wie es benötigt wurde. Gore, Fletcher und Wilder sind in der Zwischenzeit dank Familie und völliger Streßfreiheit bodenständiger geworden und kamen mit dem häufig euphorischen Verhalten ihres Sängers schwer zurecht. Während die einen die Produktion langsam anlaufen lassen, sich wieder aneinander gewöhnen und sehen wollten, in welche Richtung sich die ersten Sessions entwickeln würden, hatte Gahan schon detaillierte Vorstellungen vom Konzept des neuen Albums, die er aggressiv durchzusetzen versuchte, egal wie abwegig sie für seine Kollegen zuerst erscheinen mochten. Deutlicht beeinflußt von der aufgehenden Saat, die Nirvana, Pearl Jam oder Soundgarden in seiner neuen Heimat austrugen, wollte er den Sound rockiger und schmutziger, eben grungig, und wich von dieser Einstellung keinen Zentimeter ab. Ungläubige Blicke starrten den am ganzen Körper mit frischen Tattoos überzogenen Sänger an, dessen Bild trotz aller Vorahnungen die anderen lediglich irritierte, aber mit dieser Überschwenglichkeit des im Studio zuvor weitaus zurückhaltenderen Fremden hatte niemand gerechnet. Gahan hatte eigentlich nicht vor, bei dieser Platte-mitzuwerken. Er sah keinen Weg für Depeche Mode, nach dem bahnbrechenden Erfolg der letzten Veröffentlichungen, künstlerisch weiter voranzukommen. Hätte Gore ihm nicht im Vorfeld Demotapes für das Album geschickt, die sich in seinem Sinn umsetzen ließen, hätte er dem Songwriter vorgeschlagen, nach einem anderen Sänger zu suchen.
    Die anfängliche Begeisterung für das sonnige Spanien und die Idee des Produzenten, der nach seiner Meisterleistung “Violator” erneut angeheuert wurde, wich bereits nach wenigen Tagen. Erstens, weil die Attraktionen der Hauptstadt mehr als eine halbe Autostunde entfernt lagen und es nachts nicht immer einfach war, ein Taxi zurück auf das land zu bekommen und sich zweitens schon bald kleinkriegerische Differenzen zwischen den unterschiedlichen Persönlichkeiten einstellten, denen aufgrund der räumlichen Enge kaum aus dem Weg gegangen werden konnte. Der Frust wurde abends häufig in Clubs und Bars ertränkt, tagsüber wurde der Kontakt, wann immer es ging, vermieden. Die Arbeit ging nicht schleppend voran, sondern verlief im Sand, bevor sie angelaufen war. Frustration machte sich breit, vor allem bei den noch motivierten Produzenten Wilder und Flood und zum Teil auch bei Gahan. Man war sich durchaus darüber im klaren, daß ein ebenbürtiger Nachfolger von “Violator erwartet wurde, sehnsüchtiger als jedes Album zuvor, und man sich dieses Ziel natürlich auch selbst gesteckt hatte, aus künstlerischen Aspekten und zur eigenen Zufriedenheit. Doch es gestaltete sich zunächst unmöglich, die konträren Vorstellungen zusammenfließen zu lassen und daraus den neuen Stil zu extrahieren, nicht weil sich die Elemente nicht vermischen ließen, sondern weil bestimmte Personen sich zunächst mit aller Gewalt dagegen stellten. Der Zustand in der Villa soll bald dem in einer geschlossenen Anstalt geglichen haben. Wenn Alan Wilder nach ergebnisloser Studioarbeit Ruhe suchte, mußte er stundenlang die Feedbacks ertragen, die sein langhaariger Nebenmieter auf einer E-Gitarre erzeugte. “Dave verbrachte damals viel Zeit in seinem Zimmer”, erinnert sich der Musiker. “Obwohl er eigentlich von der Idee eines neuen Albums begeistert war, engagierte er sich bald nicht mehr auffällig. Doch er kam hin und wieder runter ins Studio und lobt als einziger unsere Arbeit. Zumindest sorgte er sich um die Gruppe, ganz gleich in welcher Verfassung er selbst war.” Der Sänger schottete sich immer weiter ab, und wenn er die Gitarre beiseite legte, griff er zum Pinsel und verbrachte die Nächte vor seiner Staffelei, um ein Ölgemälde für seiner Frau Theresa zu fertigen: “Ich malte nächtelang, was ich als ausgezeichnete Therapie empfand. Das ließ ich mir nicht nehmen und dachte nur: ‘Ihr könnt mich alle mal, ich lasse mir von euch nichts sagen.’ Als das Gemälde das vorher keiner außer Anton gesehen hatte, fertig war, zeigten sich die anderen Bandmitglieder ziemlich überrascht. Martin war stark beeindruckt und ich erklärte ihm, daß ich drei Jahre auf der Kunsthochschule verbrachte hatte. Malen war damals alles, was ich konnte.”
    Gore dagegen soll viel getrunken und gleichgültig der anstehenden Arbeit gegenüber Videospiele gezockt haben. Andy Fletcher nahm seine Rolle als Diplomat in Bandbelangen häufig zu ernst und erntete für seine Bemühungen um Harmonie oft nur Unverständnis und Gehässigkeit. Resignierend entwickelte der psychisch wahrscheinlich noch immer oder wieder Antidepressiva verschrieben bekam, den Wunsch, zurückzukehren in die Geborgenheit seiner Familie, wie bereits während der Aufnahmen zu “Violator” drei Jahre zuvor. Von kreativer Stimmung in der Villa fehlte also noch jede Spur, was es in der Anfangsphase einer Produktion so noch nie gab, Nachdem zweimal sechs Wochen, der geplante Umfang für die ersten beiden Sessions, vergangen waren, konnten Depeche Mode auf lediglich sechs mehr oder weniger fertige Songs zurückblicken. Einer davon war “Condemnation”. Es ist der Lieblingssong Dave Gahans, der später zugab, er wünsche sich, diesen Titel selbst geschrieben zu haben. Wilder wußte über seine Entstehung zu berichten: “Die Idee war, ein Gospel-Feeling zu produzieren, ohne daraus einen Mischmasch zu machen. Wir wollten dazu einen Effekt erzielen, der vorgibt, daß alles in einem Raum abläuft. Jeder der fünf Anwesenden mußte am selben Ort Klänge erzeugen. Fletcher schlug mit einem Stock auf einen Koffer, Flood und Dave klatschen in die Hände, Martin spielte Orgel und ich Schlagzeug.” Im Mittelpunkt solle schließlich der Gesang stehen, der in einer weiß gefliesten Garage mit ganz speziellem Hall aufgenommen wurde und in den Gahan so viel Energie seines ausgemergelten Körpers steckte, daß er anschließend beinahe zusammengebrochen wäre. Zurück im Studio wurde seine eigene Ansicht bestätigt. “Dave, das waren die besten Vocals, die du je gesungen hast”, lautete das einstimmige Ergebnis. Und das hatte auch einen ganz bestimmten Grund. In der Tat gaben die Texte für das kommende Album, welches den Titel “Songs Of Faith And Devotion” tragen wird, dem Sänger das Gefühl, auf ihn zugeschnitten worden zu sein, auch wenn es nicht der Fall war, wie Martin Gore immer betonte. Gahan sang die Songs nicht einfach, sondern fühlte sie, fand sich darin wieder und ging mit ihnen schließlich in einer Einheit auf. So absurd der Umstand aus heutiger Sicht anmuten muß, er ist dennoch einleuchtend: Ohne den bandinternen, desolaten Zustand, vor allen des Sängers, hätte das Album komplett anders geklungen. Vielleicht sogar anders als es günstig gewesen wäre, denn wie sich herausstellen wird, macht die Band trotz des Chaos alles genau richtig.
    Martin Gore hatte zu diesem Zeitpunkt die Texte für sechs Titel fertiggestellt und auch mit deren Produktion lag man schließlich noch halbwegs im selbst gesteckten zeitlichen Rahmen. “Walking In My Shoes” und “In Your Room” waren neben “Condemnation” die ersten Songs, die sich in ihrem Endstadium befanden. Vor allem die Produktion von “Walking In My Shoes” war zeitaufwendig und nervenaufreibend. Die ganze Band war mittlerweile zumindest darin überein gekommen, daß eine weitaus rockigere Richtung eingeschlagen werden soll, wenngleich noch immer jeder Mitwerkende die Akzente auf unterschiedlichen Komponenten sah. Als elektronisches Equipment dienten ihnen weniger moderne Synthesizer als zuletzt. Analoge Geräte fanden wieder Einsatz, mit denen sich der angepeilte rauhe Sound besser umsetzten ließ. In “Walking In My Shoes” schlägt sich dieser endlich erzielte kleine Erfolg vorerst noch zaghaft nieder. Eines ist aus ihm dennoch nicht geworden: Der glasklare, glatte Popsong und Ohrwurm, der garantierte Hit, der er als geplante erste Single hatte werden sollen. Am Anfang ertönt ein verzerrtes Piano, dann kommt ein Cembalo-Sample dazu, verschiedene, übereinander gelagerte Loops sorgen für einen Rhythmus, der sich anscheinend permanent ändert und gescratchte Klänge, wie sie im Hip-Hop gängig sind, geben weitere Kanten – im Vergleich zu Depeche Modes bisherigen Ansätzen ein bisweilen schmutziger Tenor. Ähnlich wie bei der Produktion von “Enjoy The Silence” zeigte sich Daniel Miller, der hin und wieder in Studio auftauche, unzufrieden über das Endergebnis des in seinen Augen designierten Singlehits, doch in diesem Fall blieben seine Einwände unberücksichtigt und der Song verließ letztendlich genau so das Studio, wie es sich die Band allein vorstellte.
    Nach den insgesamt desaströsen Sessions in Madrid war eine kurze Phase der Erholung von Nöten, bevor es für den dritten Teil der Aufnahmen nach Hamburg ins Chateau du Pape ging. Eigentlich war Hamburg eine Notlösung, weil wenige Tage vor dem geplanten Umzug in ein Studio nach Bologna ihre Termine zugunsten eines einheimischen Künstlers gekündigt wurden. Andy Fletcher blieb aus gesundheitlichen Gründen zu Hause, was dem von seiner Anwesenheit zuletzt stark genervten Alan Wilder sehr gelegen kam. An ihrer Arbeitsroutine sollte sich auch in Deutschland kaum etwas ändern. Gore startete oft tagelange Sauftouren und Gahans Drogensucht war inzwischen so offensichtlich, daß es häufig zu Diskussionen und Streitereien kam, mit denen ihm die anderen ins Gewissen reden wollten. Einen vorbildlichen Charakter, der vielleicht irgend etwas bewirkte hätte, fand er in nicht in seinem Umfeld, schon gar nicht in Martin, und deshalb auch nicht den geringsten Grund, seine Sucht in den Griff zu bekommen. Mehr noch: Wenn Theresa für einige Tage zu Besuch einflog, verschwand er mit ihr häufig die komplette Zeit spurlos im Zwielicht der Hamburger Szene. Ein weibliches Mitglied des Fanclubs Bong wird zur Berichterstattung in die Stadt entsandt und laut ihres Artikels im Magazin des Clubs hat sie in dem Unbekannten, der neben ihr auf der Couch saß, erst nach fünfzehn Minuten ihren einstigen Traumann Dave Gahan erkannt.
    Die Stimmung hellte sich schließlich auf, als das Album konkrete Formen annahm. Martin und Alan verstanden sich wieder besser und tingelten abends durch die Clubs oder gaben zusammen spontane Ständchen in der Hotelbar, wobei Martin jeden erdenklichen Song sang und Alan mit ihm für die Begleitung am Piano sorgte. Bis heute hat der Songwriter nicht mit dieser Tradition gebrochen und läßt sich nach vielen Konzerten am Klavier nieder, um vorzugsweise Elvis-Klassiker zum Besten zu geben. Eine weitere Angewohnheit, die früher häufig zu ernsten Ärgernissen in der Gastrononmiewirtschaft führte, hat er mittlerweile abgelegt: Den unweigerlich parallel einhergehenden Strip vor reichlich Publikum.
    Der einzig wirkliche Rocksong auf “Songs Of Faith And Devotion”, häufig als “SOFAD” abgekürzt, ist “I Feel You”, welcher neben sieben weiteren Titeln in Hamburg aufgenommen wurde. Mit schlepperndem Beat, harter Elektronik und einem noch gewaltigeren Gitarrenriff auf Endlosschleife – in Gores Demo soll es weitaus brachialer rüberkommen – hebt sich “I Feel You” deutlich vom Rest des Albums ab, welches bei genauer Betrachtung gar nicht so gitarrenlastig erscheint wie ihm gerne nachgesagt wird. Vielleicht ist dieser Eindruck einfach auf Gahans äußerliche Transformation zum Rock-Messias zurückzuführen. Ungleich auffälliger zeigt sich hier schon eher die Inhomogenität und der nicht vorhandene Fluß in der Songfolge. So konzeptionslos wie an die Produktion herangegangen wurde präsentiert sich auch ihr Ergebnis. Jeder Titel für sich gesehen scheint vollständig ausgereift, aber einen gemeinsamen Nenner, den berühmten roten Faden, sucht man hier vergeblich. Wie auch? Schließlich glich das Arrangement eines jedes einzelnen Songs einem Ego-Kampf für die Umsetzung des persönlichen Geschmackes, und daher ist es nur bezeichnend, daß die erste Auskopplung den härtesten Tract “I Feel You” und den stillsten Moment “One Caress” auf einer Single vereint. Sowohl die Single wie auch das gesamte Album wirkten komplett losgelöst von aktuellen Strömungen in der Musikszene. Während Depeche Mode in den achtziger Jahren stets als Trendsetter im Feld der elektronischen Musik galten, dabei aber noch deutlich mit dem Sound der deutschen Elektronikpioniere Kraftwerk verwurzelt waren, ließ sich nun kein Vorbild mehr erkennen. Elektronische Dancemusik bestimmte die Charts, aber ähnliche oder weiterentwickelte Elemente blieben, anders als erwartet, auf “SOFAD” konsequent außen vor. Alan Wilder erklärte, nie Radio zu hören, geschweige denn zu verfolgen, welche Musik gut in den Charts läuft. Dave Gahans Interesse für die Musik amerikanischer Rockbands wie Jane’s Addiction vermehrte sich in den vorangegangenen Jahren. Er genoss es, unerkannt ihre Konzerte in Amerika zu besuchen, denn das wäre in Europa niemals möglich gewesen. Martin Gore meinte dazu: “In den vergangenen Jahren wurde es immer schwieriger, der Techno-Musik zu entkommen. Sie wird in jedem Club gespielt, in jedem Radiosender. Wir reagieren auf diesen Trend wieder nur unpräsize, also spontan. Aber viele Leute aus der Techno-Szene nennen uns als ihre Vorbilder und Wurzeln. Dabei ignorieren sie einfach die Tatsache, daß wir im Gegensatz zu ihnen richtige Songs schreiben. Ich will auf keinen Fall mit dieser Art von Musik in Verbindung gebracht werden.” Vielmehr frönte er seiner Leidenschaft für Glamrock und hob mit Wayne Hussey, dem Sänger von The Mission, das Spaßprojekt The Sexist Boys aus der Taufe, um anläßlich seines dreißigsten Geburtstages eine riesige Gartenparty mit Coverversionen von Gary Glitter und T-Rex zu beschallen.
    Klassische Musik war nun auch kein Tabu mehr. Für die Aufnahmen von “One Caress” wurde ein komplettes 28-köpfiges Streicherensemble in das Londoner Olympic-Studio geladen, welches Martin Gores Gesang live begleitete. In diesem Studio wurden nun auch die zuletzt verbliebenen Songs “Get Right With Me” und “Judas” eingespielt, wozu die Unterstützung weiterer Gastmusiker genutzt wurde. Neben dem Gospeltrio Hildia Campbell / Bazil Meade / Samantha Smith für “Get Right With Me” hort man in “Judas” den Dudelsackspieler Steafan Hannigan. Für das Final Mixing in London gewann man Mark Stent oder “Spike”, wie er genannt wird, bis “SOFAD” genau zum Jahresende schließlich perfekt war.
    Bevor es veröffentlich wurde, schoß man am 15. Februar “I Feel You” voraus, worüber sich der Sänger sehr unzufrieden zeigte. Er wollte unbedingt “Condemnation” als erste Single, konnte sich aber nicht durchsetzen. Letzten Endes war diese Wahl jedoch von Vorteil, weil der schockierend unpoppige neue Sound und der dazugehörige Meilenstein in der Musikvideo-Landschaft nach mehr als zwei Jahren Funkstille umgehend eine breit Aufmerksamkeit auf sich ziehen konnten. Der kaum wiederzuerkennede Sänger zeigte in für Corbijn typischen Kameraeinstellungen, aber mit komplett untypischem Outfit, einen noch weniger vertrauten, eher spastische anmutenden Tanz und entledigt sich schließlich seiner Nadelstreifenweste vor der Schauspielerin Lysette Anthony. Die Jugendsendung “Elf 99”, ein DDR-Relikt, das vom Privatsender RTL auch dem wiedervereinigten Deutschland zugänglich gemacht wurde, strahlte die deutsche Videopremiere aus, und in den folgenden Tagen gab es auf den Schulhöfen, vielen Arbeitsplätzen und natürlich in den zahlreichen Fanclubs keine Diskussion, bei der die Ansichten weiter auseinandergingen als über die Musik und das neue Outfit von Depeche Mode. Kein langjähriger Anhänger der Band hätte damals behaupten können, mit einem derart radikalen Stilwechsel gerechnet zu haben, und der Großteil wird eine lange Phase zur Gewöhnung gebraucht haben, ehe sich wieder die innige Liebe ohne Einschränkung zu Depeche Mode einstellte.
    Als am 22. März schließlich das Album erschien, hatte sich die Empörung längst wieder gelegt und die nicht im geringsten verblaßte Treue der Fans zeigte ihr geballtes Ausmaß, als “SOFAD” zeitgleich in England, den USA, Deutschland und vielen weiteren Ländern aus dem Nichts auf den ersten Platz der Charts krachte. Die Presse zeigte sich einstimmig angetan und die Hörerbasis entdeckte in energiegeladenen Songs wie “Rush” und den melodiebetonten Nummern “In Your Room” oder “Higher Love” sofort neue Favoriten, die Plattenspieler und CD-Player nicht so schnell wieder verließen. Wohlwollend wurde nun auch das neue Image, welches die letzten Züge einer Band für Teens verbannt hatte, aufgenommen. So asozial und uncool, wie Blickfang Gahan auf machen Fan zunächst gewirkt haben mochte, so mystisch und erotisch wurde bald die Aura, die ihn fortan umgab.
    Textlich bewegen sich die Songs einmal mehr um Gott, Sex und Liebe, tiefsinniger und gleichzeitig offensichtlicher als zuvor. “So weit wie auf dem neuen Album bin ich nie gegangen”, erklärte dazu Martin Gore. “In meinem Texte kenne ich, im Gegensatz zu meinem Alltag, keine Tabus. Tatsächlich erfahre ich durch das Schreiben am ehesten, wie krank mein Gehirn wirklich ist. Religion fasziniert mich seit Jahren, auch wenn mich bisher noch keine vollständig überzeugt hat. Doch der Glaube an ein höheres Wesen gibt unserer Existenz erst einen tieferen Sinn. Das einzig Gottgleiche, das ich kenne, sind Liebe und Sex. Beide Zustände werden unsere irdische Existenz überdauern, da bin ich mir sicher. Ich schreibe oft Texte darüber, weil es das ist, was mich am meisten auf dieser Welt interessiert,” Über die Songs im einzelnen sagte er: “’I Feel You’ hat einen sehr romantischen Hintergrund. Es handelt von der reinen, ewigen Liebe, die alle Zeiten überdauert, bis sie schließlich unsterblich macht – und zwar beide Partner gemeinsam. ‘In Your Room’ dagegen ist der sexuell eindeutigste Song der CD. Man kann ihn als Liebesgeständnis eines Sklaven an seine Gebieterin sehen. Als literarische Grundlage interessieren mich S/M-Thematiken schon immer, in meinem Alltag käme es nicht in Frage. In ‘Walking In My Shoes’ geht es um Unvollkommenheit, die einen Menschen erst menschlich macht, um Fehler und deren Vergebung.”
    Mit “Walking In My Shoes” kam einen Monat nach der Albumveröffentlichung einer der besten Songs der LP als zweite Single heraus und erreichte in Deutschland sowie England den 14. Rang. Das seltsamste aller Videos, bei deinen Anton Corbijn Regie führte, zeigt Fabelwesen und entstellte Kreaturen in surrealen Farben. Die B-Seite “My Joy” hatte nicht den Weg auf das Album gefunden, ist jedoch ein sehr komplexer Midtempo-Track der eine ähnlich mysteriöse Stimmung wie “Walking In My Shoes” transportiert.
    Unterdessen hatte Alan Wilder mit den Programmierungen für die Tournee-Backingtapes begonnen. Er kam dabei etwas in Bedrängnis, weil sich erstens die Aufnahmen zu “SOFAD” länger als geplant hinzogen und zweitens, was noch entscheidender war, bereits die europäischen Dates gebucht waren. Wilder blieb keine Zeit für Urlaub. Parallel zu Albumpromotion und Tourproben arbeite er zusammen mit Tonspezialist Steve Lyon im Olympic-Studio, später in seinem Homestudio. Dem Rest der Band war dieser Part egal. Anders als früher ließ sich keiner von ihnen im Studio blicken, hatte keine Ahnung, daß Alan häufig komplett neue Versionen aus älteren Titeln mischte (beste Beispiele: “Fly On The Windscreen” und “Everything Counts”, in diesen Versionen zu finden auf dem offiziellen Livevideo “Devotional”) und die ersten Dates beinahe hätten abgesagt werden müssen, weil ein Unglück passierte. Nach mehr als drei Monaten harter Arbeit brach bei der Konvertierung das benutzte Equipment von Hersteller Roland zusammen und alle Edits der gerade fertiggestellten Backingtapes waren gelöscht. Lediglich zwei Wochen blieben ihnen für eine erneute Editierung, was sie in Doppelschichten noch auf den letzten Drücker bewerkstelligten. Der Hersteller wurde verklagt.
    Im gleichen Zeitraum arbeitete Anton Corbijn am neuen Bühnenbild und den Videos, die auf insgesamt elf Leinwände projiziert werden sollten. Er drehte für die geplante 18 Monate umfassende Tour komplett neue Clips mit Motiven aus dem Artwork, pathetischen oder erotischen Themen. Für diese Videos, wie auch für den gesamten Bühnenaufbau, empfing er nicht nur Lob von den Kritikern. Manche meinten, das Konzept sei zu kitschig, andere kritisierten einen subjektiv empfundenen Abklatsch von U2s “Zoo TV”-Bühne die ebenfalls Corbijn designte. Fakt ist, daß dies der gewaltigste Bühnenaufbau war, mit dem Depeche Mode jemals durch die Welt reisten. Er umfaßte zwei Etagen, wovon die untere im Vordergrund für den Hauptteil der Show allein Dave Gahan und seinem Mikrofonständer zugedacht war – immerhin mehr als 200 m? freie Fläche. Doch dem Sänger kam das sehr entgegen. Er liebte es, den Blick der Massen auf sich gebannt zu fühlen, wenn er wild oder lasziv den Platz, den die Bühne bot, mit seiner Person ausfüllte, und im Fitneßstudio schaffte er eisern die körperlichen Voraussetzungen für sein schweißtreibendes Vorhaben. In seinen Rücken ließ er sich kurz vor Tourstart noch einen riesigen Phoenix stechen. Gahan erklärte: “Es sollten meine Flügel für die Tour sein, sozusagen meine Geheimwaffe. Nach dem Motto: Wenn man es aushält, zehn Stunden lang mit einer Nadel bearbeitet zu werden, ist alles erträglich.” Bedenken über die riesige Bühnenfläche, die für den Frontman gedacht war, äußerte der frühere Pressesprecher Chris Carr, der die Ansicht vertrat, Gahan bliebe nichts weiter übrig als rastlos von einem Ende zum anderen zu laufen und “Yeah!” zu rufen. Der Sänger selbst betonte sein Unverständnis gegenüber derartiger Einwürfe und ging sogar noch einen Schritt weiter, indem er die Rolle der technisch-visuellen Seite herabsetzte und jede Wirkung allein auf die Präsenz seiner Person beschränkte. “Ich persönlich muß es durchziehen, alles andere hat keinen Sinn. Im Grunde sind wir nichts anderes als eine Rock’n’Roll-Band, aber wenn ich zwei Stunden lang eine Menge Leute glücklich machen kann, ist das schon eine Leistung für jemanden, der sonst die meiste Zeit ein mies gelauntes Arschloch ist. Es ist meine kleine Chance.” Seine übertrieben selbstgefällige Einstellung führt er später, als die Tour bereits in vollem Gange war, auf die Spitze, indem er vor einem Pressevertreter prahlt: “Ich sage dir, neulich abends hatte ich diese Idee. Ich will, daß die Security-Leute es irgendwie auf die Reihe kriegen und ich über die Köpfe der Zuschauer laufen kann. Wie wäre das, Mann? Kann Prince so etwas? Ich have viel darüber nachgedacht und fit bin ich doch auch, oder? Wenn ‘Personal Jesus’ zu Ende ist, will ich ans andere Ende der Halle laufen und wenn der nächste Titel beginn wieder beleuchtet werden – ganz nach dem Motto: Hier bin ich!” Dieser Wunsch blieb Gahan verwehrt, aber die Rolle des großartigen Performers konnte er bei jedem Konzert in vollen Zügen ausleben und such an den Reaktionen des fanatischen Publikums ergötzen. Wie kaum ein zweiter Frontman es vermag, zog er mit der ersten Konzertminute das Publikum in seinen Bann, egal ob in mittelgroßen Hallen vor 10.000 oder in Stadien vor 60.000 Zuschauern. Und es hatte etwas von göttlicher Verehrung an sich, wenn eine winzige Geste des Sängers ein synchron einsetzendes Echo aus dem Publikum erfuhr – eindeutiger als früher und auch in den folgenden Jahren, darin besteht kein Zweifel.
    Rund 120 Leute, ein Psychiater und ein Drogendealer eingeschlossen, sorgten für den reibungslosen Ablauf der Tour. Lediglich Andy Fletcher machte von den Diensten des Seelenklempners Gebrauch, doch nur ein einziges Mal bis man ihn schließlich wider feuerte. Anscheinend ist er keine große Stütze gewesen. Anders als bisher mußte nach vielen Gigs ein konzertfreier Tag für den Ab- und Wiederaufbau der monströsen Bühne eingeplant werden, vor allem, wenn die Orte weit voneinander entfernt lagen.
    Der offizielle Startschuß für den 156 Konzerte umfassenden Tour-Marathon fiel am 21. Mai  1993 im ausverkauften Züricher Hallenstadion, nachdem es zweit Tage zuvor ein Warm-up in Lille / Frankreich gab. Das Konzert in Zürich zählt sicherlich nicht zu den besten dieser Tour. Die Band soll anfangs noch unsicher gewirkt haben und erst während des mittleren Showteils richtig aufgetaut sein. Die Fans waren jedoch vom ausladenden neuen Livekonzept begeistert und erlebten so manche Überraschung im Verlauf des Konzertes. Zu Beginn war die Bühne mit transparenten Tüchern verdeckt, auf denen sich zu künstlich arrangiertem Gewitter überdimensionale Schatten der Band abzeichneten. Deutlich erkannte man Dave Gahan im Vordergrund an seiner typischen Körperhaltung. Als er schließlich nach sechs langen Minuten aus der Verhüllung heraus und an den Bühnenrand trat, verloren viele Besucher im Sekundentakt ihr Bewußtsein und mußten über die Absperrungen gehievt werden. Für “I Feel You” und die drei folgenden Songs des regulären Sets wurde ein großes Drumkit auf die untere Ebene geschoben, auf dem Alan Wilder live spielte. Die Gospelsängerinnen Hildia Campbell und Samantha Smith, die bereits im Studio als Gastsängerinnen engagiert wurden, wirkten bei mehreren Tracks als Backgroundsängerinnen mit Heute hat man sich an das Schlagzeug und stimmgewaltige Damen mit Hintergrund gewöhnt, aber vor zehn Jahren waren dies revolutionäre Neuerungen im Livekonzept der eher als Mechaniker denn als Musiker betrachteten Performer Depeche Mode. Auch Martin Gore konnte man verstärkt an seiner Gitarre erleben und – zwar nicht in Zürich aber bei einigen ausgewählten Konzerten – ein vollzähliges Streicherensemble, welches live zu “One Caress” spielte.
    Die Tour-Karawane setzte ihren Weg gen Norden für zwei Konzerte in das Brüsseler Forest National und anschließend nach Skandinavien fort. Für die kompletten Monate Juni und Juli standen dann Dates auf dem europäischen Festland an, darunter elf in Deutschland, einschließlich Zusatzkonzerte in Dortmund und Leipzig. Die verpflichteten Vorbands hatten es bei dieser Tour alles andere als leicht, mußten auch sehr häufig durch andere ersetzt werden, wenn sie das beleidigende, oft handgreifliche Publikum nicht mehr ertragen konnten und das Handtuch warfen. Man muß dazu anmerken, daß ihre Wahl weniger glücklich ausfiel, weil im Gegensatz zu vielleicht Front 242, Nitzer Ebb oder Stabbing Westward aus der Vergangenheit jede Parallele zur Hauptband fehlte. Die Mute-Labelkollegen Miranda Sex Garden waren eine davon. Ihre Violinistin Hepzibah Sessa, seit dieser Zeit mit Alan Wilder liiert, erinnert sich an die Auftritte in der Höhle des Löwen: “Die Mode-Fans sind ein ziemlich lautstartker Haufen, der gar nicht auf Vorgruppen steht. Ich wurde mit allem möglichen Zeug wie faulem Fleisch oder Rüben beworfen. Aber wir hatten trotzdem Spaß.” Als weitere Support-Acts konnten Spiritualized, Think About Mutation oder Marxman versuchen, die undurchdringliche Wand aus Pfiffen zu durchbrechen und mit faulem Fleisch oder Rüben waren Miranda Sex Garden noch vergleichsweise gut bedient.
    Während des Konzertes in der Frankfurter Festhalle am 21. Juli geschieht gegen Ende von “In Your Room” Unfaßbares, was kein Fan aus den vorderen Reihen jemals vergessen wird: Dave Gahan bewegte sich grinsend an den Rand der Bühne und sprang kopfüber in die dampfende Menschenmenge. “Ich dachte, ich mache es wie damals, als ich mit sechzehn im Oswald Park von Basildon vom höchsten Sprungbrett in den Pool sprang”, erklärte er anschließend seine, wenn man den mißglückten Versuch in Indianapolis ein Jahr später ausklammert, einmalige Anwandlung. “Ich und mein Freund Jay sprangen immer vom Sprungturm. Wir brauchten uns nur genügend Mut zuzureden und dann sprangen wir vom obersten Brett. Ich dachte nur, jemand wird dich schon auffangen – sie könnten dich in der Luft zerreißen, aber sie werden dich schon wieder aufrichten. Es ist ein seltsames, beängstigendes Gefühl: Millionen Hände an deinem Körper… sie zerren an dir, zu siehst ihre Gesichte: Die reißen dich in Stücke, sie wollen eben etwas. Jeder will etwas, nehme ich an. Dann plötzlich ist die Security da und ruft: “Wir haben dich, Dave!”… Das gab mir den größten Kick, den ich je in meinem verdammten Leben hatte.” Um einen Teil seiner Kleidung erleichtert und um eine Rockstar-Erfahrung reicher wird er mit nacktem zerkratztem Oberkörper zurück auf die Bühne geschoben. Man sieht das Glück des Moments in den geweiteten Pupillen eines Mannes, der im nüchternen Zustand stets die Distanz zum Publikum gewahrt hatte. Hätte er es nur bei dieser Erfahrung belassen und wäre er nicht den kompletten Weg des Klischee-Rockers gegangen, diese Tour hätte für alle Beteiligten einen weitaus positiveren Ausgang haben können.
    Doch das Bandgefüge lag bereits zu diesem Zeitpunkt wieder in Trümmern, eigentlich hatte sich an dieser Tatsache seit den Albumaufnahmen nie wirklich etwas geändert. Um den Bandkollegen und deren nächtlichen Exzessen möglichst weiträumig aus dem Weg zu gehen, mietete man nicht nur Hotelzimmer auf unterschiedlichen Etagen, sondern auch noch jeweils in den voneinander entferntesten Ecken des Gebäudes. Aus dem Berliner Intercontinental-Hotel wurde die Band gar rausgeworfen, nachdem pöbelnde Partygäste den Besuch der Polizei in Schutzsausrüstung provozierten. Bis auf Gore und Fletcher, die sich eine Limousine teilten, brachten drei unterschiedliche Chauffeure die Musiker vom Hotel zum Veranstaltungsort und wieder zurück. Während der freien Zeit traf man sich nicht mehr und kommunizierte lediglich auf der Bühne, das jedoch an jedem Abend perfekt. Kein einziges Mal mußten Termine verlegt oder abgesagt werden, weil es einer der Musiker zu bunt am Vorabend trieb und deshalb nicht imstande war, diese wahrzunehmen. Egal wie, Gahan, um den es hier hauptsächlich geht, war stets zur Stelle wenn es sein mußte, und er lieferte abends genau die routinierte Performance, die man von ihm erwartete. Bei den Backstage-Parties ließen er und Alan Wilder sich hingegen nur selten blicken – ob Pflicht oder nicht ist schließlich Ansichtssache. Nach dem Konzert im Crystal Palace Fußballstadion von London mit The Sisters Of Mercy als Vorband ist mal alles anders und auch der ehemalige Pressesprecher Chris Carr wird zur Aftershow-Party eingeladen. Er erinnert sich: “Es gab um die Band herum viele abgesperrte Bereichte. Eine Riesenparty draußen, für die weder Kosten noch Mühen gespart wurden und mit entsprechend durchgeknallten Gästen. […] Sonderbar war, daß Fletch auf mich zukam und sagte, das ‘Arschloch’ wolle mich sehen. Ich fragte, von wem er sprach, und er antwortete: ‘Dave, er will mit dir reden. Er hat seinen eigenen Aufenthaltsraum im Garderobenbereich, er will dich sehen’.” Carr begab sich also in die nächsthöhere Sicherheitszone und fand den Sänger in seinem wie üblich rot tapezierten Raum, außer mit einer Stereoanlage ausgestattet nur noch dekoriert von Hunderten brennender Kerzen und Räucherstäbchen. Neben reichlich Partyvolk sollen Gahans Familie und sein Sohn Jack mit im Raum gewesen sein. “Dave kam auf mich zugerannt und umarmte mich stürmisch, seine Arme waren voller Schrammen, von denen er behauptete, sie wären von den Zuschauern”, fährt Carr fort. “Solange er aufrecht stehen konnte, war er hier der Mittelpunkt… Wie auch immer, er wollte mit mir angeblich über Nick Cave sprechen, der einen Entzug gemacht hatte und sich auf Kur begeben hat.” Jetzt realisierte der alte Bekannte, wie ernst der Zustand des Sängers inzwischen war. Einen tieferen Sinn verfolgte Dave Gahan mit diesem Gespräch allem Anschein nach nicht, denn er war zu diesem Zeitpunkt weiter von einer Therapie entfernt als jemals zuvor.
    Nach dem Konzert in der Crystal Palace Bowl stand der Treck für einen Monat still. Es war wieder Alan Wilder, der diesen August 1993 mit Arbeit für Depeche Mode verbrachte. Während die restliche Band sich erholte, mischte er an verschiedenen Orten aufgenommenes Material für das Album “Songs Of Faith And Devotion Live” und den Ton für das zur Veröffentlichung als Kaufvideo geplante monumentale Tourdokument “Devotional”, wozu Anton Corbijn fantastische Bilder lieferte. Beide Werke, CD und Video, wurden dann einige Monate später in der Vorweihnachtszeit veröffentlicht. Das Album floppte, schaffte noch nicht einmal den Eintritte in die Top 40. Warum, bleibt letztendlich fraglich. In der Tat wird es das hier umgesetzte Konzept vorher noch nicht gegeben haben: Ein gutes halbes Jahr nach dem Studioalbum stellte man dessen titelsynchrone Livefassung in die Plattenläden. Natürlich entsprach dies nicht der tatsächlichen Songabfolge während der Shows und die Atmosphäre der kompletten Konzerte verlor in dieser Forms an Intensität, aber die Liveversionen gestalten sich an vielen Stellen anders; organischer, dichter und aufgrund der zusätzlichen Elemente häufig auch interessanter als ihre Originale. Die Veröffentlichung eines fast vollständigen Konzertes wie etwa auf “101”, wäre vielleicht sinnvoller gewesen. Mit etwas Geschick konnte sich der Fan aber aus “SOFAD Live” und den B-Seiten der beiden kommenden Maxi-Veröffentlichungen ebenfalls ein fast komplettes Livealbum zusammenstellen und das “Devotional”-Video gab es schließlich auch noch. “Condemnation” wurde die dritte Single aus dem Album und ist gleichzeitig die erste der oben erwähnten Auskopplungen, die auch mit Livetracks ausgestattet wurde. Die Single erschien am 13. September, einmal als leicht abgeänderter “Paris Mix” mit dem überarbeitet wiederveröffentlichen Soundtrackbeitrag “Death’s Door” und sehr guten, technolastigen Versionen von “Rush” auf der B-Seite, sowie weiterhin als “Condemnation Live”-EP mit dem Titelsong “Personal Jesus”, “Enjoy The Silence” und “Halo” – jeweils aufgezeichnet beim Mailänder Konzert drei Monate zuvor. Für Fans ein Pflichtkauf, der in England mit dem neunten Rang notiert wird. Im Clip, den Anton Corbijn selbst als seinen schlechtesten bezeichnete, wird Dave Gahan wie ein Messias zum Alter unter offenem Himmel geführt, wo bereits ein dunkelblondes Bild einer Frau darauf wartet, mit Ketten an ihn gebunden zu werden. Gore, Fletcher und Wilder stehen in Mönchsroben gekleidet und mit einer Art Bibel im Arm abseits von Geschehen.
    Wenige Tage vor der Singleveröffentlichung wurde die riesige Bühne für das erste Konzert dieser Tour in Amerika aufgebaut. Zunächst absolvierten Depeche Mode Gigs in Kanada, danach in den Vereinigten Staaten und zuletzt in Südamerika. Ingesamt 49 mal tritt die Band im Spätsommer und Herbst auf dem amerikanischen Kontinent auf, darunter allein an drei Abenden im Madison Square Garden von New York und fünf im Forum von Los Angeles, jeweils vor ausverkaufter Kulisse. Nach dem regulären Set in der Lakefront Arena von New Orleans am 8. Oktober brach Dave Gahan bewußtlos zusammen und mußte in ein Krankenhaus eingeliefert werden. Martin Gore übernahm seinen Gesangspart für die zwangsweise verkürzte Zugabe. Was tatsächlich passierte, bleibt ungeklärt, Gahan selbst sprach von einem Herzinfarkt nach Überdosis, Alan Wilder hielt as für einen “kleinen Schwächeanfall und Herzflattern”. Gore wurden die andauernden übertriebenen Parties sechs Wochen später zum Verhängnis, als er während einer Besprechung plötzlich eine Art epileptischen Anfall erlitt, kopfüber stürzte und von Krämpfen geschüttelt erst mehr als seine Stunde späte das Bewußtsein zurückerlangen konnte. Streß und Alkoholmißbrauch zeigten damals, nicht zum ersten Mal wie sich später herausstellt, ihr Spuren bei Gore, der schon zuvor angab, manchmal minutenlange Blackouts erlebt zu haben. Nach dem letzten Vorfall schränkte er sich etwas ein.
    Den Höhepunkt des ersten Teils der Amerika-Tour feierte man in Mexico-City und bevor um die Weihnachts – und Neujahrszeit drei Wochen Pause eingelegte wurden, kehrten Depeche Mode zu den letzten fünf Konzerten in Europa für die nächsten fünf Jahre auf die Britischen Inseln zurück. Am 20. Dezember schließlich lockte das europäische Tour-Finale 12.000 Fans in die Londoner Wembley-Arena, darunter eine große Zahl an deutschen Fans, die hauptsächlich, als hätten sie das halbe Jahrzehnt ohne ihre Band geahnt, in unbequemen Reisebussen via Indietours anreiste. Indietours war ein beliebtes, auf die deutsche Indieszene spezialisiertes Reseunternehmen, das leider wenige Jahre später unglücklich Konkurs anmelden mußte. Belohnt wurden die vielen, aus allen Teilen Europas “eingefallenen” Besucher mit einer teilweise abgeänderten Setlist und einer Band in Bestform. Das weitaus passivere, einheimische Publikum durfte obendrein erleben, wie man anderenorts sonst üblicherweise mit Depeche Mode feierte.
    Das Jahr 1993 schloß mit diesem Höhepunkt und die Bandgeschichte hätte eine vollständig andere Bahn eingeschlagen, wäre auch die Tournee an dieser Stelle abgeschlossen worden. Doch die Vernunft siegt nicht immer und was der weitere Verlauf nach sich zieht, wir sehr bald deutlich.

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Offline Angelinda

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« Reply #6 on: 24 March 2012 - 00:32:44 »
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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 9 auf 12]
Kapitel 9
Moved By Invidious Love
    Am 10. Januar 1994 erschien die vierte und letzte Single aus dem Album “Songs Of Faith And Devotion”, “In Your Room”. Die Vinyl- und CD-Versionen gab es in dreifacher Ausführung mit unterschiedlichen Inhalten. Das CD-Digipack zeigt ausgefaltet ein großes Kreuz und bietet neben der ab Werk enthaltenen CD Platz f:ur die zwei später veröffentlichten limitierten Ausgaben mit weiteren Mixen und Liveversionen auch älterer Songs. Der reguläre Tonträger enthält das Titelstück im rockigen Zephyr Mix sowie “Never Let Me Down Again” und “Death’s Door”, aufgenommen während der “Devotional”-Tour. Als bessere Variante kann man den neuen Mix von “In Your Room” vielleicht nicht bezeichnen, weil viel von der packenden Stimmung des Titels verlorengegangen ist, der Zephyr Mix hat jedoch mehr Drive, ist radiotauglicher und somit auch geeigneter für das Musikfernsehen. Das entsprechende Video wirkt wieder substantieller als das vorangegangene zu “Condemnation” und setzt Martin Gores im Text verschleierte S/M-Thematik subtil in Bilder um. Eine Glühbirne, wohl als Symbol für im Text erwähntes “Halflight” und bereits in der Live-Projektion der aktuellen Tournee sowie auf dem Singlecover zu sehen, befindet sich permanent im Bildvordergrund, während dahinter unter anderem die Musiker kurzzeitig festgeschnallt auf einem Stuhl gezeigt werden. MTV Amerika befindet Corbijns Interpretation des Textes zu anrüchig und verweigert die Ausstrahlung. Wahrscheinlich wäre “In Your Room” mit seinem neu gewonnenen Rockflair anderenfalls einer von Depeche Modes größten Hits in den USA geworden. Im Clip weiterhin auffällig ist Corbijns Einbindung von Symbolik und nachgestellten Szenen aus einigen seiner vorangegangenen Videos für die Band. Nach Aussagen des Regisseurs sollte dadurch eine Art Rückblick auf ihre gemeinsame Arbeit gegeben werden, denn er war sich nicht sicher, ob er aufgrund Dave Gahans schwerer Drogensucht und der daraus resultierenden ungewissen Bandzukunft jemals wieder einen Auftrag von Depeche Mode bekommen würde.
    Alan Wilder und Steve Lyon trafen sich kurz nach der Singleveröffentlichung in Mailand, um an neuen Backingtapes für die Tourneefortsetzung zu arbeiten. Für die anstehenden Konzerte in Afrika, Asien, Australien, Südamerika und dazugekommene in Nordamerika wurde die Setlist geändert, und das bedeutete wieder einen längeren Studioaufenthalt für den Perfektionisten Wilder. Der bisherige Opener “Higher Love” wich dem dynamischeren “Rush”, dem ein gänzlich neues Intro vorangestellt, das vom ersten Ton an die Konzerthallen auf Partylevel befördern sollte. Fester Bestandteil des Programms wurden zudem noch “Somebody”, ein um Gitarrenparts erweitertes “A Question Of Time” und “I Want You Now” in einer überraschend anderen TripHop-Variante. Wilder wird gerade rechtzeitig fertig, fliegt jedoch direkt von Mailand nach Südafrika, um noch pünktlich im gigantischen Standard Bank von Johannesburg anzukommen, wo am 9. Februar 1994 das erste Konzert der von “Devotional” in “Exotic” umgetauften Tour über die Bühne gehen sollte. Sechs weitere Gigs im Standard Bank folgten in den nächsten Tagen. Noch während ihres Aufenthalts in Südafrika mußte sich der Keyboarder wegen unerträglicher Schmerzen im Unterlieb in ärtzliche Behandlung begeben. Die Diagnose lautete auf Nierensteine – “Eindeutig eine Nebenwirkung, ausgelöst vom hohen Alkoholkonsum”, mutmaßte Daryl Bamonte. Nur zwei Tage später ist Alan Wilder wieder fit und Konzerte in Singapur, Melbourne, Sydney, Manila, Bangkok, Sao Paulo, Buenos Aires, Santiago de Chile sowie 15 weitere bis Mitte April schlossen sich direkt an. Ab dem 12. Mai rollten die Sattelschlepper erneut, allerdings mit etwas reduzierten Bühnenbauten, durch Nordamerika.
    Diese außerplanmäßige Sommertour durch Nordamerika wurde bereits zu Jahresbeginn beschlossen. Zwei Gründe für ihre Durchführung wurden genannt: Zum einen konnte man sich das baldige Ende dieser Dauerparty nur schwer vorstellen und außerdem hatte die Tour, aufgrund des maßlosen Luxus’, den sich die Band gönnte, bislang fast mehr Geld gekostet als sie an Gewinn abwarf. Lediglich Andy Fletcher war von vornherein gegen die dann inoffiziell “Exposure” genannte Tour. Er ahnte bereits, daß sie ein gesundheitliches Risiko darstellen würde und dazu die Band vielleicht vollständig zerrütten könnte, doch seine und die Bedenken Daniel Millers blieben unbeachtet. Noch bevor man überhaupt nach Amerika aufbrach und es zum Debakel kommen konnte, machte Fletch einen Rückzieher. Schon während der Asien-Konzerte hatte er den Spaß am Tourleben gänzlich verloren. Von wachsendem Heimweh und Einsamkeit begleitet, quälte er sich allabendlich auf die Bühne. Der Gedanke an Zusatzkonzerte bis in den Juli hinein, während seine Frau in England das zweite Kind zur Welt bringen würde, machte ihn krank, psychisch krank, wie er später erklärte: “Die Pflichten, die Fristen, die Parties und Exzesse – ich konnte nicht mehr. Ich litt unter zwanghaftem Fehlverhalten. Den Streß verdrängte ich, indem ich mir Krankheiten einbildete. Das klingt zwar furchtbar, aber ich dachte allen ernstes, ich hätte einen Gehirntumor. Ich konnte weder schlafen noch denken, litt permanent an Kopfschmerzen. Dann ließ ich Tests machen und es stellte sich heraus, daß kein Tumor die Ursache war, ich aber einen Nervenzusammenbruch erlitten hatte.” Auf Anraten seiner Bandkollegen sollte er nach Hause fahren und sich dort behandeln lassen. Fletcher nahm den Vorschlag mit Erleichterung auf und trat umgehend den Rückzug an. Als am 22. Juni sein Sohn Joseph geboren wurde, befand er sich längst auf dem Weg der Genesung.
    Der enge Vertraute und Gahan-Freund Daryl Bamonte wurde in diesem Jahr das Mädchen für alles. Nachdem er bereits den Job des Tourmanagers übernommen hatte, ersetzte er nach Fletchers Abreise den zweiten Mann hinter den Tasten. Der Zeitraum für die Auswechslung nach dem zweiten Konzert auf Hawaii war günstig, immerhin hatte Alan Wilder neun Tage Zeit, Bamonte auf seine Arbeit vorzubereiten, bevor dieser am 4. April im Olympia von Sao Paulo erstmalig als Musiker mit Depeche Mode auf der Bühne stand.
    Als die Band wenige Tage später in Chile war, ging die Nachricht vom schockierenden Selbstmord mittels Schrotflinte des Nirvana-Sängers Kurt Cobain um die Welt. Der mittlerweile kaum noch zurechnungsfähige Gahan reagierte auf seine nicht mehr nachvollziehbare Art und schrie in einem Wutanfall: “Dieser Bastard! Der hat meine Idee geklaut”. Als er sich wieder beruhigt hatte, sollen er und Gore seit langer Zeit, wenn auch mit sämtlichen Rauschmitteln im Körper, ein halbwegs fruchtbares Gespräch geführt haben, in dem der Songwriter sinngemäß verlauten ließ, die Ideen für seine Songs von Gott zu erhalten und diese sich nur über Gahans Stimme als Medium transportierten lassen würden. “Für mich war das so ziemlich das schönste, was er je zu mir gesagt hat”, meinte der Sänger. “Ich muß allerdings anmerken, daß zwischen uns gerade eine Heile-Welt-Stimmung herrschte. Und trotzdem dachte ich mir insgeheim: Vielleicht bin ich auserwählt, eine Botschaft zu überbringen, wer kann das schon sagen?”
    Dave Gahan bemühte sich mit Erfolg, die Rockband Primal Scream für den letzten Teil der Tour als Anheizer zu gewinnen. Er bezeichnete sich als Fan dieser skandalträchtigen Band aus Glasgow und er wußte, daß ihre Mitglieder etwas ähnliches unter dem Begriff “Feiern” verstanden wie er selbst. Gahan verbrachte fortan mehr Zeit mit den abgefahrenen Primal Scream-Musikern als mit seinen Depeche-Kollegen. Nächtelang zechten sie gemeinsam und für den neuen Inbegriff des Rock-Messias muß es wie eine Erleichterung gewesen sein, endliche Leute um sich zu haben, die so daneben waren wie er selbst. Die Qualität seiner Performance litt inzwischen zusehends an seiner destruktiven Lebensführung: Gahans Stimme wurde kehliger und der Gesang undeutlich, er vergaß oft die Texte, verpaßte seine Einsätze und machte anscheinend keinen Hehl mehr aus seiner Sucht, wenn er abgefüllt seinen 48kg-Körper über die Bühne steuerte. Gerüchten zufolge soll sich selbst die hartgesottene chaotische Vorband schockiert über die Dinge geäußert haben, die sie während der Tour erlebt hatte. “Kurz von den Shows klopfte es immer an meiner Tür. Entweder war es Innes, Throb oder Bobby von Scream mit der Frage: ‘Hast du was zum Aufkochen, Mr. G.?’”, entsinnte sich Dave Gahan später. “Klar gab ich ihnen, was sie wollten. Bobby konnte gut damit umgehen, er wußte zumindest, wann er aufhören mußte. Ich dagegen nicht. Mir war vorher nicht klar, daß kein anderer so hart drauf war wie ich. Scream bewiesen es mir.”
    Der Pressevertreter Andrew Perry hatte die Möglichkeit, den Großteil dieser Tour zu begleiten. Er berichtete: “Einer der Roadies wurde jeden Abend ins Publikum geschickt, um 15 bis 20 der schönsten Mädchen auszusuchen, mit denen Mode sich dann vergnügen konnten. Scream hatten immer eine Anlage und massig Platten in ihrer Garderobe. Überall waren tanzende Leute und in der Mitte saß Gahan in einem Sessel. Er zog sich so viel Koks in die Nase, daß man es mit der Angst zu tun bekam. Plötzlich fiel ihm ein, daß ich Journalist bin. Er zeigt auf mich und einer seiner Aufpasser holte mich zu ihm heran. Ich mußte mich hinknien, damit er mit mir reden konnte. Zuerst erzählte er irgendwelches Zeug, von wegen niemand verstünde ihn wirklich, aber schlagartig änderte er sein Verhalten und er zischte: “Ich werde dich verfluchen!” Und bevor ich realisierte, was los war, hatte er mich in den Hals gebissen. Er fing an zu brüllen und alle beobachteten ihn. Dann stürmte er noch immer schreiend aus dem Raum.”
    Am 8. Juli 1994 hatte der Wahnsinn schließlich ein Ende. Das letzte Konzert der inzwischen 18 Monate andauernden Tour, die mehr als zwei Millionen Menschen sahen, fand im Deer Creek Musik Center von Indianapolis statt und es endete, wie sollte es anders sein, mit dem Krankenhausaufenthalt des Sängers. Ob er von den Bühne fiel oder nochmals ins Publikum springen wollte, ist wohl nebensächlich, fest steht, daß Gahan während der Zugabe auf das Absperrgitter vor der Bühne knallte, sich zwei Rippen brach und innere Blutungen erlitt. “Es dauerte 24 Stunden, bis ich etwas spürte, so betrunken war ich. Am nächsten Tag kamen die furchtbaren Schmerzen. Ich sollte ein paar Tage im Krankenhaus bleiben, aber das wollte ich keinesfalls. Theresa und ich mieteten eine kleine Hütte am Lake Tahoe in Kalifornien und wir verkrochen uns dort. Drei Wochen mußte ich mit Bandagen leben.”
    Direkt nach dem letzten Konzert gingen die Bandmitglieder ihrer eigenen Wege. Gahan blieb in Amerika, Gore und Wilder flogen zurück nach England. Vor allem Gore und Gahan hatten anfangs Schwierigkeiten, in einem normalen Tagesrhythmus zurückzufinden. Doch während Gore sich mit Tabletten schnell Abhilfe schaffen konnte, fiel Gahan in eine tiefes Loch: “Ich war fertig, fix und fertig. Ich hatte keine Konzerte mehr, die vertrauten Leute aus meiner Umgebung waren weg. Alles, was noch geblieben war, waren die Drogen.” Theresa und er verbrachten in den nächsten Wochen jede Minute zusammen, isoliert von der Außenwelt. Kontakt zu Bekannten mieden sie zunächst, Gahan vermutete sogar in jedem Versuch Außenstehender, an ihn heranzukommen, daß diese ihn auszunutzen im Sinn hatten. Innerliche Leere und Langeweile betäubte er mit anhaltendem Drogenkonsum: “Ich dachte, ich hätte mich unter Kontrolle, konnte ab und zu mal was nehmen und meine kleine Party veranstalten. Kleine Parties, die dann schon mal bis zu einen Monat dauern konnten. Danach hing ich zitternd herum und wußte nicht, was los ist.” Das Heroin allein zeigte bei ihm keine Wirkung mehr, ohne den Stoff setzten allerdings die Entzugserscheinungen ein. Irgendwann äußerte Theresa den Wunsch nach einem Kind und ihr Mann antwortete: “Wir sind Junkies, machen wir uns doch nichts vor. Wenn man Junkie ist, kann man weder scheißen, pissen noch kommen… gar nichts. Alle Körperfunktionen geben ihren Geist auf. Man lebt in einem seelenlosen Körper, eine Hülle.”
    Um sich einen Druck zu setzen, verschanzte er sich immer im sogenannten Blauen Zimmer seiner Villa in Los Angeles, welches nur diesem einen Zweck diente. Die Dealer gingen ein und aus, Gahan stand nie auf dem Schlauch. Nach seinem Eintzug sagte er: “Ich hatte endlos viel verdammte Kohle. Die Dealer kamen zu mir. Erst im letzten Jahr fingen sie an, mich zu meiden. Wenn ich drauf war, bin ich des öfteren in Schwerigkeiten geraten, was öffentlich bekannte wurde. Deshalb wollten sie irgendwann nichts mehr mit mir zu tun haben.”
    Als Martin Gore am 27. August 1994 seine Lebensgefährtin Suzanne heiratete, sah und hörte er Dave, der in Begleitung seiner Primal Scream-Kumpels zur Feier erschien, zum letzten Mal für lange Zeit. Kurz darauf, am 1. September, geht die Nachricht durch die Medien: “Musiker von Depeche Mode bei Flugzeugabsturz beinahe ums Leben gekommen.” Es ging um Alan Wilder, der inzwischen geschieden war und nicht etwa selbst in einem verunglückten Flugzeug saß, sondern mit seiner Freundin Hepzibah von Miranda Sex Garden auf einer Landstraße in Richtung Loch Earn unterwegs war, als plötzlich ein Tornado im Tiefflug auf sein Cabrio zudonnerte. Wilder lenkte schnell ins Feld und Sekunden später hagelten kleine Teile des Flugzeugs auf ihre Köpfe. In nur 180 Metern Entfernung ging es in Flammen auf, Körperteile der beiden verunglückten Piloten lagen überall verstreut. Da dies nicht sein erstes traumatisches Erlebnis mit Flugzeugen war, gab Wilder an, für den Rest seines Lebens die Nase vom Fliegen voll zu haben.
    Unterdessen glitt dem Sänger die Kontrolle über sich vollständig aus den Händen. Selbst wenn sein Sohn zu Besuch nach L.A. kam, konnte er sich nicht mehr zusammenreißen und er mußt seine Mutter bitten, ihn bei der Betreuung zu unterstützen. An einem Abend, als beide schliefen, setzte er sich im Wohnzimmer einen Schuß und verlor das Bewußtein. Als er am nächsten Tag zu sich kam, fand er sich in seinem Schlafzimmer wieder und seine ersten Gedanken galten dem Stoff und Spritzbesteck, welche er im anderen Zimmer hatte liegenlassen. Seine Mutter hatte es bereits weggeworfen und das Häufchen Elend konnte nicht anders, als vor den Augen seiner Familie mehrere Müllbeutel in der Küche zu entleeren und zu durchsuchen, bis er fand, was er brauchte. Seine Sucht ließe sich nicht mehr verbergen. Als ihn sein Sohn noch am selben Tag zugedröhnt mit offenen Wunden auf dem Boden des Badezimmers sieht, wird Gahan für einen Moment bewußt, daß er sterben würde, wenn er sich nicht in den Griff bekommt. Mit Beginn des Jahres 1995 startet er einen halbherzigen Versuch, clean zu werden. Er begibt sich für sechs Wochen in eine Klinik nach Arizona und schafft den Entzug, bleibt anschließend in ärztlicher Behandlung und besucht Selbsthilfegruppen. Es dauerte jedoch nicht lange und Gahan wurde wieder rückfällig, aber konsumierte anfangs nur heimlich. Er belog andere und täuchte vollständig abgedichtet und lallend wieder auf mit der Bemerkung: “Ich habe es geschafft, dreißig Sekunden lang clean zu sein.”
    Mehrmals hatte er versucht, seine Grau zu überreden, mit ihm gemeinsam den Entzug duruchzustehen und ohne Drogen zu leben, weil dies parallel für beide Seiten einfacher gewesen wäre, doch ihr Zustand war stabiler und sie sah ganz einfach keinen Grund dafür. Die Ehe war auch längst zerbrochen. Nach Gahans letzten Rückfall bekundete Theresa Conway erneut, wie leid sie es war, andauernd seinen zitternden Körper vom Boden aufzulesen und die Scheidung folgte nicht unerwartet kurze Zeit später.
    Gahans Leben wurde dadurch nicht einfacher. Jetzt war er pausenlos von Junkies umgeben, die bei dem reichen Popstar hausierten und ihm Gegenzug für Drogen ihre Gesellschaft boten. Schmarotzend nutzten sie jede Gelegenheit, ihren Wirt zu beklauen. Oftmals erwachte er, um Geld, Stoff oder Teile der Wohnungseinrichtung erleichtert, aus seinem Rausch. In einer anderen Nacht brach er nach einem Besuch bei seiner Dealerin in deren Vorgarten zusammen. Als er wieder zu sich kam, war er bis auf die Unterwäsche entkleidet, seine Brieftasche, Uhr, Schmuck und Stoff waren verschwunden. Mit den 400 Dollar, die er in einem Strumpf versteckt hatte, ging er zurück zum Haus und investierte sie in Heroin. Die Frau im Türrahmen trug seine Uhr am Arm.
    De materiell größten Verlust erfuhr Dave Gahan im August 1995 umgehend nach seiner Rückkehr aus seinem ersten, komplett ausgestandenen Entzug. In seine kalifornische Villa wurde nicht nur eingebrochen, sie war leer, komplett ausgeräumt. Die Diebe ließen weder Fernseher, noch Equipment aus dem Tonstudio oder die zwei Harley Davidsons aus der Garage zurück, selbst das Besteck wurde gestohlen. Die Alarmanlage mußte zuerst außer Betrieb, nach der Räumung wieder aktiviert worden sein, was Gahan zu der Erkenntnis führte, daß hier jemand aus seinem engsten Kreis an Vertrauten die Fäden zog, weil niemand sonst die Zahlenkombination kannte und dies womöglich einen Racheakt für seine geplante Rückkehr in ein geordnetes Leben darstellen sollte. “Das wirkte alles so unheimlich. Wie in einem dieser abgefuckten L.A.-Streifen, nur mit mir selbst als Hauptdarsteller”, erinnerte er sich später an diesen Tag. “Ich dachte mir nur: ‘Du solltest verdammt noch mal nicht hier sein. Wenn ich anderen wieder ein würdiges Leben führen’.” Gahan suchte daraufhin sein Apartment im Sunset Marquis von Los Angeles auf und rief seine Mutter an, um ihr mitzuteilen, daß er gerade erfolgreich einen Entzug hinter sich gebracht hatte. Die Reaktion der einzigen Person, von der er glaubte, ihn noch zu lieben, war dann der Auslöser für den verzweifelten Hilfeschrei, der sich anschloß. Sie glaubte ihm kein Wort, meinte gar zu wissen, ihr Sohn hätte sich zu keinem Zeitpunkt professionell helfen lassen und ließ ihn dies unmißverständlich spüren. Gahan verpaßte sich einen Druck, ging in sein Badezimmer und schnitt sich die Pulsadern auf. Zwei Jahre danach versicherte der Sänger, daß er wußte, jemand würde kommen und ihn finden. Und so war es auch. Ein Freund traf kurz bevor Gahan das Bewußtsein verlor ein, sah dessen blutverschmierte, mit Stoff unwickelten Arme und wählte 9-1-1. Zeit für eine Betäubung blieb nicht mehr, mittlerweile hatte er auch zu viel Blut verloren und so nähten die eingetroffenen Notärzte die fünf Zentimeter lange Schnittwunde am Handgelenk an Ort und Stelle. Seine Retter sagten bloß: “Du dämlicher Kerl, nicht du schon wieder”. Tatsächlich nannte dieses Ärzteteam aus Hollywood Gahan schon ‘The Cat’, denn sie kannten ihn bereits von mehreren anderen Notfällen, die in unmittelbarem Zusammenhang mit dem Sänger standen. Er erzählt: “Am nächsten Morgen erwachte ich festgeschnallt in der Gummizelle einer psychiatrischen Anstalt. Zuerst glaubte ich, tot zu sein, doch dann kam dieser Nervenklempner rein und erklärte mir, daß der Selbstmord in Kalifornien strafbar sei. Ich wurde also nur festgehalten, weil ich versuchte mein Leben zu beenden. Heute bin ich froh, darüber lachen zu können.” Nach einigen Tagen in einem sterilen Raum, nur mit einem Bett ausgestattet, ließ man ihn wieder auf freien Fuß. Etwa zeitgleich erreichte die Nachricht über Gahans gescheiterten Suizid die Medien. In diesem Sommer ist es die zweite DM-Schreckensmeldung für Fans, die ab diesem Zeitpunkt wohl endgültig die Hoffnung auf ein neues Album verloren hatten.
    Doch von der anderen elementaren Sache, Depeche Mode betreffend, bekam Dave Gahan so gut wie nichts mit. Wahrscheinlich interessierte es ihn auch nicht mehr. Alan Wilder hatte wenige Wochen vor dem Selbstmordversuch des Sängers Depeche Mode den Rücken gekehrt: “Ich bat um ein Meeting im Büro, um ihnen mitzuteilen, daß ich die Band verlassen würde”, erklärt Wilder. “Eigentlich wußte ich bereits während der Tour, daß ich aussteigen wollte, doch ich gab mir noch sechs Monate Bedenkzeit, um eine Fehlentscheidung zu vermeiden, aber auch danach sah ich die Situation nicht anders. Dave konnte ich nicht bitten, zum Meeting einzufliegen, also versuchte ich, ihn anzurufen. Er war nie erreichbar und rief auch nicht zurück. Ich schickte ihm eine Fax, auf dem ich meinen Entschluß verdeutlichte, und wünschte allen viel Glück.” Während Fletcher den Ausstieg nach Wilders Auffassung als persönliche Beleidigung ansah, reagierte Gore gelassen und gab Wilder die Hand. Wahrscheinlich hatte er sogar damit gerechnet, denn der Mißmut des Soundspezialisten war seit längerer Zeit spürbar. Anfang Juni 1995 konnte man in folgender Pressemitteilung lesen:
    “Aufgrund zunehmender Unzufriedenheit über bandinterne Belange und Arbeitsweisen gebe ich mit Bedauern mein Ausschieden aus der Gruppe Depeche Mode bekannt. Diese Entscheidung fiel mir schwer, vor allem weil die letzten Alben bewiesen haben, wie viel Potential in Depeche Mode steckt. Seit meinem Eintritt im Jahr 1982 trug ich stets mit großer Begeisterung, Energie und Verantwortung dazu bei, den Erfolg der Band voranzutreiben, bei zumeist ungerechter Verteilung der Arbeit. Meine Bemühungen wurden weder entsprechend gewürdigt noch überhaupt registriert. Obwohl ich der Meinung bin, daß sich die Qualität unserer Musik stets verbesserte, verschlechterte sich unsere zwischenmenschliche Beziehung so drastisch, daß das eine sich nicht mehr durch das andere kompensieren ließ. Es liegt mir fern, bestimmte Personen beim Namen zu nennen. Tatsache ist, daß es zu ernsten, zunehmend frustrierenden und letztendlich untragbaren Spannungen gekommen ist.
    “Unter diesen Umständen blieb mir keine andere Wahl, als die Gruppe zu verlassen. Für mich war es sehr bedeutend, diesen Entschluß an einem Zeitpunkt zu treffen, während dem ich noch motiviert bin, meine Begeisterung und Leidenschaft für Musik noch nicht verloren habe und ich mich auf die Arbeit an neuen Projekten freuen kann.
    “Den verbleibenden Bandmitgliedern wünsche ich alles Gute für ihr zukünftiges Schaffen, ob gemeinsam oder im Alleingang.”
    Auch jetzt, als zum zweiten Mal in der Bandgeschichte ein wichtiges Mitglied das Handtuch wirft, bleiben pessimistische Diskussionen um dem Fortbestand von Depeche Mode aus. Wahrscheinlich hat Alan Wilder mit seiner Behauptung recht, er wäre permanent von den anderen unterschätzt worden, denn es mutet schon etwas eigenartig an, daß der Weggang des einzigen klassischen Musikers kaum als Gefährdung für die Band angesehen wurde. Daniel Miller spann den Faden noch etwas weiter: “Es war so, daß Dave Alans Arbeit schätzte, Fletch sie herunterspielte und Martin in seiner eigenen Welt lebte und gar nicht darüber nachdachte. Esgeht hier auch nicht nur um den musikalischen Aspekt, Alan machte sich die Mühe und überprüfte viele Dinge, hörte sich Cuts an, begutachtete Artworks und so weiter. Alles, was mit der Band zu tun hatte, interessierte ihn. Ich meine, daß auch finanzielle Aspekte eine Rolle spielten. Fletch und Alan verdienten gleicht viel. Alan hatte das Gefühl, viel mehr Arbeit zu verrichten als Fletch und Fletch dagegen fühlte sich von Alan unterbewertet. Ich möchte allerdings ausdrücklich betonen, daß niemand direkt mit der Vermutung an mich herantrat, die Finanzen seien der Grund für den Ausstieg gewesen, ich hörte davon nur aus zweiter Hand. Martin verdient als Songwriter natürlich am meisten, das wurde auch von allen akzeptiert. […] Keiner in der Band wagte jemals, zu behaupten, diesen oder jenen Teil eines Songs geschrieben zu haben. Verlagsangelegenheiten führen bei Band häufig zur Trennung, und was die Rolle Martins anbelangt: Alle hatten großen Respekt vor ihm und wußten um seine große Bedeutung.”
    Alan Wilders erstes Album nach der Trennung, weiterhin unter dem bisherigen Projektnamen Recoil, erschein 1997 mit dem Titel “Unsound Methods”, das zweite und bislang letzte namens “Liquid” knapp drei Jahre darauf. Sein Stil unterscheidet sich mittlerweile stark von Depeche Modes. Er experimentierte viel mit Stimmen, Klang und Klangwirkung. Harmonie und Melodie, häufig Voraussetzung für Eingängigkeit und unbeschwerten Konsum, sind bei Recoil nicht die maßgebenden Komponenten. An den Erfolg der letzten Veröffentlichungen von Depeche Mode reichten beide Alben auch nicht annähernd heran. Doch Wilders musikalische Intention ist nicht am Markt ausgerichtet. Die Musik hat für ihn wieder den Charakter eines Hobbys und er erreicht eine kleine Gruppe anspruchsvoller Hörer, die sie auch schätzt oder zu verstehen in der Lage ist. Diskussionen über die Umsetzung der Songs von Depeche Mode seit seinem Weggang gab und gibt es immer wieder. Auch wenn es unmöglich ist, zu wissen, wie die Songs unter der Mitwirkung Alan Wilders geklungen hätten, bleibt anzumerken, daß kein Anhänger der Band ernsthaft glaubt, sie wären durch seine Mitarbeit schlechter geworden. Häufiger konnte man hingegen Stimmen vernehmen, die die Abwesenheit des Musikers bei der Studioarbeit seitdem überaus deutlich herauszuhören meinen und Wilders geschärften Sinn für kleine elektronische Details ebenso wie seinen Hang zum komplexen Sound-Bombast schmerzlich vermissen. Wilders Part im Studio war längst der wichtigste geworden, was das finale Klangbild eines Albums von Depeche Mode anbelangt, und mit gleicher Sicherheit kann gesagt werden, daß “Ultra” und “Exciter”, die zwei Alben ohne ihn, anders arrangiert worden wären als sie es unter dem Haupteinfluß von Fremdproduzenten schließlich wurden, in welche Richtung bleibt offen. Dem Erfolg der Band haben die Alben allerdings nicht geschadet und sollte Alan Wilder jemals angenommen haben, Depeche Mode würden ohne ihn nicht mehr funktionieren, bleibt nichts anderes als die Erkenntnis, daß er sich getäuscht hat.
    Im Spätsommer 1995 traf sich die verbliebene dreiköpfige Band nach einem kompletten Jahr ohne große Gedanken an Depeche Mode, um über ihre unmittelbare musikalische Zukunft zu beraten. Martin Gore konnte wenigstens eine Handvoll neuer Songs vorweisen und so stellte man sich die Frage, ob jeder einzelne körperlich und geistig bereits in der Lage wäre, ein neues Album aufzunehmen. Man entschied sich vorerst dagegen. Daniel Miller schlug vor, daß das erste Ziel sein sollte, ein Best Of Album, den Nachfolger zu “The Singles 81-85” mit zwei ganz neuen Stücken, aufzunehmen. Der Druck war also sehr gering, und sollte mehr bei diesen Sessions herauskommen, hätte noch immer ein ganzes Konzeptalbum in Angriff genommen werden können. Im kommenden Jahr wollte man in die Arbeit einsteigen.
    Für Dave Gahan waren die Pläne nicht etwa Grund genug, ein Leben ohne Drogen anzustreben. Nach kurzen Phasen des Verzichts stürzte er sich in immer heftigere Exzesse, irgendwann spritzte er täglich. “Nach jedem Schuß brauchte ich mehr und die Anstände wurden immer kürzer, ich konnte einfach nicht genug kriegen”, blickt er zurück. “Ich mußte weitermachen, bis ich bewußtlos war. Dar was nicht nur mein Problem, sondern es ist das eines jeden Süchtigen: Nicht zu wissen, wann man aufhören muß. Ich wußte es nicht, rutschte immer schneller den Abgrund hinunter.” Irgendwann erreichte er einen Zustand, wo er sich praktisch Wasser spritzte, wenn kein Stoff zu bekommen war: “Ich drückte die letzten Reste aus dem Wattebäuschen, was auch immer das dann war, nur um irgend etwas in der Spritze zu haben. Ich brauchte mittlerweile sogar das Ritual des Fixens. Wenn ich heute zurückschaue, muß ich feststellen, daß mir nur noch die Drogenbeschaffung den Kick brachte, der Stoff selbst zeigte keine Wirkung mehr. Das große Ding war, etwas zu bekommen, ohne daß mir der Kopf weggeblasen wurde.”
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Offline Angelinda

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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 10 auf 12]
Kapitel 10
Kill The Pain
    Sorgen von ganz anderem Gewicht hatten Anfang 1996 Martin Gore, Andy Fletcher und Daniel Miller, die sich Gedanken um die Besetzung des Produzentenpostens für das geplante neue Material von Depeche Mode machen mußten. Flood schied von vornherein aus, weil ihm die Arbeit am letzten DM-Album “Songs Of Faith And Devotion” noch in reger Erinnerung war und er ein derartiges Chaos keinesfalls ein zweites Mal erleben wollte. Auch mußte der zukünftige Produzent die Rolle Alan Wilders mittragen, die Band und ihre Musik also möglichst gut kennen. Miller meinte, in Gores ersten Demos einen Ansatz von Dancemusic herauszuhören und schlug den DJ und Produzenten Tim Simenon von dem relativ bekannten Projekt Bomb The Bass (größter Hit “Beat Dis”, 1988) vor. Da der Band auch das von ohm produzierte Album “Shag Tobacco” des ehemaligen Virgin Prunes-Musikers Gavin Friday ausgesprochen gut gefiel und Simenon sich zudem selbst als langjährigen Fan von Depeche Mode bezeichnete, wurde er zu Probesessions eingeladen. Es war nicht seine erste Arbeit für die Band, wohl aber die erste mit ihr. Er fertigte in der Vergangenheit bereits einen Remix für “Strangelove”, der ursprünglich auf der amerikanischen “Strangelove”-Maxi (1988) und später auf der Single “Everything Counts Live” erschien, an und war an weiteren Remixarbeiten wie beispielsweise “Enjoy The Silence” (The Quad: Final Mix)” beteiligt.
    Im Eastcote-Studio in London traf man sich schließlich zu den ersten lockeren Sessions. Die Umstände waren ungewohnt ohne Alan Wilder, und die meiste Zeit blieb auch der Sänger David Gahan fern. Infolge dessen wurde die Ziele vorerst nicht sehr hoch gesteckt. Schell wurde klar, daß Simenons technisches Verständnis nicht ausreichend war, um Wilder vollständig zu ersetzen. So arbeitete neben dem Produzenten bald auch seine angestammtes Studio-Triple “T.O.Y.”, bestehend aus Q (Engineering), Kerry Hopwood (Programming) und Dave Clayton (Keyboards), anstelle des ausgeschiedenen Wilder. “Ich weiß, was man mit Computern machen kann und arbeite mit Leuten zusammen, die sich gern mit Gebrauchsanweisungen beschäftigen und stundenlang vorm Computer sitzen können”, äußerte sich Tim Simenon über sein Team. “Ich mach Vorschläge und sie suche nach entsprechenden Sounds. So mache ich schon immer Musik.” Fletcher und Gore zeigten sich sehr zufrieden mit dieser neuen Konstellation, Gore meinte sogar, damit die bequemere Variante gefunden zu haben, weil die maßgebenden Personen “besser zu manipulieren seien als Alan”. Auch verbrachte der bisher für Passivität und Desinteresse, sobald an seinen Songs mühevoll und wochenlang gearbeitet wurde, bekannte Songwriter mehr Zeit als üblich in produktiver Studioaktion, was sich mehr durch seine direkte körperliche und geistige Anwesenheit ausdrückte als durch harte Arbeit an den Maschinen: “Martin diskutiert nicht viel über Musik”, erklärt Simenon. “Ich versuchte ständig, mit ihm darüber zu reden, ein Feedback zu bekommen. Aber wenn ihm etwas gefiel, sagte er gar nichts. Wenn etwas nicht in Ordnung war allerdings schon. Er schlug dann etwas anderes vor.”
    “Home” war der erste Song, den Martin Gore nach der Tour geschrieben hatte, doch ein musikalisches Gesicht erhielt er als einer der letzten. Nach sechs Wochen waren drei andere Songs, die “Sister Of Night”, “Useless” und “Insight” heißen sollten, so gut wie fertig, lediglich der Gesang fehlte – wie üblicherweise in diesem Produktionsstadium. Es folgte eine kurze Pause, während dieser auch “Barrel Of A Gun” geschrieben wurde, und als die zweiten Sessions in London zu Ende gingen, waren sechs Songs bereit für ihre letzten Komponenten, die Gesangsparts. Man kam zügig voran, wie man zunächst meinte, mußte sich aber bald korrigieren, Dave Gahan erklärte, es satt zu haben, ständig nach England fliegen zu müssen und so beschloß man unter allgemeiner Zustimmung, für die Aufnahmen des Gesangs in die USA zu wechseln, um den Sänger zu entlasten. Der anfängliche Optimismus trübte sich schon kurz nach den ersten katastrophalen Resultaten, die Gahans geschundene Stimmbänder und sein schwacher körperlicher Allgemeinzustand hervorbrachten. Der Sänger: “Neunzig Prozent der Zeit stand ich unter Drogen, die restliche ging es mir schlecht wegen des Entzugs. Mir wurde zunehmend bewußt, daß ich nicht die Kraft hatte, länger als eine Stunde vor dem Mikro zu stehen, ohne daß ich mich dann hinlegen und sterben wollte.” Ganze zehn Tage brauchte man allein für die Aufnahmen der Lyrics von “Sister Of Night”, die schließlich aus verschiedenen Takes zusammengefügt wurden “Ich kann hören, wie verängstigt ich war. Ich bin froh, daß es den Song gibt, er wird mich immer daran erinnern”, erzählte Gahan nach der Albumveröffentlichung. Mehrmals unterdrücken alle Beteiligten den Gedanken, die Aufnahmen abzubrechen, einmal standen sie kurz davor. Gore kam in seiner Frustration damals irgendwann in den Sinn, die Songs auf einem Soloalbum zu veröffentlichen, doch er wollte dem kranken Sänger noch eine letzte Chance geben: Er sollte umgehend nach Hause fahren, sein Problem in den Griff bekommen und sich dann einen Gesangslehrer nehmen. Gore und Fletcher reisten zurück nach England, Simenon und seine Techniker arbeiten an und mit Gahans Stimme.
    Seinen zweiten wirklichen, mehrere Etappen umfassenden Entzug überstand der Sänger und die engagierte Gesanglehrerin Evelyn Halus gab ihr Möglichstes, auch seiner Stimme wieder Kraft zu geben: “Sie war eine nette Person. Es war schön, sie im Studio anwesend zu wissen”, erinnert sich Simenon. “Wir schafften während dieser Session sogar einen Gesangspart, den für ‘It’s No Good’. Dann brach der Wahnsinn aus.” Obwohl erst wenige Tage clean, jedoch wegen der vielen Rückschlage in den vergangenen Tagen im Studio verstört und gedemütigt wie nie zuvor, stürzte sich Gahan “in das schlimmste Drogenlage aller Zeiten”, wie er später erklärte. Er wurde ein Junkie mit Todeswunsch, checkte im Sunset Marquis in L.A. ein und spritze sich erneut sogenannte Speedballs, eine bei langjährigen Usern häufig favorisierte Mischung aus Heroin und Kokain, die über die Wirkungen der einzelnen Drogen hinausgeht. “Es war besonders starkes Heroin namens Red Rum, an dem bereits eine Menge Leute gestorben waren,” meinte Gahan ein Jahr später. “Ich dachte zuerst, dies wäre der Name eines Rennpferds oder so, bis mir jemand erklärte, daß man den Namen rückwärts lesen muß und es ‘Mord’ heißt.”
    In der Nacht zum 28. Mai 1996, genau um 1.15 Uhr, ging der Notruf ein. Eine junge Frau, die ihren Naman nicht nannte, jedoch wahrscheinlich kurze Zeit zuvor in Gahans Apartment beobachtete, wie dieser sich einen überdosierten Speedball verabreichte und die Versuche eines ebenfalls anwesenden Dealers, ihn daraufhin wieder zu Bewußtsein zu führen, fehlschlugen. Nach wenigen Minuten hörte Dave Gahans Herz auf zu schlagen und seine Hände und Arme begannen sich langsam blau zu färben. Etwa gleichzeitig tragen die Rettungskräfte ein. Als er später die Geschehnisse verarbeitet hat, berichtet er unter anderem, was ihm ein Sanitäter über jene Nacht erzählte: “Ich bekam die komplette Pulp Fiction-Packung und mein Herz begann wieder zu schlagen. Ich erinnere mich ihn verloren. ‘Ich weiß auch, daß zuvor alles schwarz wurde und ich Angst bekam. Ich dachte nur: Das ist nicht richtig, das darf nicht wahr sein. Ich war der Meinung, ich hätte alles unter Kontrolle, könnte selbst bestimmen, wann Dave stirbt, so daneben war ich. Als ich aufwachte, war ich mit Handschellen an einen Polizisten gefesselt, der mir meine Rechte vorlas.”
    In einem Zeitungsbericht hieß es: “In der vergangenen Woche ist Dave Gahan zum zweiten Mal in weniger als einem Jahr nur knapp dem Tode entkommen. Aufgrund des Notrufs am 28. Mai um 1.15 Uhr einer jungen Frau, die vorgab, seiner Zimmergenossin zu sein, verschafften sich Beamte des Sheriff-Departments von West Hollywood gewaltsam Zugang zu Gahans Apartment im Sunset Marquis Hotel von Los Angeles. Sie fanden den 34jährigen Sänger von Depeche Mode bewußtlos im Badezimmer. Weiterhin entdeckte die Polizei größere Mengen einer Substanz, die sie für eine Mixtur aus Kokain und Heroin hielten, ebenso Spritzbesteck.”
    Gahan wurde umgehend in die Notfallambulanz des Cedars Sinai Krankenhauses gebracht. Dortige Mitarbeiter bestätigten, daß er wegen einer Überdosis behandelt wurde. Während seines Aufenthalts stand er bereits unter Polizeiaufsicht und direkt nach seiner Stabilisierung im 8.30 Uhr folgte die Verhaftung wegen Drogenmißbrauchs und der Abtransport ins Gebäude des Sheriffs von West Hollywood. Mehrere Fakten sprachen gegen einen erneuten Selbstmordversuch. Mit großer Wahrscheinlichkeit war sein Körper nach dem aus zwölf Schritten zusammengesetzten Entzugsprogramm nicht in der Lage, die starken Drogen zu verkraften, und die rund zwei Minuten Zustand klinischen Todes sind als ein Unfall zu werten. Zwei Tage mußte Gahan im Gefängnis verbringen, danach kam er bis zu seiner Verhandlung, angesetzt für Februar 1997, auf freien Fuß. Eine Videoaufnahme, die unmittelbar im Anschluß an seine vorläufige Freilassung entstand, zeigt ihn in einem erbärmlichen Zustand mit verspiegelter Sonnenbrille und blutiger Schramme auf der rechten Wange in Jonathan Kesslers Wagen. In einem kurzen, schwer verständlichen Statement wurde klar, daß er nicht mehr der Dave Gahan war, der zwei Jahre zuvor auf der Bühne überzeugend den reinkarnierten Jesus mimte. In unvollständigen wirren Sätzen erklärte er erstmalig öffentlich, heroinabhängig zu sein, aber am Leben bleiben zu wollen. Deutlich Reue zeigend, entschuldigte er sich bei seinen Fans und bei seiner Mutter.
    Die Medien stürzten sich auf diese Sensationsmeldungen wie Geier. Die Berichte über das Drogenwrack und dessen kurzzeitigen Tod waren zahlreicher und ausführlicher als sie jemals zu irgendeiner Tournee oder einem neuen Album der Engländer gewesen waren. Mit einem Schlag waren Depeche Mode wieder hochinteressant und selbst die Sunday Times widmete ihnen eine Doppelseite. Dave Gahan versuchte in den ersten Interviews, seine düstere Vergangenheit ausführlich auszubreiten in der Hoffnung, daß der Rummel sich bald wieder legen würde und die Musik und Band in den Vordergrund treten, aber jeder einzelne Journalist wollte die Story aus erster Hand erfahren und die meisten Artikel schilderten breit und schockierend den Sumpf, aus dem Der Depeche Mode Frontmann um Haaresbreite nicht mehr lebend entkommen wäre. Promotionszwecken war dies sicher dienlich, doch aus künstlerischer Sicht eher traurig.
    Gahans umgehend freiwillig angetretene Therapie wirkte zwar strafmildernd, doch das über ihn verhängte Urteil schrieb vor, daß zwei Urinproben pro Woche über einen Zeitraum von zwei Jahren nicht die geringsten Spuren irgendeiner illegalen Substanz aufweisen dürften, damit er seine Freiheit behalten konnte. Sollte sich eine Test als positiv herausstellen, würde er zwei Jahre hinter Gittern verbringen müssen. Gahan begab sich in die Entzugsklinik Exodus, in der sich unter anderem schon Kurt Cobain und Shannon Hoon, der Sänger von Blind Melon – beide jedoch erfolglos, wie ihr späteren Selbstmorde zeigten, behandeln ließen. Die ersten fünf Tage des Programms waren nach Angaben des Sängers die schlimmsten. Festgeschnallt und rund um die Uhr bewacht, quälten ihn Anfälle im Stundentakt, so heftig waren die Entzugserscheinungen. Danach folgten die Gruppensitzungen. “Zum ersten Mal hörte ich wirklich zu, das war der Unterschied”, sagte er ein einem dieser Interviews, die er vielleicht besser nie gegeben hätte. “Ein Süchtiger denkt, daß die Welt ihn ausgeschlossen hat und er komplett allein ist. Dort wird einem dann vor Augen geführt, daß es vielen Menschen, mit den verschiedensten Lebensläufen, genauso geht wie einem selbst. Im Exodus wurde mir erst richtig bewußt, daß dieser ganze Scheiß mein Leben zerstört hatte. Er hat mir meine Seele geraubt und einen verdammten, leeren Körper zurückgelassen. […] Wie zum Henker bin ich überhaupt in diesen Schlamassel geraten, könnte man fragen. Doch wenn man mit dem Teufel ist. […] Sollte es einen Gott geben, hat er mich von diesem Zeitpunkt an verlassen und ich blieb als wandelnde Hülle zurück, so hat es sich jedenfalls angefühlt. Ich konnte mich nicht einmal mehr im Spiegel betrachten. Sofern Drogen und Alkohol Gaben Gottes sind, habe ich meinen fairen Anteil bekommen.  Doch anstatt sie über mein ganzes Leben zu verteilen, habe ich sie in kurzer Zeit aufgebracht. Manchmal ist es etwas langweilig, aber ich möchte heute nicht mehr sterben. Vor sechs Monaten war ich bereit dazu, das Handtuch zu werfen.”
    Gahan lebte eine Zeitlang in einem Heim für Exsüchtige und zog anschließend nach New York. Drogen hat er seitdem nie wieder angerührt. Zudem ist er trockener Alkoholiker, nicht zuletzt weil der Alkohol nach wie vor seine Hemmschwelle härteren Stoffen gegenüber herabsetzen könnte.
    In der Zwischenzeit hatte man in den Londoner Abbey Road Studios die Arbeit wieder aufgenommen und auch Dave nahm jetzt regelmäßig an den Aufnahmen teil. Die Atmosphäre war entspannter als zuletzt. Man spürte, daß es voran ging und an einer positiven Sache gearbeitet wurde. Gareth Jones, ein alter Bekannter von früheren Produktionen, sowie die Gesanglehrerin waren bei den Aufnahmen des Gesangs zugegen. Als weitere Gastmusiker fungierten unter anderem Jaki Liebezeit (Percussions für “The Bottom Line”) Keith Le Blanc (Drums für “Useless”), Danny Cummings (Percussions für “Useless” und “Freestate”) und Daniel Miller, der bei “Uselink” seit langem mal wieder selbst zum Synthesizer griff. Nach nur einem Monat war die Stimme weitgehend im Kasten. “Die Vocals, die Dave auf dieser Platte abgeliefert hat, sind fantastisch”, meint Andy Fletcher. “Damals, als er krank war, riet man uns, einen neuen Sänger zu suchen und ihn rauszuschmeißen. Aber Dave wäre auch nie zur mir gekommen und hätte gesagt, Gore sei Scheiße und wir bräuchten einen neuen Songwriter. Seine Stimme und Martins Songs machen Depeche Mode aus.” Nach dem Feinschliffe im Spätherbst wartete das neue Album mit dem Titel “Ultra” auf seine Veröffentlichung im nächsten Jahr.
    Als Appetitmacher erschien am 3. Februar 1997 die Single “Barrel Of A Gun”. Die Aufregung war gewaltig, als die Videopremiere fast zwei Wochen vor dem Release breit angekündigt über die Musikkanäle flimmerte. “Barrel Of A Gun” wirkte zunächst ungewohnt hart in seiner komplexen Gestalt hinter amerikanisch-industriell anmutender Geräuschkulisse und Gahans leicht verzerrter Stimme, doch die Fans, die sich in den vorangegangenen gut drei Jahren mit Live- oder Remix-CDs vom riesigen Bootlegmarkt zufriedengeben mußten, waren erleichtert, überhaupt wieder etwas Neues zu hören. Und wie schon zuletzt bei den Titeln auf “Songs Of Faith And Devotion” dauerte die Skepsis nur wenige Hördurchgänge an bis diese Single in kurzer Zeit zum DM-Meilenstein avancierte. Der wirkungsvolle Videoclip mit surrealen Szenen, die Dave Gahans Irrweg der letzten Jahr thematisieren, zählt zu Anton Corbijns bekanntesten Videos aller Zeiten. Man erinnere sich nur an die bemalten Augenlider und den mit vielen kleinen Glühbirnen besetzten weißen Fellmantel, worin sich der Sänger durch ein Labyrinth tastete. Zum Text von “Barrel Of A Gun” erklärte Martin Gore, daß erstmalig nicht ausschließlich seine Sichtweise in Worte gefaßt wurde, sondern Daves Erlebnisse eine tragende Rolle spielten.
    Mit einem sensationellen Neueinstieg auf Platz drei der deutschen Singlecharts und Top Five-Plazierungen auf der ganzen Welt übertraf diese erste Single aus “Ultra” alle Erwartungen. Trotz des langen Zeitraumes ohne neue Songs erwachte die Fanbasis zeitgleich aus ihrem Schlaf, der jedoch höchstens als ein oberflächlicher Dämmerzustand beschrieben werden kann,  wenn man die zahlreich organisierten und besuchten Parties sowie die funktionierenden Fanclubs in der Zwischenzeit einbezieht. Nicht wenige erneut vom Fieber für Depeche Mode heimgesuchte Fans hatten sogar für den Tag dieser Veröffentlichung Urlaub beantragt, um den Kauf nicht unnötig zu verzögern. “Barrel Of A Gun” erschien sowohl als CD mit ungewöhnlicher, umgekehrter Booklet-Bestückung in durchsichtigen Plastiktrays und natürlich auf Vinyl, jeweils mit der Singleversion, Remixen des Stücks und dem Instrumental “Painkiller” mit einem fantastischen Höhepunkt in der Songmitte. Eine zweite Auflage mit anderem Coverartwork enthielt weitere Remixe von beispielsweise Underworld und Plastikman – begnadeten Vertretern der innovativen Techno- und Clubszene, die im Falle Underworlds jedoch eine Version aus dem Song machten, die mit doppeltem Tempo und geänderter Tonart einen gänzlich neuen Track ergab. Mit einigen Ausnahmen konnte dieser dann lediglich die House-DJs und deren Publikum begeistern. Diese unbeliebte Eigenschaft vieler Remixe kam erstmalig hier tragend zum Vorschein und gab auch den meisten folgenden Auskopplungen einen negativen Touch, da kaum eine der prinzipiell in mehreren Ausführungen erschienenen Maxis nach dem Kauf von leidenschaftlichen Sammlern mehr als ein- oder zweimal komplett durchgehört werden konnte. Vorbei waren die Zeiten, als interessante zusätzliche Songs oder Mixe im bandnahen Stil mit Begeisterung aufgenommen wurden. An dieser Tatsache hat sich bis heute nichts verändert.
    Genau zwei Wochen vor der Albumveröffentlichung am 31. März wurde eine zweite Single ins Rennen geschickt. Im krassen Gegensatz zur schweren Kost des ersten Vorboten hätte “It’s No Good” stilistisch auch in die Bandphase der ausklingenden Achtziger oder beginnenden Neunziger gepaßt. Mit deutlich einsehbaren Strukturen, die der kommerziellen Popmusik näher stehen als die eines jeden Songs des letzten Studioalbums, einer einprägsamen Gesangsmelodie und warmen Flächen aus dem Synthesizer brachte dieser Song all Voraussetzungen mit, den Überhit “Enjoy The Silence” von seinem Thron zu stürzen. “It’s No Good” erreicht dennoch nicht ganz diese Popularität, trotz erneuter Notierungen in den Top Five. Er war jedoch eingängig genug, auch weit abseits des inneren Fankreises Interesse zu wecken, und nicht zuletz zerstreuten sich jetzt auch die bangen Befürchtungen, “Ultra” könnte sich durchgängig ungewöhnlich experimentell und gitarrenlastig gestalten. Neben starker Radiopräsenz lief auch der Clip zum Song auf Heavy Rotation im Musikfernsehen. Anton Corbijn hatte für Depeche Mode bislang keinen auch nur annähernd so witzigen und selbstironischen Film gedreht. Der gravierende optische Unterschied zum beklemmenden “Barrel Of A Gun” verwirrte zunächst etwas und die Parallelen zum Text des Songs bleiben hier im Dunklen. Trotzdem war es amüsant, die sonst häufig düster und humorlos dargestellte Band im Sixities-Style als abgemeldete, erfolglose, doch sich selbst überschätzende Livemusiker durch schäbige Bars tingeln zu sehen, und Dave Gahans Rollenspiel ließ die Betrachter mit der Gewißheit zurück, daß an ihm ein Charakterdarsteller verloren gegangen ist.
    Tatsächlich waren dann die beiden vorab veröffentlichten sehr unterschiedlichen Songs, selbst wenn man sich eine musikalische Fusion zu gleichen Anteilen vorzustellen vermochte, nicht im geringsten repräsentativ für die insgesamt zwölf (die nicht im Booklet aufgeführte Minimalversion von “Painkiller” bezeichnet, eingerechnet) Titel des Albums, welches am 14. April 1997 erschien. Im Vergleich zu den teils bombastischen Arrangements auf “SOFAD”, auf die Alan Wilder Wert gelegt hatt, wirkt “Ultra” über lange Strecken dezent, manchmal spartanisch. Weiterhin auffällig sind die flexiblen Rhythmen der meisten Songs. Den statischen, maschinellen Puls vergangener Tage hört man nur noch in Ansätzen: Depeche Mode hatten den Groove für sich entdeckt. Anders als man von einem Dance-Produzenten wie Tim Simenon erwartete hätte, überschreitet man dabei kaum die Grenze von 1000 BPM und schafft durch harmonische, sehr individuelle Melodien, akustische Instrumentierung und elektronisches Beiwerk in einem optimalen Verhältnis und penibel eingearbeitet eine intime und sinnliche Atmosphäre, die immer wieder von Melancholie oder Ausgelassenheit ergänzt wird. Höhepunkte neben den bereits bekannten Songs und der dritten Single “Home” find sich reichlich. Überhaupt ist es erstaunlich, welche Resultate die kurz zuvor noch unbrauchbare Stimme Dave Gahans hier wieder erzielen konnte. Würde es bestimmte Parameter geben,  die einen objektiven Vergleich seiner Gesangsleistung zuließen, hätte “Ultra” im Hiblick darauf alle Chancen zu den besten drei Alben gezählt zu weredn. “The Love Thieves” ist einer dieser unscheinbaren Songs, die ihre hintergründigen Reize mit Geduld entdeckt wissen wollen. Wegen seiner wenigen instrumentalen Mittel tritt hier der gefühlsbetonte Gesang in den Mittelpunkt, während bei “Freestate” eine auffällige Western-Note in den Gitarrenriffs mitschwingt. “Insight” ist vielleicht das melodischste Lied und in seinen Grundzügen vergleichbar mit “Higher Love” und “Waiting For The Night” von den beiden Vorgängeralben. Einzig “Useless” wirkt in der Albumversion etwas schwachbrüstig, was man anscheinend selbst bemerkt hatte und auf der späteren Single kompensieren konnte.
    Selbst mit dem aus dem Konzept ragenden Einstiegssong “Barrel Of A Gun” wirkt der Titel “Ultra”, mit dem man am ehesten etwas Extremes, Außergewöhnliches verbinden würde, konträr zur gebotenen Musik mit Schwerpunkt auf besonnenen Balladen oder Midtempo-Songs. Martin Gore kann jedoch keinen Widerspruch ausmachen: “Meiner Meinung nach drückt das Wort ‘Ultra’ etwas Positives aus, und etwas Humor steckt auch mit drin, wo wir doch seit Alan Ausstieg ein neues, schlankeres Produkt aus drei Teilen bilden. ‘Depeche Mode Ultra’, wenn man so will. Gerade für diese Epoche unserer Karriere, nach den schweren letzten Jahren und dem Erfolg, den wir immer noch haben, paßt der Titel perfekt. Außerdem hatten wir von Anfang an nicht vor, ein extremes Album aufzunehmen.”
    Vor allem die englische Musikpresse scheint dieses Album nicht verstanden zu haben. Möglicherweise wurde zum einen so etwas wie eine allgegenwärtige, eindeutige Beichte erwartet anstelle von intimer Zurückhaltung mit großem Spielraum für Interpretationen. Zum anderen verwechselte man oft die fehlende Komplexität im Vergleich zum Vorgänger mit Oberflächlichkeit und Lieblosigkeit. Wirklich gute Kritiken gab es kaum und Gore mußte erkennen: “Bei den Kommentaren, die wir für diese LP in der Presse bekamen, wird kaum jemand einen Kaufanreiz verspürt haben.” Auch in Amerika hatten Depeche Mode einen schwereren Stand als zuletzt. Nine Inch Nails mit Marilyn Manson im Fahrwasser oder The Prodigy mit ihren, NIN ausgeschlossen, aufgesetzten Schock-Images, waren die neuen Superstars, die ihre Käufer aus der selben Zielgruppe wie Depeche Mode rekrutierten, und dagegen wirkte ein gefühlsbetontes Album wie “Ultra” regelrecht unspektakulär. So behielt man zwar die große, fest verwurzelte Fanbasis auf seiner Seite, aber die zusätzlichen Spontankäufe wenig festgelegter Konsumenten aus dem Mainstream oder aus anderem musikalischen Subkulturen, wenn man diese einmal verallgemeinern wollte, fielen vor allem in Amerika vergleichsweise gering aus. Das auflagenstarke amerikanische Blatt L.A. Times hatte lokal gesehen recht mit seiner Prophezeiung: “Ultra” wird kaum irgendwelche neuen Fans anlocken, die zur Zeit der neuesten Electronic-Welle zujubeln.” In Europa, in den Staaten des ehemaligen Ostblocks sowieso, aber speziell in Deutschland sah es etwas anders aus. Die riesige Alternativszene, an erster Stelle dabei die sogenannte schwarze- oder Gothicszene, erkannte die tiefgründige, authentische Traurigkeit in Martin Gores Texten und die allgegenwärtige Melancholie in der Musik. Aus längst existierender breiter Akzeptanz wurde nicht selten diese merkwürdige Liebe zu Depeche Mode, deren Ursprung sich dennoch nicht eindeutig auf diese zwei Komponenten beschränken und schon gar nicht verallgemeinert schildern läßt. So individuell wie die Gesellschaft gestalten sich die Charaktere der erklärten Anhänger. Parallelen lassen sich noch am ehesten in einem ähnlichen Sinn für Ästhetik, sprich die künstlerische Verbindung von akustischen und visuellen Komponenten, finden, sowie in einer nach Möglichkeit unangepaßten Lebensführung. Oftmals gehen Fans in der Beschreibung ihres Verhältnisses zur Band so weit, daß man den Eindruck bekommt, sie würden über eine süchtig machende Droge sprechen und nicht über Musiker.
    In England und in Deutschland steigt “Ultra” von Null auf Eins in die Abumcharts ein, in den USA erreicht es mit dem fünften Platz die zweithöchste Notierung hinter “Songs Of Faith And Devotion” (erster Rang) und mit bisher rund 4 Millionenabgesetzten Exemplaren weltweit liegt es an dritter Stelle hinter Violator (ca. 7 Mio.) und “SOFAD” (ca. 5 Mio.), in etw auf gleicher Höhe mit “Black Celebration” und “Music For The Masses”. Offiziell bestätigte Angaben dazu existieren nicht, verschiedene, gleichlautende Quellen lassen jedoch den Schluß zu, daß diese Zahlen mit geringen Abweichungen der Realität entsprechen. Weltweit vermehren sich die Verkäufe zudem um durchschnittlich 100.000 Einheiten pro Album und Jahr.
    Trotz des alles in allem immensen Erfolges von “Ultra” erklärte die Band von Anfang an, erstmalig im Anschluß an eine Abumveröffentlichung nicht auf Welttournee zu gehen, schloß diese jedoch für das kommende Jahr nicht aus. Vor allem Dave Gahan erklärte, daß er sich dieser Belastung nicht gewachsen fühlen würde. Es gab jedoch zwei kleine “Secret-Concerts” im Londoner Club Adrenaline Village (April 1997) sowie un der Shrine Exposition Hall von Los Angeles (Mai), bei denen neben dem Klassiker “Never Let Me Down Again” zwei verschiedene Intros “Uselink” beziehungsweise “Painkiller” sowie vier Songs, “Barrel Of A Gun”, “Useless”, “It’s No Good” und “Home” vom neuen Album für geladene Fans, Freunde und Medienvertreter gespielt wurden. Der Welt bewies man seine ungebrochenen Livequalitäten, indem man drei der gespielten Sogns auf die zwei fogenden Singleauskopplungen aufteilte. Des weiteren trat die Band mit “It’s No Good” bei diversen Fernsehshows in England, Frankreich oder Deutschland (“RTL Samstag Nacht”) auf.
    Der Privatsender RTL übernahm einen Großteil der Album-Promotion für Deutschland und arrangierte deshalb auch auf seiner Bühne während der Internationalen Funkausstellung in Berlin am 31. August 1997, übrigens der Tag, an dem der Tod Prinzessin Dianas vollständig die Medien beherrschte, die Verleihung der goldenen Schallplatte für das letzte Album. Die Band bis auf Martin Gore, der sich am Set zum in Arbeit befindlichen Videoclip zu “Useless” aufhielt, war neben Daniel Miller, Jonathan Kessler und Vertretern von Intercord, der deutschen Vertriebsfirma von Depeche Mode, persönlich anwesend. Um einen Massenauflauf zu vermeiden, wurde versucht, dieses Ereignis geheim zu halten. Lediglich das nicht mehr existierende New Life Soundmagazin welches auf die Elektronikszene spezialisiert war, schien Wind davon bekommen zu haben und schrieb in einer kurzen Newsmeldung wenige Tage vorher von der Wahrscheinlichkeit dieses Events. Drei spekulative Sätze, die offensichtlich ausreichend waren, mehrere hundert Fans in die Hauptstadt zu locken, von denen ein Teil bereits am Vormittag ihre Objekte der Begierde am Flughafen empfing. Pünktlich um 17 Uhr betraten Depeche Mode dann unter tosendem Beifall die Bühne und erhielten von der Moderatorin Birgit Schrowange die edelmetallene Auszeichnung für in wenigen Monaten verkaufte 400.000 Exemplare von “Ultra”.. Die zum Teil seit den Morgenstunden ausharrenden Fans bekamen zwar aufgrund der unzureichenden technischen Gegebenheiten weder einen erhofften Kurzgig, noch die kurz zuvor noch versprochene Autogrammstunde, wegen des unvorhergesehenen Andrangs nicht entsprechend getroffener Sicherheitsvorkehrungen, aber den Kurztrip nach Berlin wird niemand bereut haben.
    Nachdem die Veröffentlichung eines Greatest Hits-Albums, dem Nachfolger von “The Singles 81-85”, mit einem oder mehreren neuen Songs als beschlossene Sache für das kommende Jahr erklärt wurde, war das letzte Ereignis in 1997 die Auskopplung “Useless” am 20. Oktober. Wie zuvor schon erwähnt, bekam die Singleversion eine frischen Anstrich vom begehrten Produzenten Alan Moulder, der in der Vergangenheit unter anderem von U2, The Cure oder Nine Inch Nails engagiert worden war. Sein Remix übertrifft die ursprünglich weniger ambitioniert klingende Version, da er die Drumlinie verfeinerte und Sounds aus dem Keyboard dazumischte. Auch das für seine fantastische Arbeit in der Welt des Trip-Hop bekannte Produzentenduo Kruder & Dorfmeister gab “Useless” einen markanteren neuen Ansatz. Anders als zur vorangegangenen Single “Home”, deren Titelstück allein betrachtet eine der besten von Martin Gore gesungenen Balladen darstellt, deren Remixe und Video (Regisseur: Steve Green) indes nicht zuletzt erbrachten Qualitätsstandards entsprachen, führte Corbijn wieder die Regie beim Dreh des “Useless”-Clips. Aufgenommen in für Depeche Modes Videos beinahe typischer, wüstenähnlicher Einöde, bekommt die Handlung mit den aggressiven Gebärden des Sängers nur einen Sinn, wenn der Zuschauer genau auf die letzten zwei Sekunden des Clips achtet, in denen die Kamera umschwenkt. Grandiosere Einfälle hatte Corbijn in seiner Zeit als Regisseur wohl selten.
    Zurückblickende erhoben sich Depeche Mode in diesem Jahr in der Tat wie der für ihr Comeback häufig Umschreibung gebrauchte Phönix aus der Asche. Und mit den vielen ereignisreichen Aussichten für das folgende Jahr erlebte man das ausklingende Jahr 1997, das Ende der “Ultra”-Ära, ohne die Befürchtungen, eine weitere mehrjährige Pause würde s ich anschließen.

[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 11 auf 12]
Kapitel 11
It’s Only When I Am On Tour
    Am 8. April 1998 wurde das Tribute-Album “For The Masses” auf dem amerikanischen label A&M Records (Geffen) veröffentlicht. Sampler mit Coverversionen von Depeche Mode erschienen seit Beginn der neunziger Jahre regelmäßig, vor allem im Land mit der nach Deutschland prozentual zweitgrößten Fanschar, Schweden. “I Sometimes Wish I Was Famous”, 1991 auf dem schwedischen Label Energy Records erschienen, war der erste nennenswerte dieser Art. Die meisten der folgenden Tribute können dagegen getrost als überflüssig betrachtet werden, da sie fast ausschließlich zweit- oder drittklassige Bands aus der Electro-Szene vereinten, die sich an den Songs ihrer Einflußgeber zu schaffen machten, ohne auch nur im geringsten an die Qualität der Originale heranzureichen. Für den traurigen Höhepunkt dieser Cover-anie sorgte 1997 die deutsche Synthiepop-Band X-Act, die nur wenige Tage nach der Veröffentlichung von “Barrel Of A Gun” eine furchtbare Interpretation des Songs mit zunächst unwissentlich falschem Text auf den Markt brachte. Das wirklich schlimme dabei war, daß ihre Plattenfirma Zoth Ommog, die bis dahin für qualitiativ hochwertiges Material bekannt war, diesen Song als bessere, da dem ursprünglichen Stile Depeche Modes nähere, Version vermarktete.
    Etwas anders gestaltete sich nun “For The Masses”. Hochkarätige Bands verschiedenster musikalischer Ausprägung erwiesen Depeche Mode auf diesem Album ihre Anerkennung, Bands, die selbst hoch im Kurs standen oder noch immer stehen und die Steigerungen des eigenen Wertes weder intendiert, noch das anschließende große Aufsehen nötig gehabt hätten. Darunter befinden sich unter anderem The Cure, Rammstein, Smashing Pumpkins, Monster Magnet, Meat Beat Manifesto oder Deftones. Ihre Neuinterpretationen tragen ohne Ausnahme Charakterzüge des eigenen Schaffens, klingen aufwendig, durchdacht und interessant. Besonders herausragende Resultate erzielten dabei Gus Gus mit “Monument” und Locust mit “Master And Servant”. Mit einer Platzierung in den Album-Top 20 in Deutschland und weiteren Spitzenrängen auf der ganzen Welt ging “For The Masses” zurecht als erfolgreichstes Tribut-Album aller Zeiten in die Musikgeschichte ein. Die Gruppe Rammstein koppelte ihre Coverversion von “Stripped” als Single aus. Rammstein landeten einen Superhit und sorgten mit dem dazugehörigen Clip, der Bilder aus dem umstrittenen Olympia-Film von Leni Riefenstahl zeigt und mit NS-Ästhetik spielt, für kontroverse Schlagzeilen.
    Im Sommer 1998 begannen Depeche Mode mit der Studioarbeit für neue Songs. Wie schon zuvor für die LP “Ultra” wurde Tim Simenon als Produzent verpflichtet, als man sich in den Eastcote- und Abbey Road-Studios einquartierte. Simenon erklärte: “Es war wirklicht nett, daß Daniel Miller anrief und mich um die Produktion einer Single bat. Diese Sessions kann man nicht mit der Arbeit an ‘Ultra’ vergleichen. Als Dave von Martin die Demos bekam, fing er zwei Wochen vor seinem Flug nach England an, mit seiner Gesanglehrerin Evelyn zu arbeiten. Als er eintraf, hatte er die Melodien vollständig verinnerlicht und die Session verging wie im Flug. Er war ein völlig neuer Mensch geworden, die Aufnahmen verliefen reibungslos und dauerten nur zwei Monate.” Dave Gahan sah in den neuen Songs die Fortsetzung dessen, was auf “Ultra” begonnen wurde. Die Songs hatten langsame, groovende Rhythmen, viel Seele und waren wieder mit ausgesprochen sicherem Gesang versehen. “Ich bilde mir nicht ein, der Größte seit der Erfindung des Rades zu sein, aber ich meine, mich wieder gefunden zu haben. Ich bin sehr dankbar für die Chance, bei einer Arbeit dabeigewesen zu sein, die wirklich kreativ war. Ich habe gemerkt, daß es etwas ist, was ich für mich tue und nicht für irgend jemand anderen. Ich habe mich selbst vor die Aufgabe gestellt, immer besser zu werden, habe mir meine Gedanken über den Text gemacht, den Martin für das Stück geschrieben hat, und versucht; herauszufinden, wie ich ihn verstehe. Ich denke, so beeinflussen wir uns gegenseitig und das ist es, was Depeche Mode noch immer funktionieren läßt.”
    “Only When I Lose Myself” hieß die neue Single, die am 14. September 1998 in den Handel kam. Das Titelstück war zwar nach dem relaxt wirkenden letzten Album auch alles andere als ein überfälliger Uptempo-Knaller, wurde aber hauptsächlich mit großer Begeisterung aufgenommen. Thematisch und musikalisch war es am Konzept des vorangegangenen Albums angelehnt, vielleicht etwas pathetischer arrangiert. “Ich habe Liebe stets als eine Art von Besessenheit empfunden”, berichtete der Komponist zu den Hintergründen des Textes. “Die Leute sagen immer, voneinander abhängig zu sein. Auch ich habe Verliebtheit stets als eine Abhängigkeit gesehen, das ist doch der Kern aller Liebe.” Zum Videoclip bleibt anzumerken, daß erneut nicht Depeche Modes Hausregisseur mit dem Dreh beauftragt wurde, sondern an Stelle von Anton Corbijn der derzeit für die Plattenfirma Mute an mehreren anderen Produktionen arbeitende Regisseur Brian Griffin. Wie schon Steve Green mit dem Clip zu “Home” konnte Griffin mit seiner visuellen Umsetzung nicht vollständig uberzeugen. Weder bekam man den Eindruck, passende Bilder zur Aussage des Titels zu sehen, noch glänzt der Kurzfilm durch in anderer Hinsicht bemerkenswerte Szenen, in denen anstelle der selten dargestellten Band Autowracks und amüsierte Menschen vom Schlage erfolgreicher Geschäftsmänner oder Supermodels gezeigt werden.
    Zwei neue Titel auf der B-Seite einer Single von Depeche Mode befanden sich zuletzt im Jahre 1990 auf “World In My Eyes”. Die Bonustitel “Surrender” und “Headstar” machten nun auch “Only When I Lose Myself” zu einer besonderen Veröffentlichung. Die von Blues und Lounge-Musik beeinflußte Ballade “Surrender” ist merkwürdig untypisch für die Band, aber fantastisch von Dave Gahan besungen und von einer eingängigen Melodie geprägt. Das Instrumental “Headstar” hingegen ist austauschbarer und wird wegen seines sich ständig wiederholenden Themas schnell uninteressant. Spannender waren hingegen einige Remixe auf den zwei weiteren Ausführungen der Single mit unterschiedlich gefärbten Booklets, wovon die grüne einige Wochen später veröffentlicht wurde. Der Subsonic Legacy Remix von “Only When I Lose Myself” wird von kühlen Ambientsounds durchzogen und sogar von einer weiblichen Stimme ergänzt. Gus Gus gelang es, den Song clubtauglich zu machen, ohne dabei seinen Charakter zu entstellen. Auch dem von pumpenden Techno-Beats angetriebenen Safar Mix von “World In My Eyes”, der zuvor schon auf einem Bootleg veröffentlicht wurde, läßt sich einiges abgewinnen.
    In England, wo die Britpop-Welle zu dieser Zeit einen Höhepunkt nach dem anderen erlebte, interessieren sich seit der Veröffentlichung von “Ultra” noch weniger Menschen für ihre Weltstars als zuvor. Und während “Only When I Lose Myself” in sonstigen Europa aus dem Nichts an die Spitze der Charts (Deutschland: Rang 2) schnellte, erreichte die Single in der Heimat von Depeche Mode einen enttäuschenden 17. Platz.
    Am 28. September erschien “The Singles 86>98” als Doppel-CD beziehungsweise als limitierte LP-Box mit drei Vinyl-Platten und umfangreichem Booklet. Alle Singles seit 1986, wie der Titel besagt, wurden in chronologischer Reihenfolge, mit Ausnahme von den an das Ende gestzten Songs “Little 15”, welches nur in einigen europäischen Ländern ausgekoppelt wurde; und “Everything Counts”, welches in seiner Liveversion von 1988 aus dem Konzept fiel, zusammengestellt. Einmal mehr verdeutliche diese zweit Best Of-Kopplung den großen Stellenwert von ihrer psychischen wie physischen Talfahrt hinterlassen hatten, wobei sie als Künstler gerade erst wieder am Beginn eines gewaltigen Aufschwungs standen. Wie zu erwarten war, erreicht auch dieses Album wieder in Deutschland, Frankreich, Schweden und anderen Ländern den ersten Platz der Albumcharts, in den britischen Charts bezeichnender Weise nur Platz 5. Nun bestand kein Zweifel mehr an der Einsicht, daß Depeche Mode in England ihr zweites, kurzzeitiges Hoch nach Karrierebeginn auch schon wieder hinter sich gelassen hatten, mit medienwirksamen Skandalen von Bands wie Oasis einfach nicht mehr dienen konnten, geschweige denn wollten, und trotz ihres erfolgreichen Sprunges in die Neunziger schicht und ergreifend wieder mit längst bedeutungslos gewordenen Bands wie Duran Duran oder Culture Club über einem Kamm geschoren wurden, die zu allem Überfluß auch noch zeitgleich mit Greatest Hits-Alben an sich erinnern lassen wollten. Völlig unbeachtet blieb hier jedoch der fundamentale Unterschied, daß Depeche Mode 21 erfolgreiche Singles zusammenstellten und nicht einfach wenige wirkliche Hits neben unbedeutendem Füllmaterial mit der Hoffnung auf kaufkräftige Nostalgiker in die Regale stellen ließen.
    In Skandinavien bejubelten unterdessen Tausende von Fans die am 9. September in der Hartwall Arena von Helsinki offiziell gestartete “Singles Tour 86>98”, nachdem wenige Monate zuvor bei einer Pressekonferenz in Köln die Termine angekündigt worden waren und man vier zusätzliche Warmups in Staaten der ehemaligen Sowjetunion absolviert hatte. Darunter war auch der erste Gig in Moskau, wo unter großen Umständen bereits 1985 ein Konzert stattfinden sollte, das aufgrund der Heirat Dave Gahans dann aber ersatzlos gestrichen wurde. Ihre erste große Tournee seit vier Jahren sollte Depeche Mode anschließend bis Jahresende durch ganz Europa und Nordamerika führen. Die Gestaltung des Bühnenbildes überließ man erneut Anton Corbijn, dessen vergleichsweise bescheiden gehaltenen Konstruktionen das verwöhnte Publikum nur zum Teil überzeugen konnte. Die räumliche Limitierung, welche die Band und ihre verpflichteten Gastmusiker an Drums, Tasten und im stimmlichen Background mit den Fans in ein intimeres Verhältnis bringen sollte, war das ganze Gegenteil von den sich noch in guter Erinnerung befindlichen “Devotional”-Shows un bühnentechnischer Superlative und die Band unnahbar auf einem überdimensionalen Altar darstellender, beinahe größenwahnsinnig erscheinender Umgebung. In seinem neuen Bühnenbild verzichtete Corbijn nach Anraten Martin Gores auf große Leinwände und spektakuläre Lichteffekte. Alle Aktionen konzentrierten sich auf die Bühnenmitte. Die Instrumente verteilten sich dicht um einen Videowürfel, auf dem bei einigen Songs speziell für die Konzerte gefilmte Bilder gezeigt wurden. Im Hintergrund prangte das Bandkürzel in großen Buchstaben, die von Glühbirnen umrandet waren, und über den Bühne hing eine Discokugel. Dieses natürlichere Ambiente mit Peepshow-Fair wirkte nett, aber nicht atemberaubend, vermischte sich jedoch gut mit dem organischen Sound, den die Gastmusiker Christian Eigner an den Drums und Peter Gordeno mit Pianosounds vom Keyboard in die zum Teil weit über zehn Jahr alten Songs brachten.
    Kurz nach Bekanntgabe der europäischen Tourdaten während der Kölner Pressekonferenz begann auch schon der Vorverkauf und damit ein immenser Ansturm auf die Tickets – zumindest daran hatte sich zunächst nichts verändert. Die meisten Locations waren nach wenigen Tagen restlos ausverkauft und Zusatzkonzerte in Berlin, Köln und London wurden gebucht, um allen Fans die Gelegenheit zu geben, dabei zu sein. Dies änderte jedoch nichts an der Tatsache, daß fur Gigs in einer Stadt wie beispielsweise Leipzig, welche nur kleinere Hallen bot, jedoch in einen absoluten Ballungsgebiet von Fans liegt, noch kurz vor Showbeginn Karten für weit mehr als 300 Mark auf dem Schwarzmarkt ihre Besitzer wechselten.
    Mit etwas zeitlichem Abstand betrachtet festigte sich der erste vage Eindruck, daß Depeche Mode, vor allem Dave Gahan, trotz aller musikalischer Präzision nur mit halber Kraft spielten. Natürlich hätte man vorhersehen können, nicht mehr den leidenschaftlichen Sänger von den vorangegangenen Tourneen zu erleben, da er körperlich noch nicht wieder zu einhundert Prozent fit war und sein Verzicht auf Drogen, die zumindest bei den Konzerten von 1990 und 1993/94 der teuflische Antrieb für seine legendären Selbstinszenierungen waren, anscheinend zusätzlich seinen ehemals starken Bewegungsdrang einschränkte. Da der Erfolg der Shows von Depeche Mode hauptsächlich von der Performance ihres  charismatischen Frontmanns abhängig ist und visuelle wie akustische Effekte erst an zweiter Stelle stehen, muß man die Begeisterung, die ihnen anhaltend mit der ersten Konzertminute entgegenschlug, bei dieser Tour hauptsächlich auf das Zusammenspiel dreier anderer Komponenten zurückführen: Erstens auf die Setlist, die bis auf wenige Ausnahmen den persönlichen Lieblingssongs des Großteils des Publikums entsprach und fur viel Bewegung im Publikum sorgte. Zweitens auf den Fakt, daß nur wenige Jahre zuvor kaum ein Anhänger noch ernsthaft mit Konzerten der Band gerechnet hatte und deshalb allein die unmittelbare Anwesenheit der Musiker Wirkung zeigte. Und der dritte Hauptgrund dürfte die in musikalischer und gesanglicher Hinsicht perfekte Show gewesen sein, wobei dieser Umstand in den Augen vieler schon beinahe wieder zu routiniert und deshalb unflexibel wirkte. Selbst wenn die Band an zwei Abenden hintereinander in der selben Stadt gastierte, gab es keine Änderungen an der Setlist und auch die anfangs noch spontan wirkenden kurzen Showeinlagen oder Sprüche Dave Gahans wiederholten sich bei jedem Konzert. Dies war ungewöhnlich, zumal sich die Band ihrer fanatischen Gefolgschaft bewußt ist und es bekanntlich absolut im Rahmen liegt, wenn ein Fan fünf, zehn oder mehr Konzerte einer Tour in allen Teilen der Welt besucht.
    Die Stimmungspegel erreichten jedenfalls wieder das Niveau der Vergangenheit. Während Tim Simenon vor jedem Konzert mit seinem DJ-Set die lange Wartezeit verkürzte, feuerten sich die Fans bereits gegenseitig mit Sprechchören oder La-Ola-Wellen an und die Bühnen-Roadies bekamen lauten Beifall, als sie ihre Plätze an den Scheinwerfen über die Bühne mit Hilfe einer Strickleiter aufsuchten. Auch schienen die mit ihrer Band gereiften (oder gealterten) Fans toleranter im Umgang mit der Vorgruppe geworden zu sein. Zumindest blieb das Frauenduo Purity von ganz großen Pfeifkonzerten oder häßlichen Übergriffen verschont, mußte sich lediglich mit dem Bild von Hunderten hochgehaltener Eintrittskarten in den Hallen abfinden. Mittlerweile wieder in Vergessenheit geraten, spielten Purity knackigen Techno-Crossover, der dem Prodigy-Sound nicht unähnlich war.
    Nachdem eine halbe Stunde nach ihrem Auftritt erneut die Lichter gedimmt wurden und die ersten Töne von “Painkiller” aus den Boxentürmen drangen, gab es im Parkett wie auf den Rängen kein Halten mehr und in den folgenden 100 Minuten wurde es nur dann beschaulich, wenn Balladen wie “Home”, “Condemnation” oder “Somebody” gespielt wurden. Sein grandioses Finale fand jedes Konzert im den Klassiker “Just Can’t Get Enough”, dessen Melodie nach vielen Konzerten noch minutenlang aus den Zuschauermassen nachhallte. So wiederholte sich das Schauspiel für insgesamt 800.000 Besucher 64 mal in 56 Städten von Osteuropa und Skandinavien über das restliche Europa bis nach Kanada und in die USA, wo in Anaheim am 22. Dezember 1998 das letzte Konzert über die Bühne ging. Der Radiosender K-ROW aus Los Angeles übertrug zuvor das sogenannte “Almost Acoustic” Weihnachts-Special, ein Konzert, das aus der Reihe fiel und einen Großteil an akustisch gehaltenen Versionen (darunter “Enjoy The Silence” und “Sister Of Night”) berücksichtige sowie “Never Let Me Down Again” mit Dave Gahan und Billy Corgan (Ex-Frontmann der Smashing Pumpkins), der für den Song auch Gitarre spielte, im Duett. Diese Tour hatte für alle Beteiligten einen positiven Verlauf. Lediglich zwischen Gahan und dem Rest der Band soll es ab und zu Unstimmigkeiten gegeben habe, obwohl man sich nur zum Essen, zu Besprechungen und natürlich auf der Bühne traf und der Sänger prinzipiell direkt nach den Konzerten mit seinem Freund und Betreuer Geoff von den Anonymen Alkoholikern beziehungsweise Anonymen Drogenabhängigen, der nie von seiner Seite wich, zurück ins Hotel fuhr. Doch auch der Rest der Band und die Crew bekamen Auflagen, die wildern Parties nach den Shows einen Riegen vorschoben, wie Tim Simenon bestätigte: “Absolutes Drogenverbot – das wurde der Crew und der Band unmißverständlich klar gemacht. Ich trinke gern Wodka, aber das war in der Garderobe nicht erlaubt. Es gab in der Tat nur Bier und Wein.” Man hatte sich fest vorgenommen, höchstens zweimal pro Woche Alkohol zu trinken und wirkliche Exzesse gab es kaum. So betrat Martin Gore seit langer Zeit auch häufig mal in nüchternem Zustand die Bühne. “Sie konnten ihre Fans jetzt immer genau sehen und sich über die Reaktionen freuen”, beschrieb Daniel Miller das neue Feeling. “Sie hatten auch nicht mehr das Gefühl, in einem Wattebausch durch die Welt gerollt zu werden, und nach den Konzerten waren sie glücklich, so gut zusammengespielt zu haben.” Zwei weitere Veröffentlichungen gingen in die Jahresbilanz ein: Die Veröffentlichung der ersten Hit-Kopplung “The Singles 81>85” mit neuem Artwork und einigen Bonustiteln sowie das VHS-Video “The Videos 81>85” mit allen 21 Clips aus dieser Zeit, einem neuen Interview und einem Kurzfilm am Ende. Danach wird es, von erneuten Gerüchten über eine Auflösung der Band begleitet, für lange Zeit wieder still um Depeche Mode.

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Offline Angelinda

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« Reply #8 on: 24 March 2012 - 00:34:05 »
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[Starfacts, no.2 - 2003. Text: Jörn Karstedt. Foto: Mannigfaltig - seite 12 auf 12]
Kapitel 12
Excited Again
    In der tat war es nach der erfolgreich absolvierten Tournee zum zweiten Best Of-Album eine Zeitlang nicht sehr gut um die Zukunft von Depeche Mode bestellt. Es wehte bereits ein Hauch von Abschied in den letzten Veröffentlichungen, die die größten Momente einer fast zwanzigjährigen Karriere wie aus dem Bilderbuch des Rock’n’Roll festhielten, und die Konzerte verstärkten diese Eindruck. Schon länger war es kein Geheimnis mehr, daß die Band nicht mehr maßgeblich von der guten Freundschaft aus den Anfangstagen zusammengehalten wurde, sondern zuletzt unregelmäßig einem gemeinsamen profitablen Job nachging, der häufig nicht mehr vom Enthusiasmus der frühen und mittleren Bandjahre geprägt wurde. Gemeinsamen musikalischen Wirkten fühlte man sich auf der einen Seite immer auch verpflichtet und die letzten Produktionen mögen ein wichtiger Bestandteil Dave Gahans Therapie gewesen sein, aber andererseits war am Ende des Jahres 1998 erstmals eine Situation gegeben, in der die Band in Würde hätte aufgelöst werden können. Die Aussicht auf einen weiteren Ausbau des Erfolges gab es nicht mehr. Depeche Mode hatten bis dahin alles erreicht, was im Musikbusineß möglich ist, wahrscheinlicher schien da schon eine Stagnation, wenn nicht sogar Rezession. Sie sind die “Cashcow für Mute” geworden, wie Chris Carr es damals ausdrückte, und das finanzielle Polster, welches für einen totalen Rückzug aus dem Geschäft bei gleichzeitiger Sicherung eines anhaltenden Lebens mit allen materiellen Vorzügen ausreichend gewesen wäre, hatte jedes Bandmitglied schon mindestens acht Jahr zuvor im Rücken gehabt und bis 1998 sogar noch vervielfacht. Auch wenn darüber nie öffentlich gesprochen wurde, der Verdacht liegt nahe, daß Martin Gore dazu entschlossen war, die Band für unbestimmte Zeit auf Eis zu legen. Nur der für Depeche Mode typischen Inkonsequenz bei Entscheidungen mit weitreichenden Folgen ist es letztendlich zu verdanken, daß er diese Gedanken, die er schon seit längerem mit sich getragen haben wird, sich ni ein konkrete Gestalt hatte entwickeln lassen.
    Gore, der mit seiner Frau Suzanne und seinen Töchtern Viva-Lee und Ava-Lee, geboren 1991 beziehungsweise 1995, mittlerweile in Kalifornien lebte, machte auch mehr als ein Jahr nach der Singles-Tour noch keine Anstalten, die Band mit neuen Songs im Gepäck zur Studioarbeit einzuladen. Im Frühjahr 2000 hätte er keinen einzigen verwendbaren Titel vorweisen können. Dave Gahan, ein Jahr zuvor mit seiner langjährigen Freundin Jennifer in den Bund der Ehe (seine bislang dritte Hochzeit). Getreten und seit September 1999 stolzer Vater seines zweiten Kindes Stella Rose, erinnerte sich: “Wir warteten darauf, daß Martin mit neuen Songs kommt, warteten und warteten. Ich war mir schon nicht mehr sicher, daß es diese jemals geben würde. Also trafen wir uns mit Daniel Miller und Jonathan Adler (einer der neuen Studioassistenten – Anm. d. Verf.) in London und ermutigten Martin, mit jemand anderem zusammenzuarbeiten – einem Musiker oder Programmierer, der ihm helfen sollte, seine Ideen ans Licht zu bringen. Wir wußten, daß er welche hatte. Glücklicherweise folgte er unserem Rat und tat sich mit seinem Freund, dem Programmierer Paul Freegard, zusammen. Gareth Jones holten wir ebenfalls dazu. Der Druck von den wartenden Leuten half Martin, seinen Ideen am Piano Gestalt zu geben. So entstanden ziemlich schnell die Demo-Tapes.”
    In Dave Gahan wuchs während der tatenlosen Zeit des Songwriters der schon länger in ihm schlummernde Wunsch, eigene Songs zu ungeschriebene Bandgesetz, welches Gore als alleinigen Schreiber ernannte, an deren Umsetzung. “Ich tat mit meinem Freund Knox Chandler (Cellist und Gitarrist bei Siouxsie And The Banshees – Anm. d. Verf.) zusammen und machte es wie Martin, als icht sagte: ‘Ich habe einige Ideen und brauche jemanden, der sie aus mir herausholt.’”, meinte der Sänger mit den verborgenen Talenten. “Auch als ich später viel in England war, um die Lieder für Depeche Mode einzusingen, machte ich mit dem Songwriting weiter.” Bei Erscheinen dieser Biographie befindet sich Dave Gahan in den letzten Vorbereitungen für die Veröffentlichung seines ersten Soloalbums, welches er mit einigen Auftritten begleiten wird.
    Daß es schließlich doch recht schnell zur Produktion des neuen Depeche Mode Albums kam, fand selbst die Band noch nach der Veröffentlichung überraschend. Gahan erklärte: “Es gibt ein starkes Band, das uns drei verbindet, wenn wir im Studio oder auf der Bühne sind. Bei uns steht nicht fas Individuum im Mittelpunkt. Es gibt wohl etwas Höheres, Großeres, das uns immer wieder zusammenführt. Egal mit welchem Produzenten wir arbeiten, das Zusammenspiel von Martins Songs und meine Stimme gibt zen Ausschlag. Als wir dann erst einmal an ein paar Songs bearbeitet hatten, waren wir alle von der Idee eines neuen Albums begeistert und wir merkten, daß es uns noch immer Spaß macht und daß noch immer etwas da war, was wir geben konnten. Das war die eigentliche Überraschung.” Es war erleichternd, zu sehen und zu hören, daß der Sänger wieder ein angemessenes Selbstwertgefühl hatte. Während seiner therapeutischen Behandlungen wurde ihm anfangs immer wieder klargemacht, daß er ein Niemand sei und sich durch nichts von durchschnittlichen Menschen unterscheide. So sollte es ihm leichter fallen, die Finger von den Drogen zu lassen. Geschafft hat er dies bis heute, doch dieser Erfolg hatte unter anderem zur Folge, daß es genauso lange Glauben an seine eigenen Stärken zurückgewonnen hatte.
    Die trainierte Fähigkeit zu positiver Selbstreflexion und die Energie, die Gahan aus seiner bewußt gesunden Lebensweise zog, reflektierte sich unüberhörbar in der Art seines Gesangs. Mehrdimensional, druckvoll, experimentierfreudig und wie ein gut beherrschtes Instrument wirkt Gahans Stimme un den neuen Songs. Ein Effekt, der nur aus einem neuen Ansatz resultieren konnte, den man bei der Produktion verfolgte: “Anstatt mit Martin hinter dem Mischpult zu sitzen, habe ich mich zunächst im Kontrollraum eingenistet und Gesangsspuren aufgenommen. Ich wollte selbst beurteilen, wie ich klinge und wie ich meine Stimme variieren kann. Ich habe mir dann von allen Versionen jeweils die in meinen Ohren besten herausgepickt, welche dann nur noch in die fertigen Tracks eingefügt werden mußten. Das hat uns jede Menge Zeit und Nerven gespart.” Nie zuvor deckte Gahan mit seiner Stimme das Spektrum von verletzlich bis wütend so beeindruckend ab wie hier. Er erläutert: “Manchmal benutze ich sie wie in einer Art Schauspiel, zum Beispiel wenn ich den dunklen Gothic-Typen bei ‘Dead Of Night’ mime, dann aber wieder auch in ganz vertrauter Form. Bei ‘When The Body Speaks’ und ‘Goodnight Lovers’ mit sehr soften Vocals fühlte ich zum ersten Mal, daß ich etwas richtig machen würde, daß ich viel mehr mit meiner Stimme machen konnte, als ich es selbst für möglich gehalten habe.” Gahan wollte nicht mehr nur singen, wie man es von ihm erwartete, Es schwingt heute etwas Sensibles in seiner Stimme und er hatte keine Hemmungen mehr davor, auch diese Seite von sich zu zeigen.
    Die Sessions dauerten nur wenige Monate. Man entschied, das neue Material von Mark Bell, bekannt als eine Hälfte des legendären Techno-Duos LFO aus Sheffield, produzieren zu lassen. Musikalisches Neuland sollte ausgelotet werden und für dieses Vorhaben bot sich der Mann, der schon Björks Stimmorgan zu einem eigenständigen Instrument machte, bestens an, wie Daniel Miller fand. Nach der Vorproduktion in London zog die Band mit Bell und Gareth Jones in die besten Studios von Santa Barbara und New York, Ein Vielzahl an Technikern und Gastmusiken, unter ihnen wieder Christian Eigner, Live-Drummer der letzten Tour, und Knox Chandler, der die Streicher auf “When The Body Speaks” spielte. Mit dem eingeschlagenen musikalischen Stil knüpften man zwar an die minimalen und stillen Passagen des vorangegangenen Albums “Ultra” an, konzentrierte sich aber noch stärker auf dezent arrangierte Atmosphären mit in den Vordergrund gemischten Melodien und Gesangsparts. Durch Mark Bell haben Depeche Mode gelernt, daß sie ihr Bild von sich selbst nicht mehr erzwingen müssen. Erneut wurden elektronische und organische Komponenten miteinander verschmolzen, aber in anderer Form als früher, fa sich die Klänge beider Welten noch recht deutlich trennen ließen. Gahan: “Ich mag es, wenn sich ein Akkordeon oder ein Cello nicht durch ein ganzes Stück durchzieht, sondern gespielt, manipuliert und mit dem Sound experimentiert wird, während der Ansatz noch immer deutlich menschlichen Ursprungs est.”
    Man kündigte an, daß sich das neue Album in seiner stilistischen Mannigfaltigkeit am ehesten mit “Black Celebration” aus dem Jahre 1986 vergleichen ließe. Diese erste Einschätzung ist nachvollziehbar, wenngleich das Produkt eher warm denn steril, ausgeglichen denn spektakulär und lyrisch lebenserfahren denn bewußt provokativ erscheint. Nach breiten Überlegungen zu einem treffenden Titel für die 13 neuen Songs entschied man sich erneut für ein gewichtiges Wort: “Exciter”, übersetzt etwa “Erreger” oder “Aufreger”. Wie einst “Violator” oder “Ultra” transportierte dieses Wort in erster Hinsicht Stärke und Erhabenheit, womit schon lange im Vorfeld die gewünschte Aufmerksamkeit erzielt werden konnte. Daß Depeche Mode erneut mit der Bedeutung, die sie in einem Albumtitel sahen, weit entfernt von den Interpretationen der breiten Masse lagen, wurde teilweise deutlich, nachdem sie auf ihrer offiziellen Homepage nach und nach kurze Auszüge aus den Songs zum Download anbieten ließen. Als das komplette Album zwei Monate vor dem Veröffentlichungstermin bei der Internet-Tauschbörse Napster auftauchte, wurden die falschen Erwartungen zur Gewißheit. Gerüchten zufolge hatte ein Mitarbeiter der Plattenfirma die Vorabkopie an Dritte weitergegeben, die diese dann in das MP3-Format mit überschaubaren Dateigrößen konvertierten und online zur Verfügung stellten. Im eng geknüpften Kommunikationsnetz der Fans machte diese Botschaft binnen Stunden die Runde und wenige Tage später konnte jeder, der sich brennend für die Songs interessierte, mit geringem Aufwande an das Album gelangen. Ohne die Zustimmung von Band und Plattenfirma wurde zudem etwa gleichzeitig auch das Cover auf der bandeigenen Homepage präsentiert und mußte kurz darauf wieder entfernt werden. Doch da war es schon zu spät: “Exciter” stand bereits hundertfach in den CD-Regalen der Fans und vermehrte sich exponentiell. Foren analysierten das für viele unvollkommen wirkende Songmaterial und die ganz große Spannung war verpufft, ohne daß Künstler und Label auch nur einen Penny daran verdient hatten.
    Für das Gros der Stars und Sternchen hätte dieser Umstand katastrophale Auswirkungen mit einem finanziellen Desaster unvorhersehbaren Ausmaßes nach sich ziehen können. Anders bei Depeche Mode. Sie konnten der vermeintlichen Katastrophe gelassen entgegensehen und taten das auch, wie ihre Reaktionen später zeigten. Zwanzig Jahre Erfahrung mit dem ganz speziellen Konsumverhalten ihrer Fans ließ mittlerweile keinen anderen Schluß zu, als daß der ideelle Wert ihrer Platten, und zwar der Originale, jede kostengünstigere Alternative weit übertreffen mußte. Mehr noch: Die Hysterie erreichte 2001 eine neue Qualität.
    Am 13. März lud die Band zu einer Pressekonferenz nach Hamburg, um Fragen zu “Exciter” und Napster zu beantworten sowie mehr als zwei Monate vor Albumveröffentlichung Termine für eine im Spätsommer gebuchte Europa-Tour vorzulegen. Wie es hieß, sollte der Ticketverkauf in ein bis zwei Wochen beginnen, doch mehrere Vorverkaufsstellen begannen direkt im Anschluß an die Bekanntgabe der Dates mit dem Druck der Tickets und boten diese auch gleich in ihren Shops an. Wieder dauerte es nur wenige Augenblicke bis der organisierte, harte Kern in Kenntnis über den angeblich unwissentlich verfrüht gestarteten erkauf geraten war, was zur Folge hatte, daß das Konzert in der Berliner Waldbühne nach nur sechs Stunden ausverkauft war – 22.000 Tickets waren weg, bevor auch nur ein großes Medium die Gelegenheit hatte, von dessen Stattfinden berichten zu können.  Weitere Konzerte, für die es schon Karten gab, standen wenige Zeit später ebenfalls kurz vor dem Ausverkauf und Panik machte sich breit. Telefone und Tastaturen mußten in Reichweite bleiben und Nachtwachen eingelegt werden, da jeden Augenblick auch der Verkauf für weitere Locations beginnen konnte. Für einige Hallen hatten sich die lokalen Präsentatoren im Vorfeld ein bestimmtes Kontingent an Tickets gesichert, wie zum Beispiel der Kölner Stadt-Anzeiger und Radio Eins Live für die Kölnarena, was zu großen Ärgernissen führte, da man auf dem konventionellen Wege oft von vornherein nur einen Platz der hinteren Ränge bekommen konnte.
    Als “Exciter” am 15. Mai 2001 in den Handel kam, war die Europa-Tour mit Ausnahme der riesigen Open Airs in Leipzig oder Hamburg bis auf wenige Restkarten ausverkauft und das, obwohl Zusatzkonzerte in Berlin, München und Köln gebucht wurden und dies die Tour zu einen Album war, welches trotz Napster noch immer nur einem kleinen Teil der Ticketkäufer bekannt gewesen sein wird. Man stellte sich die Frage, ob einer Band überhaupt ein größerer Vertrauensbeweis erbracht werden könnte.
    Am 23. April erschien zunächst mit “Dream On” die erste neue Single seit zweieinhalb Jahren. In Deutschland stieg sie direkt auf Platz 1 und in England auf 6 ein. Dies ist nach “People Are People” (1984) Depeche Modes bislang zweiter Nummer-Eins-Hit in Deutschland. Es folgte ein Auftritt bei der Chart-Show “Top Of The Pops” in England. Bei dieser Gelegenheit wurde in weiser Voraussicht auch gleich die geplante zweite Auskopplung “I Feel Loved” gespielt und aufgezeichnet, natürlich aber erst zum gegebenen Zeitpunkt ausgestrahlt. Anders als seit 1989 gehandhabt, wurde dieses Mal nicht der vermeintlich härteste Song eines Albums als erste Single ausgekoppelt, wie es “Personal Jesus”, “I Feel You” und “Barrel Of A Gun” einst waren. “Dream On” ist ein ruhiger, bluesiger Titel mit einprägsamen Refrain und in Andy Fletchers Augen so etwas wie die musikalische Schnittmenge von “Exciter”. Der zweite Singletrack, das Instrumental “Easy Tiger”, auf dem kommenden Album in einer kürzeren Version enthalten, fiel in seiner ausgeprägten Dezenz zunächst kaum ins Gewicht. Erst als mit diesem Song später die Konzert eingeleitet wurden, richtete sich die volle Aufmerksamkeit auf seine leichten, warmen Klänge. Heute ruft “Easy Tiger” bei vielen Besuchern der letzten Tour Erinnerung an die in dunklen Rottönen strahlende Bühne und die knisternde Spannung in den Hallen hervor. Weder hier, noch bei einem der kommenden drei Videoclips führte Anton Corbijn Regie. Nach der TV-Premiere des im Stile eines Road-Movie aufgebauten “Dream On” am 30. März hörte man jedoch zunächst nur vereinzelt Stimmen, die diesen Umstand zu bedauern schienen.
    Ab Mai 2001 gab es dann endlich den lang ersehnten Longplayer auf ganz legalem Wege zu kaufen. Depeche Mode hatten selbst, wie erwähnt, im Vorfeld mit kurzen Soundschnipseln auf ihrer Webseite dafür gesorgt, daß der Überraschungseffekt erstmalig in Grenzen blieb. Es bliebt schwer einzuschätzen, ob dieser intendierte Vorgeschmack oder das nicht einkalkulierte schwarze Napster-Vertriebsnetz Auswirkungen auf die Verkaufszahlen hatten. Angesichts der Tatsache, daß das Album in vielen Staaten allein durch die Zahl an Vorbestellungen Gold-Status erlangt hatte läßt sich in jedem Fall festhalten, daß diese Faktoren der Band keinen offensichtlichen Schaden zugefügt hatten. Unter anderem in Deutschland, Frankreich und Belgien sowie in vielen skandinavischen und osteuropäischen Ländern erreichte auch “Exciter” wieder die Spitze der Charts.
    Die Fachpresse erkannte bei aller Zurückhaltung im Soundbild neue Qualitäten, hob weitgehend einstimmig die Eigenständigkeit und den Facettenreichtum des Albums hervor und schrieb anerkennend über Dave Gahans auffällig gute Gesangsleistung. Mit Depeche Mode enger verbundene Organe, wie etwa Fanzine, Mailinglisten oder Internetforen, werteten “Exciter” nicht ab, zeigten sich jedoch in mehreren Fällen enttäuscht über die nicht vorhandene Komplexität. Auch fehlte es den Stücken an Tanzbarkeit. Nie zuvor in der Bandgeschichte war zu beobachten, wie sich die Ablehnung eines Albums in Laufe der Zeit noch intensivierte. Während die zwei vorangegangenen Alben “Ultra” und “SOFAD” nach einer kurzen Phase der Gewöhnung oder auch Ablehnung ihren Platz in den Herzen der Anhänger sichern konnten, wird “Exciter” heute mehrheitlich als langweilig oder belanglos angesehen, wie Umfragen und Diskussionen in einschlägigen Medien zeigen. Allein Dave Gahan sich der Tatsache bewußt, daß die Masse an Balladen ungewöhnlich ist, wenngleich Anfang 2001 noch nicht die Reaktionen des Publikums abzusehen waren: “Ehrlich gesagt habe ich das Album seit Abschluß der Aufnahmen nicht mehr gehört. Ganz einfach weil ich das Gefühl hatte, daß ich etwas Distanz brauche, um es richtig einschätzen zu können. Aber vor kurzem hatten wir eine Fotosession in Los Angeles und der Fotograf bat uns, ihm die CD vorzuspielen. Als sie dann lief ertappte ich mich dabei, daß sie mir doch etwas zu ruhig vorkam. Aber das ist nun mal, was wir wollten und wie wir uns fühlten.”
    Depeche Mode hatten immer eine musikalische Weiterentwicklung angestrebt und verwirklichen können, das bewiesen sie mit jedem Album aufs neue. Auch wenn die Songs prinzipiell ihre unverwechselbare Handschrift trugen, klang doch jedes Album in seiner Gesamtheit anders als der Vorgänger und zuletzt überzeugten sie schließlich immer mit Konzepten, die niemand in dieser Form hätte vorhersagen können. “Exciter” war nun die erste totale Überraschung, da es meilenweit von allem entfernt ist, was man bisher für ihre Maxime oder einfach “Depeche Mode” gehalten hat. Künstlerische Freiheiten, die sich die Band längst leisten konnte, werden hier erstmalig vollständig ausgeschöpft und so fanden Einflüsse aus Avantgarde, Chanson oder Ambient ebenso ihren Niederschlag wie schon immer oder zuletzt verstärkt eingebundene Elemente aus Pop, Rock und Blues.
    Greifbarer, beinahe intim erscheinen Depeche Mode im neuen Jahrtausend, und wenn man in ihren Songs heute düstere Romantik suchen wollte, muß man erst durch das Licht der Musik in Martin Gores Texte blicken. Es scheint, als würde erst hier das finstere Kapitel der mittleren Neunziger wirklich aufgearbeitet: Räume ohne Licht und Menschlichkeit, “Zombie Rooms” im Text von “Dead Of Night”, die der Sänger jahrelang mit seelenlosen, unbekannten Leuten teilte, wo entartete Parties stattfinden und sich in Dekadenz gesuhlt wurde. Gahan singt bei “The Sweetest Condition” und “Dream On” von der süßen Versuchung, die er erst gesucht hatte, aber von der er später nur noch heimgesucht wurde. Diese Beziehung wurde von Anfang an nicht von Liebe, sondern von Verlangen dominiert. “When The Body Speaks” erzählt von der wiedergewonnenen Einigkeit von Körper und Geist, der Fähigkeit, zu fühlen und gefühlt zu werden. Die Texte in ihrer Gesamtheit handeln von Lust, Verlust und letzten Endes dann doch wieder ausschließlich von der Liebe in allen Facetten und Pervertierungen. Auch wenn es zunächst so scheint, als schriebe Martin Gore in erster Linie aus der Sicht des Sängers, ist dies auch auf “Exciter” nicht der Fall. Gahan erklärt: “Die meisten Erfahrungen haben wir zusammen gemacht. Schließlich haben wir in den vergangenen 20 Jahren sehr viel Zeit miteinander verbracht, das bleibt nicht ohne Folgen.” Warum Gore nicht schon eher solch deutliche Worte suchte, begründet Gahan so: “Martin wußte, daß es nur wenig Sinn machen würde, mich zum damaligen Zeitpunkt damit zu konfrontieren. Es war alles noch zu frisch. Er hat gewartet, bis ich mich mit den Texten identifizierten und nachvollziehen kann, wovon sie handeln und welche Gefühle darin stecken. Eben wei ich sie selbst erlebt habe.”
    Nach einem Clubkonzert in Los Angeles und zwei Warm-Ups in Quebec und Ottawa startete die “Exciter”-Tour am 16. Juni im kanadischen Montreal und führte zuerst mit 41 Konzerten durch Kanada und die Vereinigten Staaten. Erneut betraute man Anton Corbijn mit dem Entwurf der Realisierung das Bühnenbildes sowie Christian Eigner (Drums), Peter Gordeno (Keyboards), Jordan Bailey (Vocals) und Janet Cooke (Vocals) mit der Rolle als Livemusiker. Corbijn hielt an den Vorzügen eines kompakten Sets fest und präsentierte eine auf den ersten Blick regelrecht nackt aussehende Bühne. Im Hinergrund prangte eine riesige Leinwand, die lediglich bei fünf Songs Einsatz fand, drunter unter anderem mit einem fesselnden neuen Clip zu “It’s No Good”. Wie ursprünglich geplant, sollte sich diese Leinwand nach vorn klappen lassen und eine Art Dach ergeben. Von dieser Moglichkeit wurde jedoch nur ein einziges Mal Gebrauch gemacht, “da es technische Probleme gab und irgendwie nicht besonders gut aussah”, wie Fletcher nach der Tour erklärte. Weitere optische Effekte gingen von statischen und bewiglichen Lichtelementen, die auf der ganzen Bühne verteilt waren, aus. So senkten sich beispielsweise während “Freelove” ein Lichtervorhang oder zu “Personal Jesus” pulsierende Kreuze von der Bühnendecke. Einen agileren Dave Gahan hatte man lange nicht erlegen können. Die Show lebte von seinen großartigen wie eigenartigen Posen und Tanzeinlagen. Die Interaktion mit Musikern und Publikum wurde groß geschrieben, wenn auch der ruhige Mittelteil dieser Konzerte für den Geschmack vieler Besucher etwas zu lang geraten war. Bei den Hallenkonzerten fiel dies nicht primär ins Gewicht, aber den riesigen Open Schwerpunkt auf tanzbaren Titeln sicher gut getan.
    Während Europa bereits den Terminen in bequemer Entfernung entgegenfieberte, kam am. 23 Juli mit “I Feel Loved” zunächst eine weitere Single heraus. Das wohl interessanteste an ihr ist der neue Song “Dirt”, eine spontan während der “Exciter”-Sessions entstandene Coverversion des Stooges-Klassikers, die Gahans Stimme in nicht gekannter Form präsentiert.
    Als Special-Guest für den europäischen Tour-Abschnitt gewann man mit Fad Gadget ein Ikone des avantgardistischen Minimal-Electro der frühen Achtzigen: Hatten Depeche Mode der Verpflichtung in seinem Vorprogramm 1980 ihren späteren Plattenvertrag zu verdanken, konnten Fad Gadget alias Frank Tovey 17 Jahre nach der Veröffentlichung seines letzten Studioalbums “Gag” ein fulminantes Bühnen-Comeback feiern. Sein unerwarteter Tod kurz darauf bleibt eine Tragödie.
    Ende August ging in Tallin, Estland, das erste Konzert auf europäischen Boden über die Bühne. Am 5. und 6. September erlebte man dann in der Berliner Waldbühne die ersten der insgesamt 13 Konzerte in Deutschland, be denen allein weit mehr als 300.000 Besucher gezählt wurden. Die Tour führte anschließend im Zickzack-Kurs durch den Kontinent, schließt ein erstes Konzerte in der Türkei ein und endet mit einem Zusatzkonzert am 5. November in der Mannheimer Maimarkthalle. Der bis heute letzte Auftritt von Depeche Mode fand drei Tage später bei den MTV European Music Awards in Frankfurt statt, wo sie zwar keinen Preis gewinnen aber mit “Never Let Me Down Again” der versammelten Konkurrenz die Show stehlen konnten. 81 Konzerte mit rund 1,5 Millionen Besuchern gehen in die Bilanz der “Exciter”-Tour ein – die profitabelste der Bandgeschichte. Noch zwei weitere Singles wurden aus dem jüngsten Album ausgekoppelt: “Freelove” erschien am 5. November 2001 und “Goodnight Lovers” am 11. Februar 2002. “Freelove” überzeugte in einer neuen von ihrem ehemaligen Produzenten Flood angefertigen Version und stieg in Deutschland auf Rang 8 ein. Warum dann aber ausgerechnet der unauffälligste Albumtrack als letzte Single ausgewählt wurde, ist nur schwer nachvollziehbar. Zur Freude der Sammler gab es von “Goodnight Lovers” wenigstens eine limitierte 12”-Maxi in durchsichtigem roten Vinyl und zwei hochinteressante Versionen von “When The Body Speaks” und “Dead Of Night” waren enthalten. Kritik zu einem insgesamt weniger glücklich wirkenden Händchen bei der Auswahl der letzten Singles scheint zurückblickend nicht unangebracht. “Dream On” brach bereits mit einer Tradition, wenngleich sie sehr erfolgreich war, “I Feel Loved” kann durchaus als einer der schwächsten und “Goodnight Lovers” ganz klar als der Single-untauglichste Titel des Albums bezeichnet werden. Allein “Freelove” erwies sich von vornherein als designierte Auskopplung. Aber da “Exciter” sich in vielerlei Hinsicht von anderen Alben Depeche Modes unterscheidet, wäre eine traditionelle Folge, etwa in der Form “Dead Of Night” – “Shine” – “Freelove” – “Dream On”, beinahe wieder zu vorhersehbar gewesen.
    Ungelich bedeutender ist schließlich noch die Erwähnung zweier im Jahr 2002 veröffentlichter Doppel-DVDs. “One Night In Paris” wurde während der Konzerte am 9. und 10. Oktober 2001 im Pariser Bercy aufgezeichnet und hält die komplette Show weitgehend authentisch in perfekter Bild- und Tonqualität fest, neue Interviews und weitere Features finden sich auf der zweiten DVD. “One Night In Paris” war die erste Musik-DVD, die in die deutschen Album-Charts einstieg nachdem sie bereits vor der Veröffentlichung den Gold-Status erlangt hatte. Drei Monate später wurde die DVD nach über 50.000 verkauften Einheiten in Deutschland auch mit Platin ausgezeichnet und gewann bei der größten internationalen Musikmesse Popkomm in Köln den Award in der Kategorie “Bester Konzertmitschnitt / Beste Künstlerdokumentation”. Gegen Jahresende erschien die DVD- Neuflage von “The Videos 86>98” mit allen Clips dieses Zeitraumes und gesuchtem Bonusmaterial auf einer zweiten Scheibe. Einen Monat zuvor, am 21. Oktober, zeigte sich die Band nach einjähriger Abstinenz erstmalig wieder öffentlich bei der Verleihung des Q-Awards 2002 in London, wo sie ihren gewonnenen “Innovation Award” in Empfang nehmen durften.
    Wenige Wochen vor dem Erscheinen dieser Chronik, bestätigten sich die schon länger kursierenden Gerüchte über geplante Soloalben von Martin Gore und Dave Gahan. “Counterfeit²” von Martin Gore soll ab dem 28. April in den Läden stehen und elf Eigeninterpretationen von Songs, zu denen er in einer besonderen Beziehung steht, enthalten. Darunter werden sich Titel von Künstlern wie Nick Cave, Brian Eno, David Bowie / Iggy Pop, sowie das auf deutsch gesungene “Das Lied Vom Einsamen Mädchen”, welches von R. Gilbert und W. R. Heyman komponiert und beispielsweise von Marlene Dietrich interpretiert wurde, befinden.
    Ein Veröffentlichungstermin für Dave Gahans Album ist für Anfang Juni anberaumt und wird ersten Informationen zufolge gleich mehrere musikalische Überraschungen bereithalten.
    Andy Fletcher, der gerade sin eigenes Label, ‘Toast Hawaii’ gegründet und darauf eine Maxi-CD des ersten Signings namens Client veröffentlichte, erklärte in einem Interview Anfang dieses Jahres, daß gute Chance für neues Material von Depeche Mode in absehbarer Zeit bestünden. Bereits im April oder Mai wird sich die Band wieder im Studio treffen und außerdem noch in diesem Jahr der Konzertfilm “101” mit weiterem Filmmaterial auf DVD wiederveröffentlichen.
    Auch nach mehr als 22 anhaltend erfolgreichen Jahren haben Depeche Mode offensichtlich noch immer künstlerische Ambitionen. Es ist ein Geschenk, daß man auch zukünftig mit ihnen rechnen kann.

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Offline Angelinda

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2003-05-30 - Exclaim (Canada) - Biography

Depeche Mode
Blasphemous Rumours
By Prasad Bidaye
May 30, 2003
Embarrassing haircuts, gender-bending lyrics and an unabashed dependence on pre-recorded tape have never made it cool to like Depeche Mode — at least not for long. Yet these Anglo synth-popsters have been at it longer than any of their contemporaries, outlasting early ‘80s new wave to late ‘80s alternative, ultimately standing in a class of their own. They’ve never claimed to be as influential as Kraftwerk or Stockhausen, but neither of those progenitors have ever made electronic music sound as sexy as Depeche Mode. And for all of their inventiveness with sampling, their appeal transcends technophile trainspotters. Among the many tribute albums, the most unorthodox props range from Johnny Cash’s cover of “Personal Jesus” and George Michael’s unreleased rendition of “A Question of Lust.” Not bad for a bank-teller, an insurance clerk and an art-school scenester with no serious musical aspirations, let alone a proper record contract. This month sees lead vocalist Dave Gahan breaking away from the Depeche fold with a self-written solo effort, Paper Monsters, and chief songwriter Martin L. Gore’s second album of cover songs, Counterfeit2. When asked to reflect on Depeche Mode’s quarter-century legacy, Gore grimly replies, “you want to get real boring?” (He hangs up shortly after.) But as a nearly religious fan since 1987 (exactly half my life), I beg to differ. With Depeche Mode, everything counts in large amounts — the music, the money and the madness.

1977 to 1979
In Basildon, Essex, a working-class “new town” outside of London, Vince Clarke and Andrew Fletcher are friends in a church-based, scout-type organization called the Boys Brigade. The pair form No Romance in China in 1977. Clarke, who had previously been in a gospel act, plays guitar and sings, and the admittedly non-musical Fletcher takes to bass. They perform a few pubs and stick mostly to covers of ‘50s pop, but become much more experimental after seeing two influential bands: the Cure, and Norman and the Worms. The latter features guitarist Martin L. Gore. Seeing Gore bring a Moog onstage inspires Clarke to pick one up for himself. He invites Gore to join him and Fletcher as a trio, Composition of Sound.

The band rehearse in the storage room of a church, which doubles as a popular jam-spot for various amateurs around Basildon. Clarke spots ex-punk art student Dave Gahan singing at a session and recruits him into Composition, less for his vocals than his good looks. Gahan also has a lot of friends, sparking hope the band might win an audience. Gahan persuades them to form an all-synth line-up and rename themselves Depeche Mode, the title of a French fashion magazine meaning “hurry up fashion.” Their foray into London’s futurist/new romantic underground is swift, but they’re initially rejected by every indie label in the country (including their future home, Mute Records) until scenester DJ Stevo solicits a track, “Photographic,” for his Some Bizarre Album, putting DM in the same company as Soft Cell, Blancmange and the The. The cult success of the comp has everyone from major label reps to shady business tycoons stalking the band. In one case, a Rasta offers to take Depeche Mode to Nigeria, dress them up in Doctor Who outfits and have them introduce electro-reggae to Africa. One night backstage, they meet Daniel Miller, the Deutsche-phile producer responsible for the Normal’s futurist anthem “Warm Leatherette” and owner of Mute. He proposes to release “Dreaming of Me” with a 50/50 sharing of the costs and no binding agreement to the label. They agree with nothing more than a handshake.

With Miller at the mixing desk, the still-teenaged Mode refine their brash, electro tendencies from Some Bizarre to create a melodic, synth-pop signature. “Dreaming of Me” barely cracks the UK Top 100, but the relationship with Mute is rewarding enough for the band to continue recording. “New Life” prompts Gore and Fletcher to quit their day-jobs and Gahan to leave college. A few months later, the punchy “Just Can’t Get Enough” turns DM into a UK boy band sensation. But the superficial rigor of lip-synching TV performances, autograph and photo sessions, and an overall emphasis on haircuts over the music, loses its appeal for Clarke. He decides to leave the band shortly before the release of Speak and Spell. On the verge of signing an American deal with Sire, the DM camp keeps the news to themselves until the end of the year. They put an ad in the classifieds of Melody Maker reading: “Name Band, Require Synthesizer Player, Must Be Under 21.” Alan Wilder, aka Alan Normal, a classically-trained musician with a history of playing in various post-punk bands (including the Hitmen with Juno Reactor’s Ben Watkins), is among the interviewees. He lies about his age and admits to not knowing much about Depeche Mode, but his ability to learn the songs perfectly by ear earns him a six-month trial-gig as their replacement keyboardist. His “alright looks” don’t hurt either.

Turing North America and Europe is a fun ride until recording sessions begin for the aptly titled A Broken Frame. The band inform Wilder that he’s “not needed” in the studio; he’s welcome to watch, but not play any of the instruments. The founding members are still bitter about Clarke’s ill-timed departure and feel a need to prove they can do it without him — especially when he finds greater success with Alison Moyet under Yazoo. Martin Gore takes to songwriting like an angst-ridden teen to poetry. His lyrics are sincere and introspective, but awkwardly phrased. The melodies are at best moody, and at worst, confused. The mediocre reception of A Broken Frame is followed by an official recognition of Wilder as a full-time member. He makes his first songwriting contribution to DM’s post-Clarke repertoire, “Get the Balance Right.”

The last leg of the Broken Frame tour takes Depeche Mode to Thailand. Gore is particularly scarred by the sights of extreme poverty and teenage prostitution. During the flight home, he begins scribbling down song ideas for Construction Time Again, comes up with lyrical critiques of capitalism’s “grabbing hands” and calls for a redistribution of the world’s wealth through a “universal revolution” of “caring.” The band’s political awakening is matched by a technological one — their initiation into sampling. Engineer Gareth Jones sends the boys to an East London scrap yard where they spend weeks hammering, scratching and blowing on any piece of debris they find. Fletcher is active in these experiments, but it’s increasingly clear that his keyboard playing is outmatched by Wilder. Fletcher takes up their business affairs and becomes an unofficial manager. He’s also a confidant and mouthpiece for the ever-shy Gore; the pair create a silent faction within Depeche Mode that operates to this day. A need for a bigger mixing studio takes them to Berlin; the foursome are deeply attracted to the city’s decadent liberalism, but it’s Gore who breaks up with his Christian fundamentalist fiancé, falls in love with a local woman and lives there for the next three years.

Depeche Mode’s social concerns become more sexual, as Gore enjoys a belated adolescence in Berlin and partying in the city’s 24-hour club scene becomes a way of life. He occasionally insists on being interviewed while lying down in the street, adding that “collapsing is enjoyable.” Fascinated with bondage and androgyny, he builds a new wardrobe of skirts, chains and other fetish gear. The rest of Mode are less adventurous in their style, but they readily trade their geeky, thin ties and suits for leather, lipstick and peroxide dye. Their makeover aims to be outrageous but is pretty much de rigeur in an English pop scene queerified by Culture Club, Bronski Beat and Frankie Goes To Hollywood. Where Mode stand out though is in the eccentricity of their sound. Some Great Reward draws attention to the body — hissing, spitting and spanking on “Master and Servant” and jolted respirations on “Blasphemous Rumours.” The experiments have less to do with sampling technology than with conveying Gore’s view of intimacy and desire in an ultimately boring world. He makes a concerted decision to sing “Somebody” in the nude. With Wilder’s piano as his only accompaniment, the production is testimony to the songwriter’s popular reputation for streaking as well as the band’s lesser-known talents for carrying a song unplugged.

The sexed-up singles on Some Great Reward draw controversy in Britain, but it’s the liberal call to tolerance on “People Are People” that strikes a chord with race-conscious North Americans. While rock journalists had previously written them off as talent-less “synth-wimps,” a new generation of disaffected American teens identify with Depeche’s non-comformist angst. Americans are brought up to speed with the best-of Catching Up With Depeche Mode. They’re also compelled to sign their first record contract with Mute — a single sheet of paper — after learning that Mute owner Daniel Miller’s weight problem may actually kill him. Gahan marries his long-time girlfriend and decides to put domestic life first. He looks down on the rest of the band as immature brats whenever they’re out drinking or clubbing, preferring his new hobbies, fishing and sports cars. The plan to settle down might have worked except for one flaw: Gahan is never home enough to execute it.

Black Celebration is the final, dark chapter of Depeche Mode’s Berlin trilogy — European existentialist brooding with a thin layer of optimism. Recorded every day non-stop over a four-month period, the process breeds a great deal of tension, claustrophobia and consequently, a great deal of spliff smoking. At one point, Gore freaks out and disappears for a few days, turning up in a rural area 150 km north of Hamburg. Gahan and Gore realise their potential, singing together in multiple harmonies, while Wilder does away with all synth presets, carving sounds from car engines, ping pong balls and moose farts. His curiosity for abstract sounds results in a solo EP, 1+2, as Recoil.

The title of Mode’s seventh album, Music For the Masses, is supposed to be ironic. Sleeve photos — red, phallic speakers in deserted surroundings — only emphasise the band’s conviction that no one is listening, and to some extent, they are justified. Like Black Celebration, MFTM is a majestic but hitless affair. However, as grunge and hip-hop would confirm a few years later, the underground is always bigger than the mainstream; when the band embarks on their Concert For The Masses tour, it’s a stadium-size affair. As always, Wilder, Fletcher and Gore play synths live to a pre-recorded tape, but no one seems to care. It’s Gahan’s pelvic thrusts, dervish-like spinning and exhortative “whoas” that have the crowd screaming like he’s a white Prince. As the most physically active member onstage, roadies frequently have to carry him back to his dressing room and resuscitate him with fluids. A little bit of coke never hurts either.

1988 to 1989
The band invites veteran documentarian D.A. Pennebaker to tag along on a second run of the Masses tour. Half the film crew rolls with Mode while the other half follows a small group of New York club kids bussing all the way to Pasadena, California, to catch Depeche on their now-legendary Rose Bowl gig. The film, 101, captures the band’s energetic performances as well as the machinations behind a modern rock concert: the technicians, the accountant, the merch stand, the press, etc.

There’s nothing to suggest that Gahan is sleeping with his female fans or that band tensions can get hot enough to have Wilder and Fletcher close to blows just before an encore in Toronto — a few days before the Pasadena gig.

They remain jovial enough to get all coked-up for cricket matches with tour support, OMD. After raking in more than a million for the Rose Bowl gig alone, Depeche Mode is now its own cultural industry. Mode albums are outsold by t-shirts and outplayed by bootleg tapes and DJ-friendly 12-inches. This prolific period finds Wilder releasing another Recoil album, Hydrology, and Gore on his first solo outing with Counterfeit, a lo-fi set of obscure pop covers. Meanwhile, Dutch photographer Anton Corbijn films Strange, a 30-minute collection of DM videos shot entirely in a grainy, black and white à la the French new wave. It heralds their first “serious” look, turning Corbijn into Depeche Mode’s art director and unofficial fifth member.

At a glam-metal nightclub, G’N R front-man Axl Rose gushes on about being their biggest fan and even offers to sing “Somebody” on the spot. When they learn that Rose shot a pig at a friend’s barbeque party later that night, they immediately release a statement: “as strict vegetarians, the band are appalled by Rose’s behaviour and do not wish to associate themselves with anyone who goes around shooting pigs for fun.” Their arrival for an autograph session in L.A. sparks 15,000 dark-clothed fans to riot in the streets outside a record store. A more inspired black celebration takes place in Detroit, where the band are hailed as heroes by the city’s still-indigenous techno scene. Kevin Saunderson declares “Get the Balance Right” as the world’s first techno record, while Derrick May escorts the band to his gigs at the Music Institute where they’re mobbed by a mostly African-American audience — an indicator that Depeche’s fandom is neither exclusively white nor suburban. Though the band admits to not being big fans of newer dance music, its sonic influence inevitably filters onto Violator. With Flood and Francois K. on the mix, the Mode masterpiece is sculpted with less programming and samples, more analogue pulses and in-studio jamming, and an overall aesthetic of clarity and restraint. Unfortunately, the latter can’t be said for band members’ personal lives. Gahan is constantly on the phone, getting drunk and personal with DM’s American publicist, Theresa Conroy, while Fletcher is falling into a deep depression triggered by the loss of his sister to cancer. He checks in at the Priory — a celebrity rehab retreat, and finds the Cure’s Lol Tolhurst there for similar reasons. At other times, the fashionable availability of ecstasy has everyone’s energies swinging to the other extreme and turns the World Violation tour into a seven month-long party with Gore in charge of ensuring that everyone is “on one.” The E’ed up vibe behind the scenes hasn’t yet disrupted the band’s performances. With Corbijn’s films on two screens, the quartet play extended sets and deliver some songs unplugged. It’s interesting to note that U2 are in the audience — when it comes time for Achtung Baby, they employ Corbijn and Flood; the stage set and program for U2’s Zoo TV is arguably a hyperbolic version of World Violation.

1991 to 1992
Following their greatest success, the band disappears. Wilder, Fletcher and Gore retreat to London and a domestic life. Fletcher and Gore continue to meet up and party, but they only see Wilder during a recording session for the Until The End of The World soundtrack. Wilder keeps musically active with production work for Nitzer Ebb and a poppier Recoil album, Bloodlines, with vocal contributions from Curve’s Toni Halliday, Diamanda Galas and a fledgling ambient-house DJ named Moby. Fletcher feeds his managerial interests by opening up a wine-bar, Gascogne, and Gore finds out that he’s black. Or rather, that his father is. His mother gives him the news a month before his birthday in 1992. “It wasn’t like a big Oprah thing,” he reflects. “It was more of a ‘wow, my dad could be John Lee Hooker!’ Unfortunately, he wasn’t.” Instead, the curly-headed Englishman learns that he is a spitting image of his biological, African-American father, save complexion and hair colour. Meanwhile, Gahan leaves his wife (a relationship that he’s had longer than his time in Depeche) migrates to Los Angeles and with the encouragement of new mate Conroy, metamorphoses into an grungified antithesis of his synth-pop self: long hair, a devilish goatee, nipple-piercings, a scrotum ring and too many tattoos (including one that reads, “TCTTM-FG” – Teresa Conway To The Mother-Fucker Gahan). The rest of Mode barely recognise him when they meet to plan the next album. Americanised and self-righteous, Gahan demands they get a drummer so they can rock out like his new favourite band, Jane’s Addiction; arguments ensue. Wilder volunteers to play drums and Gore delivers a set of demos that are closer to gospel-blues and tinged with Sufi-like themes of mystical love. A villa-cum-studio is rented so that the band can live and work together, but neither transpires. Unhappy with the direction that his songs are taking, Gore spends the sessions drunk, playing video-games; Fletcher relapses into his obsessive-compulsive disorder and returns to London; and Gahan isolates himself in his bedroom. He shoots smack, makes feedback noises with a guitar and rediscovers his first love, painting. The business of music-making falls mostly on Wilder and Flood, with occasional input from the others, the fruits of which are the distortion-heavy, spiritually cathartic Songs of Faith and Devotion.

1993 to 1994
Corbijn’s staging of the 14 month-long Devotional tour is his most elaborate: 11 screen projections, chains hanging from the backdrop and three keyboardists on risers at least ten feet above Gahan. Gore doubles on guitar, Wilder on drums, and two gospel singers, while Gahan indulges his Dionysian persona, masturbating to the crowd’s maenadic satisfactions. The spectacle is even bigger at the backstage parties: porn-themed VIP areas, groupies chosen by the roadies, and plenty of stimulants. The band hires a psychiatrist, but he jumps ship before the European leg of the tour is over; the other employee, an official drug dealer, stays on. The full-tilt insanity is probably not much different from previous tours, except this time none of the members are partying together, let alone interacting with each other outside of their two hours onstage. Gahan, whom everyone now calls “the cunt,” keeps his vigour up with a daily routine — three hours of circuit-training and yoga — but heroin is speeding the deterioration of both his voice and skin. He collapses onstage in Budapest, suffers a heart attack backstage in New Orleans, gets arrested after a hotel scuffle in Quebec and breaks his ribs during an embarrassing attempt at stage diving in Mannheim. The rest of the band never engage Gahan on his destructiveness, mostly because they have their own problems. Gore, who’s drinking at least two bottles of wine every night because he’s convinced he won’t remember any of the songs if he’s sober, suffers from panic attacks and eventually a seizure. Wilder is hospitalised with kidney stones and Fletcher quits the tour after a nervous breakdown. Wilder teaches all of his parts to Daryl Bamonte (a party-hungry roadie who’s been in the DM camp since the Basildon days) and the band finishes the remaining three months of the tour with ultra-hedonists Primal Scream on board. Gahan spends more time debauching with them than his own bandmates and by the end of the jaunt, he weighs less than a hundred pounds. When it’s all over he says he hates singing Depeche Mode songs and wants to form a rock’n’roll band. He just keeps shooting up instead.

1995 to 1996
Wilder divorces his wife and hooks up with Hepzibah Sessa, a violinist in Miranda Sex Garden whom he began seeing while her band was a supporting act on the Devotional tour. He calls a meeting with Fletcher and Gore in June 1995 and announces his decision to quit. An official statement cites “a consistent imbalance in the distribution of the workload” (a probable reference to the fact that he’s earning the same as Fletcher), a lack of respect for his input (a critique aimed mostly at Gore), and the extent to which internal relations have become “intolerable.” His only way of informing Gahan is by fax. He does not respond. Separated from Conroy and barred from visiting his son, Gahan is a paranoid junkie, painting on the walls, staring at the Weather channel for hours and rarely leaving his house without a gun in his hand. He overdoses in August 1995 and briefly goes sober after six weeks in an Arizona clinic, but relapses after he returns and finds his home burglarised. He puts the house up for sale, checks in at the Sunset Marquis hotel with a girlfriend, shoots up, drinks a bottle of wine and takes some Valium. He calls his mother and asks her to hold on while he goes to the bathroom and slashes his wrists with a two-inch razor. The next morning, he ends up in a psychiatric ward and is notified that he’s broken a local law against suicide. He’s advised by the staff to try cutting his veins vertically, rather than horizontally, next time if he wants to be successful.

Back in England, Gore and Fletcher start work on Ultra with Bomb the Bass’s Tim Simenon as producer and his team of musicians filling Wilder’s shoes. Gore is constantly in the studio, emphatic on keeping the tracks beat-oriented and electronic. By the time six tracks are done, a couple of phone conversations with Gahan are enough to coax him to record some vocals, but only on the stipulation that it’s in a studio in the United States. The band hires out Electric Ladyland in New York and though Gahan is punctual and committed, his voice is destroyed from abuse and he’s often unable to stand in front of the mic for more than an hour. The band send Gahan back to L.A. to seek a vocal coach and clean up. He checks back into the Marquis on May 27, 1996, and with his dealer by his side he shoots up a coke and heroin speedball. The concoction is called Red Rum — murder spelled backwards. Cardiac arrest follows and Gahan is clinically dead for six minutes. When he wakes up, he’s handcuffed to a police officer reading his rights. He’s booked for drug possession and spends a few nights in a county jail. When the news hits the rest of DM, Gore frets that Ultra is going to be a solo record. Gahan returns to New York and gets clean — a judge threatens to take his green card if he doesn’t.

Despite remix support from Richie Hawtin and DJ Shadow, Ultra makes Depeche Mode strangely irrelevant in the year of electronica. The disc is boring and dispassionate. Gahan’s rock god invincibility is deconstructed in his mournful confessions: “Is there something you need from me/Are you having your fun/I never agreed to be/Your holy one/Whatever I’ve done/I’ve been staring down the barrel of a gun.” The guys perform club gigs in Los Angeles and London with just a handful of songs, but are too shell-shocked to tour.

An uncertain future makes for a perfect time to cash in. Retro staple “Just Can’t Get Enough” soundtracks a Gap ad. The half-decent Tribute to the Masses boasts covers by the Cure, Smashing Pumpkins, Gus Gus and other mostly non-electronic acts partially selected by the band. The Singles 86-98 follows with two new tracks, as does its DVD equivalent, The Videos, and a refashioning of Catching Up as The Singles 81-85. With back-up singers, a keyboardist, drummer and live computer operator, the Basildon three take their greatest hits on the road. Mode heads (including Prof. Stephen Hawking) represent in droves, but find the band looking timid, unmotivated and unsure of what they’re supposed to do up there. Gahan is drugless and vocally confident, but he rarely pulls out the old moves and the still-present effects of withdrawal have him drenched with sweat at the end of every show.

2000 to 2002
Gahan settles in New York and marries a woman he met in detox; Gore moves move to California while Fletcher stays in London. The geographical distance makes them less active but more energised and tolerant during the Exciter sessions. Partly written in Vancouver, Gore’s new songs contemplate the perennial mysteries of love (as obsession, humility, addiction, care, etc.). LFO’s Mark Bell lends his square-wave touch to the album, generating most of the sounds on laptop. The producer also has Gahan singing his vocals into Protools on a daily basis to make him feel like he’s “living” with the lyrics — a psychological technique tried and tested with Björk. The results find Gahan bold yet angelic and in top form. With no new haircuts to model, the band look healthy, rejuvenated and actually playing together on the subsequent tour. They’re genuinely excited about music and life in general, but as Corbijn documents on the One Night in Paris DVD, Depeche Mode have come full circle and become the aging rock stars they once rebelled against. Gore is Keith Richards’ to Gahan’s Jagger-esque posing. But offstage, the axe-handling songwriter is very much in tune with 21st century music. A big admirer of glitch, Gore takes up DJing as a second job.

Fletcher establishes his own label, Toast Hawaii, which presently features only one act on its roster, the androgynous electro-duo Client. (Toast Hawaii is also the name Fletcher used for a recording of lounge-y tracks from the mid-‘80s, on which he sang with the rest of Mode as his back-up band. There’s a possibility that this cassette-only session may resurface as a bootleg MP3.) Gore has just dropped another cover album, Counterfeit2, a soulful, IDM-wise tribute to Blind Willie Johnson, Nick Cave and Kurt Weill among others. Gahan is finally releasing his much-anticipated album, Paper Monsters, a collaboration with Knox Chandler (who did the strings on Exciter) and Sigur Rós producer [whatshisname] that for the first time, features Mode’s main-man mouthing his own lyrics and actively involved in the instrumentation. It’s an autobiographical affair full of junkie tales (“Bottle Living”), redemptive pleas (“A Little Piece”) and relationship blues (“I Need You”). Paper Monsters has its moments of live-band spontaneity and growling hunger, but Gahan is limited when it comes to his tonal range and vocabulary. Gore is melodically much more savvy, but his voice on Counterfeit2 is comparatively frail. The pair’s strengths clearly balance their weaknesses, but whether they can regroup for another Depeche Mode project remains a question. On his press tour, Gahan has repeatedly stated that unless its going to be mutual collaboration, there is no point; the B-side “Closer” is actually a track written and then rejected for Ultra. He’s also admitted his regrets for Wilder’s departure, adding that Gore should call him up and apologise. Though there hasn’t been a Recoil release since 1999, Wilder has kept the project active with its ever-eclectic list of guest players. His arrangements are dark and cinematic, but devoid of his former band-mates’ distinctive personalities. Although there was talk of Wilder contributing some piano to Paper Monsters, a reunion of the core line-up seems unlikely given the combination of egos. Besides, there’s no need to reunite for Mode classics, when both Gahan and Gore are playing some of them in their live sets. But given that there’s been a construction time again for every broken frame, it’s likely there’s still more to come.

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« Reply #10 on: 24 March 2012 - 00:35:35 »
2003-07-24 - Medien Konverter (Germany) - Popkomm

Fr. 15.08., ca. 23.00 Uhr, Introducing-Festival/ E-Werk

Kurz vor Veröffentlichung ihres Debüt-Albums am 18. August laden Client zur Pre-Listening-Party ins E-Werk, wo sie im Rahmen der Introducing-Festivals mit zwei weiteren Gastmusikern aufspielen werden. Unterstützung an den Decks erhalten sie von Andy Fletcher (Depeche Mode), auf dessen Label "Toast Hawaii" das Client-Debüt erscheint.

Doch nicht nur um seine beiden Schützlinge zu umsorgen ist Andy Fletcher angereist: Er wurde von der Popkomm eingeladen, am Samstag (16.08.) die Keynote Speech zum Thema "A Lifetime In Music" zu halten. Er referiert zu den Themen A&R und Band-Organisation bei Depeche Mode. Im Anschluss steht Andy Fletcher für Fragen aus dem Publikum bereit.

Ort: Kongressgebäude/ Popkomm/ Messe Köln
Zeit: 11-12 Uhr

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« Reply #11 on: 24 March 2012 - 00:40:54 »
2003-08-16 - Depeche Mode - News

Fletch's Popkomm speech
post date: August 16th, 2003
Fletch was invited to speak at Popkomm Music Fair. He gave a speech on his "Lifetime In Music", at 11 am local time.
If you were not there to hear it, we have the entire Popkomm transcript available for you to read.

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Re: 2003-2004: Other News
« Reply #12 on: 24 March 2012 - 00:41:15 »
2003-08-16 - Depeche Mode - Popkomm Speech

Fletch's Popkomm speech
This was originally posted on on August 16th, 2003
I'd like to thank Popkomm for inviting me and I would especially like to thank Anne Berning of Mute Records, Germany, for persuading me to go through this ordeal.
The topic of Lifetime in Music is very relevant to me as I have been a member of a successful band my entire adult life.
I won't bore you with an entire history of all those years as that would take most of the day and would interest only the most die-hard of Depeche Mode fans. Instead, I thought I'd concentrate on the early years of DM and the unusual and successful relationship we have with Daniel Miller, founder of Mute records, and how I'm trying to take those things I've learnt and apply them to my new label Toast Hawaii, in particular with my first artist Client, who performed last night at Popkomm.
I am 42 years old and for nearly 24 years have been a member of Depeche Mode. During these years we've had countless hit singles and albums all over the world. We've toured extensively during that time in every continent on the planet and sold over 70 million records. For some bizarre reason we seem to be as popular now as we have ever been.
I was born in Britain and grew up in a town called Basildon in Essex, about 30 miles east of London. At the age of about eight or nine I first met Vince Clarke and, although we went to different schools, we remained friends throughout our teens. From my secondary school I got to know Martin Gore, who became and still is, one of my best friends.
We all had very different musical tastes early on but at the age of about 16 the punk explosion happened. This changed everything in music and for the first time you didn't have to do a 20 minute drum solo or play the guitar solo for Lynyrd Skynard's Freebird behind your back to be in a band. All you needed was attitude, a few ideas and to be able to play a little.
Martin and Vince had already been in various dodgy bands. I had long greasy hair and was listening to the likes of Deep Purple and Barclay James Harvest. I decided to chop off my hair and start learning bass guitar. After a while, with our newfound attitude me, Vince and Martin decided to form a band. Initially we were more like a traditional line up with Vince on guitar, Martin on keyboards and me on bass. We lacked a drummer purely because we didn't know one so we added a drum machine.
After a few local gigs - from our living rooms to youth clubs - we stumbled across Dave Gahan who came from a different part of town. He looked great, sounded great, and most importantly, he knew more people than us! He was finally persuaded that we were just about cool enough for him to be in a band with and he joined as front man and lead singer.
By now we had ditched the guitars for keyboards. We had been listening to a lot of electronic music at the time such as Kraftwerk and The Human League. The new monophonic synths were very cheap and were perfect for one-fingered keyboard playing - which was about all we could do then - and they also seemed to have endless sound alternatives.
After a quick name change at the age of about 16 or 17, Depeche Mode were born in 1979. Initially, because of Dave's connections, we were lucky to pick up a few gigs in local clubs and, thinking already that we were the best band around, decided to make a demo.
For the next year, although we were enjoying ourselves writing songs and occasionally performing, things went a little flat. No one liked the demo and we couldn't pick up any gigs outside our own area, in particular London, where everyone seemed to be and where it was all happening.
At one stage Vince and Dave caught a glimpse of Daniel Miller of Mute Records at Rough Trade while shunting the demo around. He took a quick look at them and then grunted off. This was disappointing because at this time Mute seemed very cool to us with the likes of The Normal, Silicon Teens and Fad Gadget. It was only later we found out that 2 of these bands were Daniel himself.
It was starting to get a bit depressing by now and our only offer was to dress up in a space age outfits and play electronic reggae in Africa which Vince, in a mad moment seemed keen to do. Luckily this moment of madness lapsed.
Our big break came in 1980 when we managed to get a residency at the Bridgehouse in Canning Town in east London. We started playing to about 20 people on a Monday night but soon started to pick up a modest following. Then to our delight, we were offered a chance to support Fad Gadget. This was maybe another chance to meet the ever elusive and, as we thought, grumpy Daniel Miller.
At the same time, due to our increasing popularity and the booming electronic (or as it was then called New Romantic or Futurist) scene, various record companies and agents were starting to sniff around. By the way, in 1980/81 New Romantic meant "loosely based electronic music with funny haircuts, terrible clothes and a bizarre tendency for men to wear dubious make-up." My own outfit at this enlightened time comprised of a purple woman's blouse (made by Vince's mum), cut down trousers, white football socks and bedroom slippers painted black. I thought I was the coolest of them all - apart from Dave of course, who looked cool in just about anything.
The Fad Gadget gig went well and afterwards Daniel came backstage and said he liked out performance. We were shocked at his appearance - he was wearing NORMAL clothes - but we put that aside when he said he might be interested in working with us in some way. This is how the famous relationship between Depeche Mode and Mute began.
The first fruits of this came when Daniel helped us out in the studio for a track that was to be on a compilation album call "Some Bizarre." The track was "Photographic." The album of new artistes also included groups such as Soft Cell, The The, Blancmange and many others who went on to become stars. We were very fortunate that John Peel from Radio One chose our track to feature on his radio show.
Daniel was keen to work with us at this stage but somehow, despite our dodgy clothes, we had become one of the hottest unsigned bands in the country and were pursued by most of the big record companies in the UK and even the US, offering us heaps of money.
To put things into context we were now gigging in London and various other parts of the country but most of us still had day jobs; Martin in a bank, me in an insurance company, Dave at fashion college and Vince generally unemployed but sometimes working in a yoghurt factory.
We seemed to be going in the right direction. We had a decent bunch of songs and were gaining a decent following. But we had no manager and were being pressed to make a decision on what to do next.
We finally decided not to go the money route and pledged ourselves to Mute. Daniel was not offering any money. He was a small indie with only one person helping him out. The deal meant: no contract, 50/50 partnership sharing the costs and the profits, and, if we didn't get on, then each side could pull out of the deal. It was basically a deal made out of trust.
Why we made the decision I do not know, as most artistes would have taken the money offered. We were not wealthy at all but in the end, out of everyone we had met, Daniel seemed to be the most honest.
We still didn't believe we could be successful but we were having a great time playing gigs and were about to realise our ambition of going into a studio to record and release our first single.
In Blackwing Studios in South London we made "Dreaming of Me" which, to our shock, reached no.44 in the UK charts and, more importantly to Mute, and us it was the No.1 indie record of the year 1981.
We immediately started work on an album, which would consist mainly of songs we had been performing for the past year and a half. I still remember these sessions vividly. We were young and naïve but the buzz of making an LP was incredible.
The album was to be called "Speak and Spell" and the cover which was basically a swan stuffed in a plastic bag must still rate as one of our worst covers ever. Before it was released we put out our second single "New Life" which became our first UK top 20 hit, peaking at no.11 and amazingly we were offered Top of the Pops.
We were still living at home and, because Mute were an indie, there was no budget for limos. Therefore, for the show we travelled on the train from Basildon then took the tube to the BBC television centre where the security didn't believe we were in a band. We were eventually allowed in and performed. The next day I received a standing ovation at work. It was all becoming very surreal.
With the money we were getting from our gigs and the few royalties already coming in, we were now able to give up our day jobs. Unfortunately, it would seem that my efforts at work were not well appreciated as they never replaced me and, for several years, my colleagues kept a full-size cardboard cut-out of me on my old seat.
We had now decided to manage ourselves even though things were starting to get a bit crazy. Our third single "Just Can't Get Enough" had been released and it became our first international hit.
The relationship with Daniel and Mute was now reaping dividends. He produced our records and was involved in everything we did - including driving us on our first European tour. Thank god he soon gave this up! Rumours were circulating in the industry that because of our unusual deal our royalty rate was better than even Paul McCartney. Mind you, I would have swapped Mr McCartney's royalties for mine any day.
We were learning very quickly about every aspect of the record industry. Dan always encouraged us in this and this was to be the case throughout our career.
Unfortunately, after the release of the first album, and having just played the London Lyceum, Vince announced that he wanted to leave the band. We took this in our stride and Martin took on the full mantle of song writing. Initially Vince had said that he would continue writing for us, but when he played one of his new songs to us we said it was rubbish. Sadly the song was "Only You" which, with Yazoo, became one of the biggest hits of the decade!
To replace Vince, we took out an advert in the NME stating, "electronic band requires new keyboard player. Must be under 21. Alan Wilder was to become the new member of Depeche Mode and it was only after we had taken him on that he sheepishly admitted that he had lied about his age and was, in fact 22. Our career since then has been a spectacular ride. I still look back and wonder whether it was all a dream.
The next two albums "A Broken Frame" and "Construction Time Again" consolidated our career although, by the mid eighties, electronic music was considered by many to be passŽ. We struggled a little to keep our credibility but we stuck to our guns, believing that this was where music was leading.
Martin's song writing was, by now, much more confident and Dave was growing in stature as a front man. Our experience recording in Berlin had toughened up our image and we were now dressing in our trademark black. "Some Great Reward" released in 1984 saw us making headway all over the world, including our first no.1 in any major country - "People are People" in Germany.
Our international success has always been very important to us. Unlike most modern British bands, we've always felt our music has been more appreciated abroad and, because of this, we have recorded most of our records in Europe or America, in cities not only such as Berlin but also Hamburg, Paris, Madrid, Milan and New York.
The next 3 records, "Black Celebration", "Music For the Masses" and finally "Violator" established us as one of the biggest bands in the world with a live following that was both huge and fanatical. Violator was especially a highlight, probably finding Depeche at it's creative peak in terms of quality of songs and sound.
Around this time we started working with Dutch photographer Anton Corbijn who has since gone on to mastermind our image with photos, record covers, video and live show design.
Another great highlight of this period was the sold out show at the Rosebowl in Pasadena, California, 1988 which became one of the starting points of modern alternative rock in the States. This concert was famously filmed by legendary filmmaker D.A Pennebaker and released as the movie "101" It is about to be released in an updated DVD format.
"Songs of Faith and Devotion" will be remembered as a great album but at the time it was the start of many emotional and personal problems for all members of the band. The tour after this album was the longest we have ever undertaken, with around 180 gigs lasting one-and-a-half- years and unfortunately this took its toll.
Alan quit the band shortly after and it was the first time that I thought perhaps Depeche Mode would finish.
As a 3-piece again, and finally appointing a manager, Jonathan Kessler, we started to record "Ultra" which we thought might never be completed. But, we managed to pull things together and, in the end, the success of the album and the tour a couple of years later, proved that we were very much on song. We continued with "Exciter" where, in my opinion, Martin's songs and Dave's voice have never sounded better. The subsequent tour sold out faster than any previous Depeche tour.
As you can see, our careers in Depeche Mode have been staggering. Most artistes last for a few years at the most and we have now been going for nearly 24 years which we can extend if we choose to. I think there are several reasons for this: there has always been an electricity within the band where all our good and bad traits seem to complement each other, we had a vision where music was heading and our many live performances from small clubs to big stadiums have earned us a great reputation. Perhaps the main two reasons are firstly, we have been lucky to have had two great songwriters in the group - Vince Clarke and Martin Gore - and good songs for me are the key for success and secondly our relationship with Mute Records.
The partnership has carried on all these years. Mute is now a big record company and Depeche are one of the biggest bands in the world. The relationship, I believe, has allowed us to naturally grow and evolve our music and our career over many years. We have never been told how our music should sound and we haven't had commercial pressure thrust down on us. In fact, I believe that if we had chosen the path of a major record company I would not be here talking to you today.
This brings us to the current time, August 2003. What are Depeche Mode up to now. Well, after the last tour we decided that we must take a break. These days we all have families and other commitments, which stop us working at the same pace as we did during the eighties and nineties.
Despite this, we have all been very busy. Martin has recorded and released his second album of covers entitled "Counterfeit²" and went off on a short, successful solo tour.
Dave has just recorded his first album of his own songs, which have been well received, and is on a tour of Europe and the US.
I decided to do something that I have been thinking about over the last 10 years or so. Setting up my own record company. Up till now, with Depeche working almost constantly, it has been difficult finding the right artist in the short breaks I've had.
On our Exciter tour, a duo called Technique played on a handful of our shows in Europe. After the tour they decided to form a new group called Client. I kept bumping into them in my local pub and they gave me their latest demos. When I listened to them at home I got very excited. The songs and the sound were very fresh and had a certain edge. The relationship developed to such an extent that I was desperate we should release it somehow.
It was at this point last year that I decided to form my new record company Toast Hawaii. I also decided that the best way forward was to work in the same way as the Mute/Depeche relationship. Client and Toast Hawaii are a partnership sharing the costs and the profit. I'm involved in every aspect of their career and encourage them to be a part of any decision relating to every aspect of the project.
We are just about to release the album which was recorded at home for just £12000. This was achieved by embracing all the new technology available in home recording. We are conscious that, in today's record climate, costs need to be strictly limited and income has to be sought in many different ways, other than record sales. Client write their own songs, make records, DJ, remix, play live and design their own merchandise. We are confident that, even though they might not become superstars, they can remain pretty cool and make a decent living in today's sluggish record environment.
A lot of record company types tell me that because of the internet and CD copying, record sales are falling fast. This is a complicated issue and, to a certain extent it's true, but unfortunately, at moment, music just isn't particularly exciting enough to get kids rushing into the record stores. The excitement of the Harry Potter book launch hasn't happened too much in the record industry in the last 10 years or so. Toast Hawaii aims, in a small way at least, to change this.
Both Depeche Mode and Client fully embrace the net. It is a great forum for establishing worldwide fan bases and Client were able to start their own website from scratch before the 1st single "Price of Love" had ever been released, and create their own style and image.
I realise that CD copying is inevitable but if this happens to you at least it gives you a signal that you are becoming popular. And, as I've already pointed out, Client don't need to sell as many records due to their control of the costs.
At the moment I am enjoying my role as a record company supremo, allthough I don't think I'm going to be the next Richard Branson or even Daniel Miller! As you may have heard last night, I've also added D.J'ing to the new things I am doing at the moment, playing mostly classic and modern electro. And although I may not be a great technical DJ, I'm playing good songs that people want to hear. Together with this and Toast Hawaii means that I get to listen to tons of music, which can't be bad. The feeling that I have with Client and Toast Hawaii at the moment reminds me of the excitement I spoke of in the early Depeche years.
I am looking forward to the end of this year and the next, and I hope to be involved in a new Depeche CD and a second Client CD plus any other exciting projects that may come my way. Martin is starting writing this September and hopefully, when Dave has recovered from his tour, recording can start sometime next year.
Client will be performing and promoting their debut CD until the end of the year when work will start on a follow up which, we are aware, has to be even better.
For any budding songwriters or musicians out there, it must get very frustrating with the way that record companies are cutting back on new music, and with the media's obsession on just a few superstar acts that come and go very quickly.
I believe there is a great opportunity at the moment to do more and more things yourself. As I've already said, tools such as new cheap recording technology, great new computer programmes for song writing, and the internet, where you can create your own website and even have the possibility of selling your new material.
Music is still as wonderful a medium as it has ever been. Record companies are failing to invest in long-term careers thus filling the charts with superficial crap.
As you can see, I have been blessed with my lifetime in music.
I'm sorry I've given you the clean version today; perhaps next time I'll give you the x-rated one.

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« Reply #13 on: 24 March 2012 - 00:41:50 »
2003-08-17 - EW3 - New Depeche project in the cards...

News: New Depeche project in the cards...
 Posted by: Peter²

Talking at this years Popkomm (a music industry trade festival), Fletcher delved into Depeche Mode past, present and future.

We're gonna skip the past, and go straight to the bits about the future of the band.

"I am looking forward to the end of this year and the next, and I hope to be involved in a new Depeche CD and a second Client CD plus any other exciting projects that may come my way.

Martin is starting writing this September and hopefully, when Dave has recovered from his tour, recording can start sometime next year.

Client will be performing and promoting their debut CD until the end of the year when work will start on a follow up which, we are aware, has to be even better.

Sounds good, huh? I should think so! In parting Fletch left us with these words of wisdom:

Music is still as wonderful a medium as it has ever been. Record companies are failing to invest in long-term careers thus filling the charts with superficial crap.

So there!

If you want to read the entire speech, you can do so on our forum by clicking here.

Thanks to Niggels for bringing this to our attention.

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« Reply #14 on: 24 March 2012 - 00:42:44 »
2003-08-22 - Der Standard (Austria) - Popkomm mit Zweckoptimismus

Popkomm mit Zweckoptimismus
REDAKTION, 22. August 2003 23:00

Bei der größte Musikmesse der Welt in Köln sprach Depeche Mode-Musiker Andrew Fletcher Tröstliches
Köln - Bei der weltgrößten Musikmesse Popkomm in Köln hat am letzten Veranstaltungstag die Musik selbst im Mittelpunkt gestanden. Ging es am Donnerstag zentral um das Verhältnis von Pop und Politik und am Freitag um neue, legale Wege des Musik-Downloads, so wurde die Messe am Samstag von Andrew Fletcher, Mitglied der Synthie-Pop-Band Depeche Mode, eröffnet. Dieser berichtete über die rund 25 Jahre seiner Karriere, sein Platten-Label und zeigte Zukunftsperspektiven für die krisengeschüttelte Branche aus Sicht eines Künstlers auf.
Nach den jüngsten Trennungsgerüchten verkündete Fletcher außerdem, dass Depeche Mode konkrete Pläne für ein neues Album hätten. Mit den Aufnahmen dazu solle Anfang des kommenden Jahres begonnen werden. Zuletzt hatten die Depeche-Mode-Mitglieder Dave Gahan und Martin Gore mit Soloprojekten auf sich aufmerksam gemacht. Fletcher hatte das Label Toast Hawaii gegründet und die Elektro-Pop-Duo Client unter Vertrag genommen, die am Freitagabend in einem Kölner Club auftrat.
Fletcher plauderte über die Anfänge von Depeche Mode und machte für den Erfolg der Band vor allem das gute Verhältnis mit dem relativ kleinen Label Mute verantwortlich, dem die Band trotz lukrativer Offerten seit Beginn ihrer Karriere treu geblieben ist. Die Firma um Chef Daniel Miller habe nie kommerziellen Druck ausgeübt, obwohl Miller immer in die Dinge involviert gewesen sei. Genau dieses Rezept versuche er jetzt mit seinem Label umzusetzen, sagte Fletcher. Er sei in alles involviert, ermutige aber auch die Band Client, sich für alles selbst zu interessieren.
Das Internet bezeichnete Fletcher als große Chance für neue Bands. Die Künstler hätten selbst mehr Kontrolle und Einflussmöglichkeiten, wenn es um ihre Außendarstellung und die Verbreitung ihrer Musik gehe. Damit setzte Fletcher ein Gegengewicht zu den Aussagen von Vertretern der Tonträgerindustrie während der Popkomm, die dem Internet die Schuld für die Umsatzeinbrüche der vergangenen Jahre gaben.
Zum Auftakt der Popkomm hatte die Musikwirtschaft für das erste Halbjahr 2003 beim Verkauf von Tonträgern einen Rückgang von 16,3 Prozent gemeldet. Der Vorsitzende der deutschen Phonoverbände, Gerd Gebhardt, befürchtet für das laufenden Jahr den geringsten Umsatz seit 13 Jahren. Mit einer Erholung sei erst in etwa ein bis zwei Jahren zu rechnen.
Inzwischen haben mehrere Musikunternehmen für Herbst in Deutschland eine gemeinsame umfassende Plattform für Musik-Downloads angekündigt. Aus Branchenkreisen hieß es, der Preis für einen Song werde bei etwa 99 Cent liegen. Die Popkomm findet in diesem Jahr zum 15. und letzten Mal in Köln statt. Ab dem kommenden Jahr wird sie in Berlin veranstaltet. (APA/AP)

2003-09-xx - Karneval magazin (Czechoslovakia) - History of DM

[Thanks to Milik for offering to send in this scan!]

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